TINTA CHINA

PELICULAS DE TINTIN CON ACTORES

2011-12-31T15:40:00.000-08:00

DURANTE LOS AÑOS 60 DEL SIGLO PASADO SE FILMARON DOS PELICULAS DE TINTIN CON ACTORES REALES....UNA FUE “Tintín y el Secreto del Toison de oro'' DE 1961 Y LA OTRA “Tintín y el misterio de la naranjas azules”DE 1964

AQUI REPRODUCIMOS ALGUNOS TRAILERS DE LAS PELICULAS EXTRAIDOS DE YOUTUBE
(esta entrada sera actualizada )

DETRAS DE ESCENA DE LA NUEVA PELICULA DE SPIELBERG Y ULTIMO TRAILLER

UNA LINDA ANIMACION

FELIZ AÑO NUEVO PARA TODOS !!

2011-12-31T06:59:00.000-08:00

ENTREVISTA A STEVEN SPIELBERG SOBRE TINTIN

2011-12-28T12:45:00.000-08:00

Entrevista: Steven Spielberg tienta al destino con sus animados 'Tintín'
Por Matt McDaniel | Movie Talk - mar, 20 de diciembre 2011

Steven Spielberg el pasado domingo, cerrando uno de los más ocupados años de su carrera. En 2011 produjo "Super 8", y fue el productor ejecutivo de "Transformers: Dark of the Moon",. "Cowboys & Aliens" y "Real Steel", junto con los programas de televisión "Falling Skies" y "Terra Nova" Y si eso no fuera suficiente, también ha dirigido dos películas que están siendo liberados sólo cinco días de diferencia: ". War Horse", "Las aventuras de Tintín"

Spielberg ha tenido los derechos para hacer una película a partir del clásico de "Tintin", serie de cómics de Hergé, hace casi 30 años, pero no fue hasta que se asoció con el "Señor de los Anillos" de Peter Jackson que fue capaz de que el proyecto sea una realidad. Con Jackson como productor, Spielberg hizo su primera película de animación que utiliza la tecnología de captura de movimiento, el mismo proceso utilizado para crear a Gollum en "anillos". Esto permitió a los actores Jamie Bell, Andy Serkis y Craigto Daniel darle a los personajes vida, y le dio a Spielberg el mayor reto tecnológico que ha enfrentado desde el primer "Parque Jurásico".

La película resultante es un misterioso mundo - con barcos piratas, hidroaviones, y persigue la motocicleta - que utiliza la vanguardia de gráficos por ordenador en 3D para presentar un cuento clásico de la aventura. Tuve la oportunidad de hablar con el tres veces ganador del Oscar por "Tintín", y explicó cómo se adapta su proceso de filmación y cómo es su relación con Peter Jackson igual que la de los personajes principales de la película.

Matt McDaniel: Me imagino que una de las mejores cosas de trabajar en el cine es que siempre hay algo nuevo que explorar, y "Tintin" tenía los elementos más nuevos de cualquier proyecto que haya tenido en un tiempo, ¿no?

Steven Spielberg: No, ya que "Jurassic Park", donde tuvimos los primeros personajes principales digitales. Esa fue la primera vez que se había hecho. Yo no creo que se han involucrado en la tecnología como fundamental para el éxito de una historia, no desde "Jurassic Park"

MM: Ahora, ¿hay un factor de intimidación que va en eso, o simplemente un nivel de emoción?

Spielberg: No, no es intimidación. Es sólo una especie de tentar al destino con el fin de hacer algo así fuera de la caja que me siento en el único medio adecuado para contar la historia de "Las aventuras de Tintín".

MM: Cuando usted está tratando con este tipo de lienzo completamenta en blanco en un mundo, ¿cómo encontrar el equilibrio entre la fantasía y la realidad de ella?

Spielberg: Bueno, por suerte con la animación, la fantasía es su amigo. Y cuanto más extravagante y más fuera de control de la historia parece estar llegando a - y llegar a hacer reír y para llegar a una relación de amigos película real entre Tintín y Haddock, y llegar a una serie loca de flashbacks que le llevará de vuelta del siglo 17 - Creo que todas estas cosas se dan con mayor facilidad cuando el medio es animado y no una acción en vivo.

MM: Una vez dicho esto, ¿hubo momentos en los que se encontraban en el conjunto de captura de movimiento y el pensamiento: "Hombre, me alegro de que no estoy en un barco pirata o en el desierto"?

Spielberg: No, no, en absoluto, en absoluto, porque era un nuevo reto para mí. Así que nunca tuvo lo que estaba haciendo con el "Tintin" y lo comparó con lo que había hecho, digamos, un par de años antes, cuando yo estaba en localizaciones reales y disparar con vehículos reales y participar en una verdadera persecución.

No se puede comparar las manzanas con las naranjas. Mientras yo estaba trabajando con las naranjas, pensé que puede ser que también trabajan exclusivamente en ese género, y ni siquiera intento comparar el hecho de que no hay aire fresco, todo es aire acondicionado, y no hay luz solar en cualquier lugar que se encuentran en un volumen de captura de movimiento.

MM: También tuve la oportunidad de hablar con Jamie Bell, que interpreta a Tintin, y me dijo que le mira y el trabajo de Peter Jackson juntos fue un poco como la relación de Tintín y Haddock tienen en la película?

Spielberg: Sí, porque siento que soy más como Tintín y realmente creo que Pedro siente que se parece más a Haddock. Así que había un montón de risas en este camino que Pedro y yo llevamos juntos para hacer esta película.

Creo que he tenido una de las mejores experiencias en una asociación de colaboración desde mi muchas experiencias con George Lucas. Esto sin duda ha sido mi más emocionantes desde que trabaja con George.

MM: ¿Qué te pareció a ti mismo confiar en Peter Jackson para la mayoría de los?

Spielberg: Sólo la paciencia. Yo soy un director muy impaciente. Yo al igual que para obtener un resultado lo más rápidamente posible, y Pedro es una especie de "Vamos a esperar a que, vamos a esperar a que el estado de ánimo que bien, vamos a esperar a que el día correcto." No apresurar las cosas, y creo que en ese sentido, tuvo una influencia muy calmante en mí que no era urgente.

Si tuviéramos que ir unos días más en el escenario de captura de movimiento para hacer una película mejor, que así sea. Paramount y Sony tienen mucho dinero. Por suerte, sólo fue un par de millones de dólares por encima del presupuesto, y estoy muy orgulloso de decir que fue sólo un par de millones de dólares en un presupuesto muy relativamente bajo para una película completa de animación como esta.

MM: Y yo estaba muy impresionado por cómo los actores desaparecen completamente en los personajes, no es sólo facial, sino que se refiere a rendimiento. Difícilmente se puede saber que era Daniel Craig en ese país. ¿Qué es lo que ayuda a los actores con el fin de obtener la tarjeta de su personalidad establecida y sólo se los personajes?

Spielberg: No es lo que hice para influir en los actores, es lo que los actores hicieron para crear la sensación de que no importa cómo en la parte superior que realizan las funciones, que siempre estaría a salvo y culpó nunca, porque no se parecen a ellos .

Así que Daniel Craig siempre supo que él puede jugar un villano infame y ser realmente en la parte superior, pero no sería Daniel Craig, que fue en la parte superior, que sería Sakharine. Y Daniel solía decir: "Mira, si la gente no le gusta Sakharine, todavía me va a querer, porque no se parece en nada a este tipo."

Y Jamie Bell siempre broma y decir: "Nadie puede ver mi cara, que me da más coraje para correr riesgos." Andy sentía lo mismo. Andy Serkis sentido - porque no era la cara de Andy en la pantalla, era la cara del capitán Haddock en la pantalla - Andy pudo experimentar y descubrir realmente a través de la improvisación y la experimentación cómo dar Haddock, una personalidad aún más grande.

MM: ¿Dónde ve usted la tecnología de captura de movimiento va a ir? ¿Crees que va a vivir lado a lado con la animación tradicional o tomar el control?

Spielberg: No, creo que hay espacio para todos los géneros. Hay espacio para todos los géneros. Todo es cuestión de fundición de la tecnología adecuada con la historia de la derecha y lanzar esta tecnología, me siento - me siento muy orgulloso de decir que lanzar esta tecnología y para ser capaz de llevar "Tintin" en la proximidad más cercana a la real mano a -el papel del arte de Hergé, que inventó el "Tintin" comics y personajes.

Pero creo que todo cineasta tiene que tomar esa decisión por sí mismo. Todo el mundo tiene que encontrar la manera de utilizar las herramientas y las herramientas están ahí ahora para todo el mundo a usar, y yo no creo que se suplanta a otra herramienta. Esto es sólo un sub-género en el mundo de colores muy amplia de la animación.

Batman 3 - The Dark Knight Rises trailer 2012 -

2011-12-28T05:32:00.001-08:00

Murió la reconocida mona Chita

2011-12-28T05:24:00.000-08:00

El primate, de 80 años, falleció a causa de un fallo renal en el refugio de animales The Suncoast Primate Sanctuary.

La popular mona Chita, que protagonizó en los años 30 y 40 doce películas de Tarzán, falleció a causa de un fallo renal en el refugio de animales The Suncoast Primate Sanctuary de Palm Harbor (Florida, EE.UU.), informó esta institución.

El fallecimiento se produjo el pasado 24 de diciembre, según informa esa fundación en su sitio, donde puso a disposición de los fans de la mona Chita un apartado para dedicarle un último adiós.

La famosa acompañante de Tarzán, que tuvo cerca de una decena de chimpancés que la sustituyeron en rodajes de secuencias de la saga, recibió en 2006, con motivo de su 74 cumpleaños, un homenaje y el premio Calabuch por sus méritos artísticos en el Festival Internacional de Cine de Comedia de Peñíscola
28 de diciembre de 2011

Primer trailer de El Hobbit, de Peter Jackson

2011-12-21T06:33:00.000-08:00

EXTRAIDO DEL SITIO WEB SALA 8

¡Llego! Si bien falta un año para su estreno, la primera parte de El Hobbit, la precuela del Señor de los Anillos ya tiene su trailer y podemos volver a disfrutar de la Tierra Media.

“The Hobbit: An Unexpected Journey”, su título en inglés, cuenta la historia de Bilbo, un hobbit que tras vivir tranquilamente en La Comarca, emprende un asombroso viaje junto a Gandalf y un grupo de enanos que lo llevarán a descubrir al Anillo Único, que desencadenará los hechos que ya vimos en las películas anteriores.

Jackson decidió contar la historia en dos partes, una basada en el libro de J.R.R Tolkien, y la otra, en un nexo entre este filme y la trilogía.

Martin Freeman interpreta a Bilbo, Ian McKellen regresa como Gandalf y Andy Serkis hace lo propio como Gollum. Se estrenará en diciembre de 2012.

FELIZ NAVIDAD PARA TODOS !!!

2011-12-16T04:55:00.000-08:00

FELIZ NAVIDAD PARA TODOS !!!

LES DESEA EL INDIO MATE Y TINTA CHINA !!

http://elindiomate.blogspot.com/

Papá Noel invade todas las salas

2011-12-01T14:11:00.000-08:00

de minutouno

Se acerca fin de año y con la renovación en la cartelera comienzan a llegar las películas navideñas, "Operación regalo" plantea una nueva mirada sobre el trabajo de Papá Noel que, modernizado, encara la dura tarea de entregar los regalos a todos los chicos del planeta en Nochebuena.

OPERACIÓN REGALO

Género: Animación
Intérpretes: Voces de Johnny Brennan, Matt Lucas, James McAvoy, Bill Nighy, Hugh Laurie, Jim Broadbent, Imelda Staunton.
Dirección: Sarah Smith, Barry Cook.
Duración: 90'

Arthur, el hijo torpe de Papá Noel, deberá entregar un regalo olvidado antes de la mañana de Navidad.

Una película sobre la Navidad en la que se destacan los avances tecnológicos en el operativo de reparto de juguetes, y muestra cómo Papá Noel y su ejército de elfos entrenados hacen regalos y los distribuyen por todo el mundo en una sola noche.

Sin embargo, cada operación tiene un margen de error que se considera "aceptable" si uno de los 600 millones de niños que tienen que recibir un regalo de Papá Noel en Navidad se pierde no es un problema para Steve, el cerebro de la operación.

En eso aparece Arthur, el hijo inadaptado, que ejecutará una misión no autorizada: entregar el regalo olvidado y salvar la Navidad.

La rana René explica por qué ahora es Kermit

2011-11-26T06:40:00.001-08:00

Bajo la órbita de Disney, se viene una nueva película con Amy Adams, Jason Segel y Chris Cooper. Desde que era pequeño, la rana René se llamaba precisamente así, René. Hasta que a algún genio del marketing decidió unificar su nombre (Gustavo en España; René en Latinoamérica) por su nombre real: Kermit.

No deja de ser divertida la explicación que realizan los propios personajes (Kermit y Piggy, no más Peggy) sobre un viaje a México que cambió el rumbo de la historia de uno de los personajes más conocidos de Jim Henson.

Los Muppets se estrenarán en la Argentina el 12 de enero.

TRAILER DE LOS MUPPETS 2011 !

2011-11-24T08:32:00.000-08:00

PROXIMAMENTE EN CINES !

NUEVO PERSONAJE EL INDIO MATE !

2011-11-24T07:30:00.000-08:00

HACE POCO NACIO UN NUEVO PERSONAJE LLAMADO EL INDIO MATE !

PUEDEN ENTRAR LOS QUE QUIERAN A SU BLOG !

http://elindiomate.blogspot.com/

Y SEGUIRLO POR FACEBOOK...

https://www.facebook.com/pages/EL-INDIO-MATE/292958990729104

O TODAS LAS SEMANAS EN MAGNIFICOMICS....

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TODAS LAS SEMANAS NUEVAS Y DIVERTIDAS TIRAS PARA TODOS !

LOS ESPERAMOS !

Latinoamérica celebra a Chespirito

2011-11-24T06:52:00.000-08:00

Chespirito, el creador de míticos personajes como El Chapulín Colorado y El Chavo del 8, recibirá un homenaje de parte de 11 países de Latinoamérica por sus 40 años de trayectoria, informó la televisora mexicana Televisa, que es la principal promotora del tributo.

Bajo el nombre de “América celebra a Chespirito”, la celebración incluye actividades a realizarse del 1 al 11 de marzo en México, Colombia, Argentina, Brasil, Bolivia, Guatemala, Ecuador, Perú, Costa Rica, Estados Unidos y Nicaragua, y concluirá con un acto el 11 de marzo en el Auditorio Nacional, en el que estará presente Roberto Gómez Bolaños, nombre real del afamado comediante.

“Se trata de un agradecimiento a mi padre por parte de Televisa, a la que se han sumado ya otras televisoras en Latinoamérica. Ha sido un poco complicado convencerlo, porque irónicamente a él no le gustan los reconocimientos públicos, es muy tímido, los que lo conocen, lo saben”, dijo el miércoles en rueda de prensa el productor Roberto Gómez Fernández, hijo del comediante homenajeado.

Santiago y Rubén Galindo serán los encargados de las diversas producciones alusivas a las cuatro décadas de vida de “Chespirito” y sus personajes, que acompañaron a varias generaciones de niños en todo el continente americano.

“Es un homenaje al actor, productor, escritor, al comediante, pero sobre todo al gran hombre. Es un homenaje que viste durante 15 días al Canal de las Estrellas de los personajes de ‘Chespirito’ y que pretende unir a todo el continente para darle oportunidad al público para que… rinda tributo a Roberto Gómez Bolaños”, explicó Rubén Galindo.

“La gente en Latinoamérica coincide en que Chespirito implantó toda una filosofía de vida, nos hizo a creer que a pesar de las diferencias políticas, sociales y culturales, todos podíamos convivir en paz y felices en una bonita vecindad”, recordó el productor Santiago Galindo.

Entre las múltiples actividades que se realizarán en el marco del homenaje habrá una mega coreografía, un concurso de imitadores con un premio de 50.000 dólares , una trivia sobre los personajes de “Chespirito”, un desfile, una canción en honor al comediante y tarjetas conmemorativas.

Las coreografías masivas se realizarán en México, Colombia, Argentina, Brasil y Estados Unidos a ritmo de quebradita, vallenato, tango, samba y hip-hop, respectivamente.

A la lista se suma un programa especial con narraciones de gente en Latinoamérica que se inspiró en “Chespirito” para salir adelante; una revisión por la vida y obra de Gómez Bolaños y un libro biográfico, entre muchas otras.

Gómez Fernández comentó que la salud de su padre se encuentra estable, aunque presenta problemas para caminar.

Señaló que algo que ha ayudado al actor de 82 años de edad a mantener su ánimo arriba es la red social Twitter, en la que “Chespirito” goza de casi dos millones de seguidores.

“Paradójicamente, su entrada a Twitter lo mantiene optimista. Mi padre ni siquiera tenía acceso a internet, usaba la computadora como máquina de escribir sofisticada, pero luego el formato de 140 caracteres le quedó perfecto, sobre todo porque él es muy conciso”, dijo Gómez Fernández, quien también adelantó una película animada del “Chapulín Colorado” para 2013.

Respecto a si los comediantes Carlos Villagrán y María Antonieta de las Nieves, que encarnaron a “Quico” y “La Chilindrina” en “El Chavo del Ocho”, estarán en el homenaje, Gómez Fernández dijo que depende de ellos. Ambos entablaron una disputa legal con Gómez Bolaños por los derechos de los personajes de la teleserie.

“Nadie está excluido, todos los que quieran sumarse a este homenaje, el que quiera demostrarle su cariño a Chespirito está invitado”; agregó Rubén Galindo.

AP

El pájaro loco llegará al cine

2011-11-21T06:24:00.000-08:00

Pablo Scarpellini | Los Ángeles

Puede que para algunos pequeños en estos tiempos de múltiple oferta televisiva no sea un personaje familiar, pero sí que dejó huella en una gran cantidad de generaciones anteriores.

Ahora, tanto unos como otros podrán reencontrarse con el famoso dibujo animado del dibujante Walter Lantz, después de que los estudios Universal anunciaran que están trabajando en convertir a El pájaro loco —Woody Woodpecker, según su nombre original en inglés— en un largometraje.

De acuerdo con The Hollywood Reporter, tanto John Altschuler como Dave Krinsky están en negociaciones para encargarse del guión de un personaje que lleva sonando en los hogares estadounidenses desde 1940, con la inconfundible voz de Mel Blanc, quien después se encargaría de dar vida a uno de los más famosos dibujos de la Warner Brothers, el conejo Bugs Bunny.

Universal compró los derechos del simpático pájaro carpintero a Lantz en 1985 y ahora espera convertir al personaje en una máquina de hacer dinero con aventuras modernas, en tres dimensiones y con la idea de que se convierta en una franquicia de largo recorrido.

Cuentan con la nostalgia de antiguas generaciones, acostumbrados a ver los cortos de Woody desde los 50 en adelante, y del interés que puede despertar en sus hijos. En principio, conservará la esencia, sus rápidos movimientos y agilidad en vuelo, además del sonido característico de su risa, inolvidable para millones de adeptos.

Hergé se convierte en cómic

2011-11-21T05:43:00.000-08:00

El 'padre' de Tintín, Hergé, se convertirá en cómic. Una biografía en viñetas realizada por tres autores franceses respetará el estilo de línea clara que le definió.

'Las aventuras de Hergé', con 72 páginas a color, guión de Fromental y Bocquet y dibujos de Stanislas, respasará la vida de Hergé desde sus comienzos, cuando comenzó a dibujar durante un campamento de los Boy Scouts, hasta sus encuentros con artistas de la talla de Wharhol y sus crisis matrimoniales y vocacionales. De hecho, la historia que abordará también la frustración que le provocó no triunfar como pintor.

El cómic sale a la venta el 18 de noviembre. Norma Editorial, responsable de la edición en España, destaca que repasar la vida de este artista belga, nacido en 1907, lleva a abordar el impacto de hechos históricos.

Así, el inicio de su carrera, por ejemplo, coincidió con la invasión nazi. Hergé publicó en diarios de la época, algo que le hizo lidiar con críticas a lo largo de su vida.

MAÑANA SALE EL NUMERO 2 DE HIJITUS !!!

2011-10-21T10:14:00.000-07:00

TAPA Y CONTRATAPA EXCLUSIVA ANTES DE SU LANZAMIENTO

NO SE OLVIDEN ! MAÑANA SABADO SALE EL SEGUNDO NUMERO DE LAS AVENTURAS DE HIJITUS CON LAS MEJORES AVENTURAS DEL GRAN PERSONAJE DE GARCIA FERRÉ !

"Don Gato y su pandilla" llega a los cines en 3D y con gusto argentino

2011-10-14T07:56:00.000-07:00

PAGINA OFICIAL DE LA PELICULA

http://www.dongatoysupandilla.com/

Buenos Aires, 12 de octubre (Reporter). A tiempo para celebrar las bodas de oro del querido personaje, este jueves 13 de octubre se estrena la película de "Don Gato y su pandilla", animada en 3D y realizada en coproducción con un estudio nacional.

El filme busca que nuevas generaciones conozcan a uno de los personajes más queridos de los estudios Hanna- Barbera, cuyas aventuras fueron vistas por millones de televidentes en todo el globo.

En esta ocasión, el popular y desordenado grupo de felinos del callejón se enfrenta a un nuevo jefe de policía, Lucas Buenrostro. Este oficial quiere imponer sus reglas en la ciudad pero no sabe que se enfrentará a una terrible resistencia.

Don Gato, todos los miembros de su pandilla y hasta el propio oficial Matute harán todo a su alcance para impedir que este personaje cumpla con sus objetivos.

Realizada con técnicas de animación en 2D y 3D, "Don Gato y su pandilla" respeta el espíritu original de los dibujos animados y su inocencia, con algunas de las voces originales del doblaje latinoamericano.

La cinta es una coproducción de la firma mexicana Illusion Studios con la argentina Ánima Estudios, responsable de la adaptación para la gran pantalla de "Boogey el aceitoso".

La película batió récord de taquilla en México el mes pasado y tuvo un excelente desempeño en Brasil, dos sitios en donde Don Gato es un clásico televisivo. La producción llega justo cuando se cumplen 50 años del debut de la serie. (Reporter)

TB-LL

Rematan obra de Lichtenstein en más de US$35 millones

2011-10-13T11:38:00.000-07:00

La pieza "I can see the whole room" había cambiado de manos por última vez en 1988 por 2,09 millones de dólares.

La pintura "I can see the whole room, and there's nobody in it!" del fallecido artista estadounidense Roy Lichtenstein se subastará el próximo 8 de noviembre en Nueva York por entre 35 y 45 millones de dólares.

"La obra captura la sabiduría y el ingenio de los grandes trabajos de Lichtenstein", dijo en un comunicado el responsable de arte de posguerra y contemporáneo de Christie's, Brett Gorvy, quien añadió que "el lienzo investiga los conceptos y procesos de la pintura a través del uso de imaginería popular".

Lichtenstein pintó en 1961 "I can see the whole room, and there's nobody in it!" (Puedo ver la habitación entera, y ahí no hay nadie), en la que retrata a un hombre que mira a través de un hueco en una pared a la vez que pronuncia la frase que da título a la obra.

El artista empleó el estilo de los cómics que se convirtió en su seña de identidad, y para la obra se basó en un dibujo del artista William Overgard, quien se percató de la apropiación cuando vio la obra en una de las primeras exhibiciones importantes de arte pop, que se celebró en el Museo Guggenheim de Nueva York en 1963.

"Es muy halagador... creo", escribió Overgard en aquel momento a la revista Time tras ver el lienzo, que desde entonces se ha convertido "en una de las piedras angulares de la historia del arte pop", según destacó el experto de Christie's.

La última vez que "I can see the whole room and there's nobody in it!" cambió de manos fue en 1988, cuando se adjudicó, también en Christie's, por 2,09 millones de dólares.

En esta ocasión, la casa de subastas pretende igualar o incluso superar los 42,64 millones de dólares que recaudó en noviembre de 2010 por otra obra de similar estilo del mismo artista, "Ohhh... Alright..." de 1964, que muestra a una mujer afligida hablando por teléfono.

La tapa de "Nevermind", 20 años después

2011-10-13T11:35:00.000-07:00

Aquel bebé que nadaba en la pileta tras el dólar creció y, 20 años después, volvió a sumergirse para hacer la misma portada.

El disco de Nirvana "Nevermind" se volvió un clásico del rock desde que fuera editado, el 24 de septiembre de 1991, y su tapa con la imagen de un bebé desnudo sumergido en una pileta se convirtió en una imagen icónica.

Pero 20 años más tarde, ese bebé, llamado Spencer Elden, cumplió la misma cantidad de décadas que el disco insignia del trío de Seattle y lo festejó recreando la tapa, que generó una gran polémica en 1991 porque fue considerada impúdica.

Claro, que para esta oportunidad el joven Elden eligió hacer la toma subacuática vestido con un traje de baño negro, una buena idea teniendo en cuenta que ya pasó la tierna edad donde mostrar los genitales no es considerado pornografía.

De hecho, hace poco volvió la polémica alrededor de la tapa original de "Nevermind" dado que Facebook censuró la imagen por inapropiada, aunque sólo estaba para representar un grupo que conmemoraba los 20 años de la placa.

La tapa del álbum fue una creación del fotógrafo Kirk Weddle, quien por esos días compartía un estudio en Pasadena, California, con Rick Elden, padre del joven. "Cuando me presentan, lo hacen como el 'bebé Nirvana'", admitió el joven.

"Mi papá era especialista en efectos especiales en Hollywood. Fueron a una pileta cercana, me tiraron al agua y listo, así que fue más bien como dar una mano", recordó Elden al canal CNN a propósito del aniversario de "Nevermind".

Llega al cine una Evita animada

2011-10-13T11:31:00.000-07:00

Esta semana la cartelera del cine se renueva con estrenos para todos los públicos, desde una película basada en la vida de Eva Perón en versión animada hasta el desembarco de "Don Gato y su pandilla" en el universo del 3D.

"Eva de la Argentina" fue dirigida por la periodista María Seoane (autora también del libro “La Noche de los lápices”). La periodista narró la historia de la mujer de Juan Domingo Perón con pinceladas poéticas, ficción y pedazos de realidad entremechadas. La producción incluyó gráficos de Francisco Solano López (el dibujante de "El Eternauta") y música de Gustavo Santaolalla para endulzar la visión romántica de una figura a un paso de convertirse en mito popular.

Denuncian que el Gobierno hace un uso político de la figura de El Eternauta

2011-10-10T11:05:00.000-07:00

NOTA : EL BLOG NO SE RESPONSABILIZA POR LAS NOTICIAS NI ES EL AUTOR DE LAS MISMAS.

Nota del Diario La Nación.

En el último acto político en que participó Néstor Kirchner hubo un invitado especial: "El Nestornauta". El 14 de septiembre de 2010, con un Luna Park repleto de militantes, hizo su aparición estelar la adaptación política que hizo La Cámpora del famoso personaje de Héctor Germán Oesterheld.

Tras el fallecimiento del ex presidente -poco más de un mes después de aquel evento-, la figura de Kirchner dentro de la emblemática escafandra de El Eternauta, caminando, con un arma colgando en su hombro derecho, pasó a formar parte de la liturgia oficialista.

Pero la utilización por parte del Gobierno del dibujo trazado por Francisco Solano López hoy parece tener una barrera legal y política. Alejandro Scutti, titular de Ediciones Record -la editorial que fundó su padre, Alfredo-, cuestionó el uso político y comercial que se hace del mítico personaje.

"Están tergiversando el personaje, lo están politizando de alguna manera. Es un plagio", dijo a LA NACION Alejandro Scutti, quien, según un fallo de la Cámara Civil y Comercial N° 1 del 30 de agosto pasado, es el legítimo dueño de los derechos de autor de la obra de Oesterheld y Solano López.

El juicio lo habían iniciado la viuda del desaparecido guionista, dos de sus nietos y el fallecido dibujante, que acusaban a la editorial de defraudación por haber comercializado El Eternauta a fines de 1996. Pero el reciente fallo confirmó una sentencia en primera instancia del 29 de octubre de 2010 donde fallaba que la editorial de Alfredo Scutti compró la obra legítimamente en 1975.

Los usos de El Eternauta a nivel político no son pocos. Una de las primeras asociaciones que hubo entre el personaje de la historieta y el Gobierno fue el 21 de octubre de 2009, cuando la Presidenta recibió en el Teatro Argentino de La Plata, de la mano de la viuda de Oesterheld y de Solano López, un premio homónimo a la obra.

Según dijo el locutor en aquel acto, el galardón -una estatuilla de El Eternauta- se entregó "al coraje y la valentía política" de Cristina Kirchner por impulsar la ley de medios.

Dentro de La Cámpora nació en 2010 la idea del "Nestornauta". Pero ahora, la agrupación comenzó a brindar talleres "de juego y discusión" en escuelas secundarias denominados Héroe Colectivo, basados en la historieta. Según detalla la web de la agrupación fundada por Máximo Kirchner, "la iniciativa propone explicar la importancia de la democracia, vinculando distintas etapas del juego con hechos que afectaron al país a lo largo de su historia". La última fue el 6 de septiembre en la Escuela Media Nº 6 de Ramos Mejía.

Al finalizar la actividad, a cada alumno se le obsequia la historieta de Oesterheld. LA NACION intentó consultar a Andrés Larroque -subsecretario de Fortalecimiento de la Democracia en el ministerio de Aníbal Fernández y uno de los cabecillas de La Cámpora-, pero su vocero no dio ninguna respuesta.

"Quieren poner a Kirchner como un héroe y mantenerlo en el tiempo. Como fue [Juan Domingo] Perón en su momento", protestó Scutti, que afirmó haber pedido audiencias con la Presidenta. "Luego del acto del año pasado en el Luna Park, hablé con gente del secretario general de la Presidencia, Oscar Parrilli; con el secretario de Legal y Técnica, Carlos Zannini, y con Larroque, y ninguno me dio una respuesta", agregó.

"Nosotros somos los únicos titulares de los derechos de El Eternauta ; molesta que nadie busque al titular pertinente de los derechos para hacer lo que hacen", sostuvo.

El ámbito digital no está exento del "Nestornauta". La sorpresa la dio la agencia estatal Télam, que el 18 de febrero de este año se mostró en su portal como "La agencia de noticias del pueblo argentino", con imágenes de un mapamundi invertido acompañando del dibujo del ex presidente. Además, desde julio existe en Internet un motor de búsqueda que sólo muestra páginas afines al Gobierno. El Buskador.com.ar tiene como símbolo a "Nestornauta".

"El Eternauta ya está connotado como del Frente para la Victoria. No tengo opciones de hacer más nada con él", criticó Scutti.

!!!! VUELVEN LAS AVENTURAS DE HIJITUS A LOS KIOSCOS !!!!

2011-10-09T10:08:00.000-07:00

!!! GRANDES NOTICIAS PARA TODOS !!!

FESTEJAMOS LAS 200 ENTRADAS DEL BLOG '' TINTA CHINA '' CON UNA EXCELENTE Y ESPERADA NOTICIA !

EL ESPERADO REGRESO A LOS KIOSCOS DE LAS ´´AVENTURAS DE HIJITUS'' ANUNCIADA HOY DOMINGO 9 DE OCTUBRE EN EL DIARIO CLARIN...!!

(imagen enviada por Fabian Apolito correspondiente al aviso del diario Clarin )

FECHA DE LANZAMIENTO : SABADO 15 DE OCTUBRE

NÚMERO 1 DE REGALO CON EL DIARIO CLARIN !!!....A NO PERDERSELO FANATICOS DE HIJITUS !!!

(LA IMAGEN DE ARRIBA ES DEL BLOG DEL COLECCIONISTA Y FANATICO DE GARCIA FERRÉ, FABIAN MULIS.. http://loshobbiesdefabianmulis.blogspot.com/ )

DESDE ESTE BLOG QUEREMOS FELICITAR A TODOS LOS QUE DESDE HACE AÑOS ESTAN REALIZANDO LAS CAMPAÑAS PARA EL RESURGIMIENTO DE LOS PERSONAJES DEL MUNDO DE GARCIA FERRÉ Y LOS GRANDES PERSONAJES DE LA HISTORIETA Y LA ANIMACIÓN ARGENTINA

Y POR SUPUESTO QUEREMOS AGRADECERLES INFINITAMENTE A TODOS LOS VISITANTES QUE ENTRAN DIA A DIA A ESTE BLOG DESDE TODAS PARTES DEL MUNDO !!!!

SEGUIREMOS ESPERANDOLOS CON GRANDES NOTICIAS !!!

UN ABRAZO GRANDE PARA TODOS !

LOS SIMPSONS SIGUEN DOS TEMPORADAS MAS...

2011-10-09T09:53:00.000-07:00

La cadena Fox anunció la renovación del contrato.

El estudio Fox anunció en un comunicado la renovación de “The Simpsons”, la comedia más longeva en la historia de la televisión estadounidense, por dos temporadas más.

El “show”, que hasta ahora se ha hecho con 27 premios Emmy desde su estreno el 17 de diciembre de 1989, se asegura así alcanzar su vigésimo quinta temporada y un total de 559 episodios, justo cuando la falta de acuerdo entre el estudio y los actores en torno a las cifras de un nuevo contrato amenazaba con la cancelación del programa tras más de 20 años en antena.

Aunque en el comunicado oficial no se menciona el acuerdo, la revista especializada The Hollywood Reporter adelantó hoy que el elenco de intérpretes finalmente aceptaría una importante rebaja en su sueldo -tal y como deseaban los ejecutivos-, aunque no tan extrema como pretendía la compañía.

La apuesta más fuerte se jugó esta semana, cuando el estudio daba a conocer la situación en un comunicado.

“Tras 23 temporadas, ‘The Simpsons’ sigue siendo tan creativa como siempre y sigue siendo amada por millones de personas en todo el mundo. Creemos que esta brillante serie puede y debería continuar, pero no podemos producir temporadas futuras bajo el modelo financiero actual”, explicaba la compañía.

Fox había decidido recortar gastos drásticamente y ofreció al reparto una revisión de sus contratos, por los que cobrarían un 45 por ciento menos de sus cantidades actuales, desveló el portal especializado The Daily Beast.

Esa web aseguró que los actores principales cobraban hasta ahora unos 400.000 dólares por episodio, en torno a los 9 millones de dólares por un mínimo de 20 capítulos.

Los actores involucrados en la disyuntiva eran Dan Castellaneta (Homer), Julie Kavner (Marge), Nancy Cartwright (Bart), Yeardley Smith (Lisa), Hank Azaria (Moe) y Harry Shearer (Mr. Burns).

Durante la semana se había filtrado que aceptarían un recorte menor, de hasta un 30 por ciento, si a cambio recibían una pequeña parte de los ingresos multimillonarios que reporta la serie a Fox.

Finalmente, y según The Hollywood Reporter, habrían renunciado a esa cantidad.

Esa petición era fundamental para Shearer, quien en un comunicado emitido el viernes aseguraba que aceptaría un recorte superior al 70 por ciento de su salario siempre y cuando recibiera parte de esos beneficios, al igual que lo hacen los productores de la serie.

Shearer, a través de sus representantes, preguntó al estudio qué cifra estaría dispuesto a pagar con tal de que aceptaran el reparto de un porcentaje de los ingresos. Sin embargo Fox, según dijo el actor, se negaba a repartir esos ingresos entre el reparto.

El intérprete sostuvo en la misiva que los actores aspiraban a “un porcentaje diminuto de la cantidad de los millones de dólares que genera la serie en beneficios”.

Un estudio auspiciado por el elenco involucrado en las negociaciones estima que la serie ha generado ingresos por valor de 3.950 millones de dólares desde su creación, incluyendo ingresos por publicidad, multidifusiones, emisiones internacionales, mercadotecnia y ventas en DVD, entre otros campos, según el portal The Wrap.

El coste de las 23 temporadas asciende a 3.007 millones de dólares, por lo que los beneficios globales se sitúan en unos 943 millones.

La serie se convirtió en todo un fenómeno cultural desde la década de los noventa e incluso ha dado pie a una película, “The Simpsons Movie”, que sumó en 2007 más de 500 millones de dólares en todo el mundo.

EFE

POSTERS Y TRAILLER DE TINTIN EN 3D !!!

2011-09-29T18:12:00.000-07:00

EXCELENTE LA NUEVA PELICULA EN 3D DEL GRAN PERSONAJE DE HERGÉ !

PARA ESTAR ATENTOS A LA CARTELERA Y NO PERDERSELA !

El creador de Asterix encontró sucesor

2011-09-26T16:41:00.000-07:00

Albert Uderzo seleccionó al heredero que continuará las aventuras en la aldea gala.

Albert Uderzo, creador con René Goscinny de las aventuras de "Astérix", célebre personaje galo de tiras cómicas, anunció este lunes haber encontrado un sucesor entre los dibujantes que trabajan con él desde hace tiempo, en declaraciones a una radio francesa.

"Este dibujante es alguien que nos ha seguido durante tiempo en el estudio que habíamos creado", declaró Uderzo.

Cuando falleció René Goscinny, el 5 de noviembre de 1977, "tenía la idea de terminar todo, como Hergé (creador de Tintin, otro personaje de tiras cómicas), pero lo reconsideré. Deseo que esta continuidad dure generación tras generación", agregó Uderzo.

Asterix apareció por primera vez en la revista francesa Pilote en octubre de 1959. Es el personaje central de una serie de aventuras que se sitúan en el primer siglo de nuestra era.

Asterix y todos los galos, habitantes de un pueblo imaginario en el extremo oeste de Francia, enfrentan ayudados por la poción mágica preparada por el druida a los invasores romanos de Julio César, a los que sistemáticamente asestan monumentales palizas.

Los 33 tomos de la serie, que Uderzo continuó editando después de la muerte de Goscinny, vendieron 33 millones de ejemplares en el mundo, dos veces el tiraje de las diversas ediciones de Tintin, el otro gran personaje de las tiras cómicas francófonas.

Los fanáticos, de para bienes: podrán seguir disfrutando de la saga de aventuras de Asterix, Óbelix, el druida Panorámix y tantos otros personajes.

Las estrellas escondidas en "Star Wars"

2011-09-26T16:05:00.000-07:00

(Por: Valeria Martínez, Yahoo! España).- “Star Wars” no sólo está formada por estrellas como Harrison Ford, Liam Nesson o Ewan McGregor; por las marionetas de Frank Oz o las espadas láser. En sus más de 30 años de existencia, George Lucas nos dejó sorprendentes cameos a lo largo de toda su saga. Descubrí en esta lista algunos de los famosos que hicieron sus primeras armas en el cine con pequeñas apariciones.

1. Keira Knightley

Película: Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma

Antes de saltar al estrellato con “Piratas del Caribe”, la joven actriz inglesa dio su primer paso en Hollywood tras ser elegida por su parecido a Natalie Portman. Interpreta a Sabé, la encargada de suplantar a la Princesa Amidala.

2. Rose Byrne

Película: Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones

Mucho antes del éxito de “La boda de mi mejor amiga”, esta australiana ya comenzaba a buscarse su lugar en el mundo de cine. En el segundo episodio de la saga de George Lucas dio vida a Dormé, la sirvienta leal y silenciosa de la Princesa Amidala.

3. Keisha Castle-Hughes

Película: Star Wars: Episodio III - La venganza de los Sith

Un año después de convertirse en la actriz más joven nominada a la categoría de Mejor Actriz en los Oscar por “Whale rider”, la neocelandesa apareció en la última entrega de la saga de ciencia ficción como la Reina de Naboo.

4. Sofia Coppola

Película: Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma

Acostumbrada a aparecer en las películas de su padre y amigos, vemos a Sofia como una de las cinco criadas de Amidala, Saché.

5. John Ratzenberger

Película: El imperio contraataca

Seguro que muchos le recordarán de su papel en la serie 'Cheers'. Además, antes de convertirse en el actor predilecto de los estudios Pixar (ha prestado su voz en casi todas sus películas), Ratzenberger fue el oficial Bren Derlin en “El imperio contraataca”.

6. George Lucas

Película: Star Wars: Episodio III - La venganza de los Sith

En honor a los fans de su famosa saga, George Lucas aparece en la última entrega con la piel de color azul dando vida al Baron Papanoida. No tiene diálogo y tan solo aparece en una escena: durante la entrada de Anakin Skywalker en la Ópera.

Eduardo de Valfierno: el argentino que vendió 6 veces la "Mona Lisa"

2011-08-22T10:56:00.000-07:00

del diario Clarin, seccion cultura...

21/08/11 Ayer se cumplió un siglo de su golpe maestro: el robo de “La Gioconda” de Da Vinci.

PorEzequiel Martínez

Ya nadie recuerda a Eduardo de Valfierno. Quizás porque murió allá por 1931 de manera tan clandestina como anduvo por la vida. O acaso porque el tiempo destiñó toda certeza sobre su historia. Excepto una: Eduardo de Valfierno, autor intelectual del robo del retrato más famoso de todos los tiempos, era argentino.

En 2004 su apellido se transformó en novela ( Valfierno de Martín Caparrós, ganadora del Premio Planeta), pero pasarían varios años hasta que su nombre ingresara en los archivos policiales del caso que desperezó al mundo hace exactamente un siglo, la mañana del martes 22 de agosto de 1911, al descubrirse que La Gioconda de Leonardo da Vinci había desaparecido del Museo del Louvre. Al escándalo le sucederían 2 años y 111 días de incredulidad y vergüenza: durante todo ese tiempo, el paradero de la Mona Lisa fue un absoluto misterio.

La trama comenzó el domingo 20 de agosto de 1911, cuando un carpintero italiano entró al Louvre poco antes de la hora de cierre. Se llamaba Vincenzo Peruggia y llevaba una existencia a media asta: pobre, solitario y de pocas luces, se mudó a París con la esperanza de lograr algo que se pareciese a un porvenir. Allí empezó a realizar trabajos temporarios en el Museo. Gracias a aquel servicio se acostumbró a las rutinas de los guardias, conoció las salidas y escondrijos más próximos al Salón Carré, donde se hospedaba la pintura de la sonrisa melancólica.

Valfierno había llegado a París después de varias estafas en Sudamérica junto a su socio Yves Chaudron, un virtuoso falsificador de obras maestras. En Francia se adosó el título de marqués y comenzó a planear su golpe más ambicioso. La eficacia de Valfierno residía en su paciencia: a Chaudron le llevó catorce meses concluir seis copias impecables de la Mona Lisa , mientras Valfierno iba detectando a media docena de millonarios dispuestos a hipotecar su imperio con tal de tener aquel retrato colgado en la pared. La obra original era lo que menos le interesaba al estafador argentino. Sólo necesitaba que la noticia del robo recorriera el mundo para vendérsela a sus potenciales compradores.

No tardó en convencer a Vincenzo Peruggia de cometer el robo. El domingo 20 de agosto el carpintero se ocultó en un pequeño depósito de herramientas próximo al Salón Carré y pasó allí la noche. Al día siguiente, un lunes, las puertas del Museo permanecieron cerradas al público. Vincenzo salió de su escondite, descolgó la pintura de la pared, la despojó de su escudo vidriado y de su marco aristocrático, la ocultó bajo su guardapolvo y atravesó la salida como un operario más.

Cuando un guardián notó el espacio vacío pensó en una nueva sesión de fotos: el Louvre había inaugurado un estudio fotográfico y la célebre dama de Leonardo era una de sus modelos más solicitadas. Pasaron las horas y pasó el día y el guardia no preguntó nada, no avisó nada. Recién el martes 22, cuando el Museo reabrió para el público, se advirtió que La Gioconda y su sonrisa habían desaparecido. La noticia, tal como había previsto Valfierno, se divulgó hasta en las naciones más minúsculas, pero el estupor fue mayúsculo. Al robo, fatalmente irresuelto, le siguió el luto y la resignación.

¿Dónde estaba la pintura? Pues a pocas cuadras del Louvre, en la modesta habitación del hotel donde se hospedaba Vincenzo. El argentino no volvió a tomar contacto con el carpintero italiano, que siguió con su vida oscura sin saber muy bien qué hacer con esa obra maestra que había ocultado debajo del falso fondo de un baúl destartalado. Hasta que en el otoño de 1913 leyó en un diario italiano un anuncio que sacudió sus nervios de gelatina. Un anticuario de Florencia compraba “a buen precio objetos de arte”. Lo contactó y el anticuario, escéptico pero intrigado, le respondió citándolo en Florencia para el 22 de diciembre. Peruggia fue al encuentro, le mostró la pintura y el comerciante, anonadado, dio parte a las autoridades.

La noticia del hallazgo recorrió el mundo y el domingo 4 de enero de 1914 la Mona Lisa ya volvía a sonreír desde en el Salón Carré del Museo del Louvre. En Florencia, la justicia condenó a Vincenzo Peruggia a un año y quince días de prisión. Salió a los siete meses: para los italianos se había transformado en una suerte de romántico héroe nacional que había intentado devolver a su patria a La Gioconda . No se supo mucho más de él hasta su muerte, en 1947.

¿Qué fue de Valfierno? El argentino habría pasado una existencia sin sobresaltos hasta su muerte en los Estados Unidos, en 1931. Pero antes, empalagado de soberbia, le confesó a un amigo, el periodista norteamericano Karl Decker, el origen real de su fortuna. Aportó datos, fechas, descripciones y hasta el nombre de los seis millonarios a los que había estafado, con la única condición de que la historia se divulgara después de su muerte y su vida misma fuese leyenda.

Falleció Solano López, el dibujante de "El Eternauta"

2011-08-12T13:59:00.001-07:00

12/08/11 - 10:02

Había nacido en 1928 en Buenos Aires y publicaba profesionalmente desde 1953. Ya era conocido cuando ilustró la historieta de Oesterheld. Por decisión de su familia, no habrá velorio y sus restos serán cremados.
Esta madrugada murió como consecuencia de una hemorragia cerebral Francisco Solano López, dibujante de historietas y autor, junto con el guionista Héctor Germán Oesterheld, de la historieta más famosa de la Argentina: El Eternauta.

Solano López nació en Buenos Aires en 1928 y empezó su carrera en 1953 para la editorial Columba, donde ilustró las series Perico y Guillerma. Dos años después, en la editorial Abril le asignaron a Oesterheld para dibujar Bull Rocket (creado por Oesterheld y el dibujante Paul Campani) en la revista Misterix. También dibujó algunas aventuras de Ernie Pike, personaje en el que trabajaron dibujantes de la talla de Hugo Pratt y Alberto Breccia.

Otro de sus trabajos ilustres fue Evaristo, en colaboración con el guionista argentino radicado en Barcelona y coautor de Alack Sinner, Carlos Sampayo. El personaje de Evaristo estaba inspirado en Evaristo Meneses, un comisario que después se transformó en detective privado. En ciencia ficción, destaca su Slot-Barr con el guionista Ricardo Barreiro. Otros de sus trabajos importantes fueron Freaks y Jonhy Quest, para la editorial Dark Horse.

En la última dictadura argentina, Solano López tuvo que emigrar a España para proteger a su hijo Gabriel, con una posición política comprometida. Con su hijo como guionista hizo Historias Tristes y Ana.

El erotismo también estuvo presente en su obra. Según el periodista especializado en historietas Diego Marinelli, "su obra Instituto es una excelente muestra de cómo Solano López era capaz de dar vida a obras de gran impronta autoral, incluso cuando trabajaba por encargo, para la gran maquinaria del cómic norteamericano". El Prostíbulo del Terror, con Ricardo Barreiro como guionista, es otro de sus trabajos en el genero erótico.

Otras colaboraciones de Solano López con Oesterheld fueron las series Pablo Maran y Uma-Uma. En la revista Hora Cero, publicaron además Rolo el marciano adoptivo y El Héroe.

Cambio total: el nuevo Spiderman

2011-08-07T12:58:00.000-07:00

Peter Parker encontró su final en los cómics de Marvel, pero su legado no morirá: este es su heredero

"Miles Morales, por tu ingenio, tu valentía y por ser multirracial has sido elegido para continuar el legado de justicia del Hombre Araña original, Peter Parker". Así podría haber sido seleccionado el sucesor de Spiderman, que será presentado esta semana en la serie "Ultimate Marvel".

El universo del comic tiene la capacidad de adaptarse a los tiempos que corren y así se resolvió la incógnita después de la muerte de Parker: su heredero es un adolescente rebelde con ascendencia latina y afroamericana que reside en Nueva York, según revelaron sus creadores en el sitio oficial de Marvel.

Morales es el nuevo Hombre Araña, que será presentado esta semana en el #4 de la serie "Ultimate Spiderman" donde en junio pasado murió el primero y original. Desde su lanzamiento en el año 2000, esta versión de los personajes tradicionales de Marvel ganó muchos adeptos que buscaban historias más extremas para sus héroes.

"Cuando se nos presentó la oportunidad de crear un nuevo Spiderman, sabíamos que tenía que ser un personaje que representara la diversidad -tanto en historia como en experiencia- del siglo XXI", explicó Alex Alonso, Editor en Jefe de Marvel.

Y así llegó este joven espigado y de tez morena que promete mantener a salvo a los vecinos de la ciudad de Nueva York de amenazas como El Duende Verde.

NUEVO TRAILER DE LOS PITUFOS !

2011-07-23T18:50:00.001-07:00

MUY LINDO PARA IR AL CINE.SOBRETODO LOS SEGUIDORES DEL GRAN MAESTRO PEYO !

El mundo de la Comic Con se resiste a la era digital

2011-07-23T15:00:00.000-07:00

DEL DIARIO DIGITAL EL PAIS.COM

Las editoriales intentan captar la atención de los 130.000 asistentes que reúne el festival

Hasta el próximo domingo, la principal exponente de la cultura popular en EEUU, la Comic Con, es también la mayor concentración de papel impreso. Cierto que es una convención de cómics pero junto a los tebeos tanto editoriales como estudios intentan captar la atención de los 130.000 asistentes mediante revistas, panfletos, tarjetas, pegatinas, cupones o cualquier otro atractivo reclamo impreso en papel. Un extraño despliegue analógico en la era digital cuando gran parte de los exhibidores pasan el tiempo leyendo blogs sobre la Con, como la llaman cariñosamente, y los fans ponen en línea sus últimos descubrimientos mediante sus iPhones, iPads o cualquier otro aparato capaz de conectarse a la red.

El proyecto trata de desmitificar la necesidad de papel del mundo del cómic

¿Acaso la Comic Con es el último reducto analógico de la cultura actual? Scott Kurtz no lo ve así, dispuesto a relanzar la industria del cómic defendiendo la nueva revolución que significa la explosión de la distribución de los cómics on line. Una tendencia que ya se deja notar en la convención con un área dedicada a los web cómics. De momento sus representantes no ocupan ni un dos por ciento del suelo del centro de convenciones de San Diego pero media docena de paneles se encargan de llevar más lejos su presencia. Para algunos, como David Steinberger, los cómics en red o web cómics acortan las diferencias entre editores y autores aunando sinergias y fortaleciendo la industria. "Creadores y editores independientes podrán aumentar su visibilidad en el mercado", vaticinó como presidente de ComiXology durante la convención. La idea detrás del proyecto es desmitificar tabús sobre la necesidad de papel del mundo del cómic y demostrar que su publicación en red sólo amplia su mercado al facilitar su distribución en otras plataformas además de disminuir su costo.

No sólo son los cómics los que ofrecen sus obras en red o como aplicaciones. La siempre pionera saga de La guerra de las galaxias, que hace 35 años utilizó este foro para darse a conocer entre el público más aficionado y así ganar terreno entre las masas vuelve a ser pionera en el mercado ofreciendo una aplicación gratis para iPhones y iPads con un primer vistazo al contenido que le espera al público el próximo 16 de septiembre cuando las aventuras de Luke Skywalker y Hans Solo salgan en Blu-ray. La misma saga también anima estos días a bajar de la red más de 50 cómics (digital.darkhorse.com) aunque en este caso la lectura del tebeo en red si tenga un precio. La propia Comic Con recurre al mundo de las aplicaciones gratuitas y ofrece en línea su catálogo y horario sin tener que cargar con más papel de una conferencia a otra. Los estudios Marvel también se han unido estos días a la moda del app gratuito, en su caso recurriendo a centenares de sus superhéroes mientras que el canal Syfy ha reforzado su presencia en la Con con esa aplicación gratuita en el que colgar fotos, informaciones y entrevistas de este foro. Y cobrando, el ilustrador William Joyce se ha convertido estos días en la revolución del mundo de los cuentos infantiles. Su The fantastic flying books of Mr.Morris es ya un éxito en ventas en el mundo de las aplicaciones uniendo la tecnología digital con el mundo de la ilustración y la animación.

Pero a pesar de los intentos, la Comic Con sigue siendo la Meca de los héroes de papel por algo. De hecho a pesar de su título como centro de la cultura popular, la Comic Con todavía no ha incluido en su programación el mundo del vídeo juego. Las razones son muchas, entre ellas la celebración apenas dos meses antes de la E3 o cumbre del entretenimiento electrónico en la no distante Los Ángeles donde las casas de juegos se apresuran a mostrar sus últimas novedades. Y el hecho de que por muchos millones que mueva la industria del vídeo juego (el último Call of Duty: Black Ops barrió en su debut 450 millones de dólares, cifra aún no superada por ninguno de los superhéroes de Hollywood) la experiencia es interactiva, nada que ver con la actitud mucho más pasiva de esas 6.000 personas que se congregan presentación tras presentación en el Hall H para ser los primeros en ver las nuevas imágenes de la película de sus sueños y que sirven como la mejor plataforma de lanzamiento para los últimos estrenos cinematográficos.

NUEVO MUSEO DEL JUGUETE EN BUENOS AIRES !

2011-07-17T14:32:00.000-07:00

MUSEO DEL JUGUETE EN SAN ISIDRO
Escrito por Marta Losa
Miércoles, 13 de Julio de 2011 20:11

http://www.eltercerojovemejor.org/municipales/46-sanisidro/7264-museo.html

ALGUNAS FOTOS DEL MUSEO

http://www.clarin.com/sociedad/Museo-juguete-San-Isidro-FyV_5_517798219.html

Creado por la Municipalidad de San Isidro y primero en su tipo en el país, el Museo Municipal del Juguete será inaugurado por el intendente municipal, Dr. Gustavo Posse, este sábado 16 de julio, a las 12. Cobra así forma definitiva una iniciativa planteada hace unos años por un grupo de vecinos, encabezado por el médico, dibujante y artista plástico Jorge Meijide (Meiji). El jefe comunal apoyó la idea y se constituyó en su principal promotor. Tras las palabras y corte tradicional de cintas se ofrecerá al público una visita guiada por las salas para recorrer la colección y el guión. Participará, además, un grupo de niños tamborileros, liderado por el profesor Marcelo Fernández.
A las 16, la Orquesta Infantil “Sauce en Mí”, dirigida por el Maestro Adrián Crocce, ofrecerá un breve concierto. La orquesta, una iniciativa de la Fundación Crear Vale la Pena, es parte del proyecto social de orquestas que sigue el método del Maestro Abreu.
El Museo funcionará en parte de las instalaciones cedidas a la comuna por convenio de uso firmado con la Secretaría de Niñez, Adolescencia y Familia –dependiente del Ministerio de Desarrollo Social de la Nación-, ubicadas en General Lamadrid 197, Boulogne. Se trata de un nuevo espacio dedicado a la niñez, donde se desarrollarán variadas actividades y propuestas vinculadas al juego y tiene como escenario la exhibición de una colección de juguetes que incluye las décadas del treinta al ochenta. En un montaje inspirado en el mundo del juego y de la infancia, el Museo cuenta con una importante y atractiva colección, una amplia y rica propuesta lúdica y museológica, que valora tanto los juegos y juguetes del pasado como los que anticipan el futuro. Talleres de juguetes, tecnología y arte, juegos del mundo, juegos originarios y coloniales; talleres de juguetes caseros y ciclos de cine, son algunas de las actividades que harán del museo una puerta de entrada a la imaginación. Dos colecciones que representan el juego, la industria, las costumbres familiares, los modos de crianza, las ideas sobre el mundo, el juego en la vereda y la calle, serán exhibidas durante la inauguración del Museo. Reunida por Ricardo Olivera Wells, la colección más amplia –en su gran mayoría de factura industrial- se caracteriza por su variedad y la presencia de piezas muy atractivas, tales como juguetes de hojalata litografiada Matarazzo, juegos (El Constructor Infantil y el inglés Meccano), muñecas de diferentes tipos (Marilú) y vehículos y rodados. Entre estos últimos se destaca un ejemplar en perfecto estado del célebre Sulky Ciclo. Cedido por el artista plástico Jorge Meijide (Meiji) también se exhibirá un conjunto de juguetes caseros y populares, tales como los carritos de rulemanes y los zancos fabricados con latas. La puesta en marcha del proyecto y su coordinación general la lleva adelante la Directora de Cultura de la Municipalidad de San Isidro, Eleonora Jaureguiberry. El diseño del montaje fue realizado por Patricio López Méndez, mientras que el guión museológico y la curaduría son responsabilidad de Daniela Pelegrinelli. El Museo Municipal del Juguete de San Isidro podrá visitarse de miércoles a domingo, de 11 a 17. En concepto de bono contribución, la entrada tendrá un valor de 2 pesos.

La edad adulta del cómic

2011-07-15T12:37:00.000-07:00

NOTA DEL DIARIO LA NACION

Sin haber cambiado en esencia, las historietas ganaron prestigio. Con su nuevo rótulo de "novela gráfica", llegaron a las librerías. En la última edición de la Feria del Libro hubo quince stands dedicados al género

Viernes 01 de julio de 2011

Por Mariana Liceaga
Para LA NACION

En la última edición de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, los fanáticos de las novelas gráficas deben de haber celebrado el lugar que hoy ocupan sus lecturas favoritas: había 15 stands dedicados a ellas, en el Pabellón Azul. Además pudieron conocer a la legendaria dupla, premiada en toda Europa, formada por el ilustrador José Muñoz y el escritor y guionista Carlos Sampayo, que presentaron Carlos Gardel (Libros del Zorro Rojo). Esa biografía novelada del Zorzal Criollo trata sobre la identidad y sobre el exilio -los dos autores vivieron en el exterior- y viene con un regalo extra: un texto que Cortázar escribió sobre el Morocho del Abasto. Los que están poco familiarizados con los libros que narran historias en cuadritos pudieron descubrir cómo se ha consolidado el género.

Cuando se habla de novela gráfica, muchos creen que se trata de un nuevo género, algo así como el hermano serio de los cómics con los que todos hemos crecido. No es así. No totalmente, por lo menos. Lo prueba el hecho de que es muy difícil definir con claridad las diferencias entre novela gráfica e historietas, entre cuadritos, viñetas, cómics y fumetti , como los llaman en Italia; entre quadrinhos portugueses, Bildgeschichtes alemanas, bandes dessinées francesas y mangas japoneses. Por un lado, es sólo una cuestión de marketing . Pero también es cierto que ya no quedan rastros de la condescendencia con que antes se trataba al cómic. Con su promocionado rótulo de "novela gráfica", sus creadores buscan diferenciarse del pasado y anunciar que sus obras han alcanzado un nuevo estatus, más lejos de los kioscos y más cerca de las principales librerías.

Fue Will Eisner (1907-2005), creador de la célebre tira The Spirit , quien popularizó la expresión "novela gráfica". Y el escocés Eddie Campbell, que actualmente reside en Australia, consolidó su uso a través de un manifiesto que se hizo célebre entre los historietistas. "No estamos creando una versión ilustrada de la literatura tradicional. En realidad, tenemos un pez más grande que freír en la sartén. Estamos forjando una nueva forma de arte que no estará atada a las reglas arbitrarias de las anteriores", dice ese manifiesto, que se puede leer en la página web de Campbell o en Alec. 1. Cómo ser un artista (Astiberri), la autobiografía en dos tomos que dibujó y escribió (en español, recién salió el primero).

"Las definiciones son siempre arbitrarias", sostiene Daniel Divinsky, director de Ediciones de la Flor, que acaba de lanzar la colección Novela Gráfica. Cuenta Divinsky que hace un año, cuando entró en varias librerías de Nueva York, quedó impresionado por la cantidad de estanterías dedicadas a la novela gráfica y volvió convencido de que había que hacer algo así en la Argentina. Hace unos meses lanzó la serie, que incluye Fahrenheit 451 , una adaptación autorizada y prologada por Ray Bradbury, y El libro del Génesis , de Robert Crumb, donde el creador de Fritz, el gato examina con su estilo satírico y punzante el relato bíblico. Divinsky llama "novela gráfica" a aquella obra cuyo guión (es decir, el texto) parte de una novela preexistente, adaptada a la técnica narrativa de la historieta, pero reconoce que "los límites son difusos".

Al escritor y guionista Pablo De Santis, que conoce el género como pocos, le parece esnob llamar "novelas gráficas" a las historietas. Cree que así se les quiere dar cierto prestigio, "como si hubiera una mala conciencia respecto de la historieta". Recuerda cómo el estadounidense Eisner acuñó el giro "novela gráfica" en los años 70, cuando quería publicar Contrato con Dios (Editorial Norma), una historia narrada en viñetas en la que reflexiona sobre la sociedad de Nueva York con una mirada pesimista y apesadumbrada. No quería publicarla en una editorial especializada en historias de superhéroes y de aventuras sino en una de tradición literaria. Por eso, cuando Eisner llamó al editor, le anunció que tenía una "novela gráfica" para ofrecerle, y la nueva categoría cautivó tanto al jefe editorial que lo citó a una reunión en la que llegaron a un acuerdo. La obra se publicó y se convirtió en un clásico.

Eisner no estaba solo en esto de utilizar la historieta para denunciar, para quejarse, para señalar injusticias, para proponer una mirada distinta de los hechos, de la realidad. En esa década empezaron a aparecer los cómics undergrounds o contraculturales. Si consideramos la producción local, El eternauta , con guión de Héctor Germán Oesterheld y dibujos de Francisco Solano (Doedytores), demuestra que en este lado del mundo las historietas tampoco narraban sólo historias de superhéroes que hacen justicia o luchan contra el mal. Y también se producía teoría. El crítico e investigador Oscar Massota dirigió entre 1968 y 1969 la revista LD , sigla que significaba "literatura dibujada". La publicación, que duró tres números, ofrecía, además de viñetas, entrevistas, ensayos y artículos sobre el género. Un año después del cierre de la revista, Massota reunió sus reflexiones en La historieta en el mundo moderno (Paidós).

"Son cuestiones de palabras. Yo odio la palabra cómic, pero si escribo una nota sobre las historietas, en algún momento tengo que usarla", admite De Santis. Él dirige Enedé, el sello de la editorial Colihue de "narrativa dibujada". Entre los títulos de esa colección se destaca La guerra de los Antares , de Oesterheld y Gustavo Trigo, donde se narra cómo la Tierra es invadida por extraterrestres que toman como base la Antártida y pactan con las grandes potencias la entrega de los países del Tercer Mundo. La publicación de esa obra es resultado de un trabajo casi arqueológico de recuperación, porque la editorial rastreó y reunió las entregas de esa historieta, publicada en el diario Noticias en 1974. En agosto de aquel año Noticias, identificado con la organización Montoneros, fue clausurado, y la historieta quedó interrumpida. Por eso, hoy es un tesoro para coleccionistas.

Pasado marginal

Lo que se busca al hablar de "novela gráfica" es algún tipo de legitimación: se intenta borrar ese pasado marginal que llevó a extremos tales como acusar a los cómics de ser causa del analfabetismo, porque apartaban a los chicos de los libros "serios". Hoy, en cambio, El eternauta forma parte del programa de lecturas en muchas escuelas argentinas.

Marcelo Panozzo, editor de Reservoir Books, sello de Random House Mondadori, piensa que no hacen falta esos nombres "adultos": "La idea de llamar a la novela gráfica ?hermana seria' le sirve mucho al consumidor culturalmente correcto, acaso culposo; sin duda, en términos de marketing , funciona bien", afirma. En su catálogo, que tiene más producción importada que local, incluyó El hipnotizador , con ilustraciones de Juan Sáenz Valiente y guión de De Santis. Allí se cuenta la vida de Arenas, un catalizador de historias.

El dibujante Liniers, autor de Macanudo y dueño de La Editorial Común, reflexiona sobre el camino recorrido: "La historieta y el cine nacieron al mismo tiempo. El cine pudo ir a lugares complejos y desarrollar cualquier tema. La historieta quedó relegada a los chistes para chicos, las tiras de diarios, a las aventuras y la pura ficción. Siempre quedó dentro de ese marco". El cine se consolidó como séptimo arte, pero cuando se dice que los cómics son el noveno no faltan los que enarcan una ceja para expresar sus dudas.

A partir de los años 60, la historieta empezó a tratar temas más profundos, más complejos. También comenzaron a publicarse relatos dibujados en secuencias de cuadros que empezaban y terminaban en un mismo tomo (es decir: ni eran seriados ni tenían un personaje que se repetía a través de varios títulos). Por otro lado, surgieron generaciones de lectores con vínculos más fuertes con la imagen, más familiarizados con las representaciones visuales. Y lo que definitivamente ayudó a cambiar la percepción de la historieta no sólo en el público lector sino, sobre todo, entre los editores fue el premio Pulitzer que en 1992 ganó Art Spiegelman por Maus, Historia de un sobreviviente (Emecé Editores, ver recuadro), una historia sobre el Holocausto.

Para el escritor, guionista y editor de Longseller Juan Carlos Kreimer, el género está en crecimiento. Dice que todavía es más de culto que de mercado y que la lógica de las publicaciones responde más a un valor simbólico que a la ecuación costo-beneficio. Kreimer señala la diversidad de líneas y temas: "Están las historietas de aventuras, las de acción, las de autor, las que presentan un guión para lucimiento de un ilustrador, las que presentan una ficción original, las que ponen un ojo en obras clásicas o las inspiradas en textos de grandes escritores. Más que una moda de mercado, lo que nos impulsa es un deseo de hacer público el gusto privado y la pasión de unos pocos editores que, desde chicos, sentimos un amor incondicional por el género", agrega. Esa pasión por los cuadritos lo llevó a producir la colección Para Principiantes, una serie de libros documentales o biográficos que intentan volver amigables temas difíciles o ideas importantes a través de palabras y dibujos. La colección ya llegó a los 127 títulos, que abarcan biografías y temas vinculados con los mundos del arte, la ciencia, la comunicación, la política, la psicología, la sociología, los movimientos culturales, la literatura y el teatro. Algunos se producen en el exterior. Otros, en la Argentina, como Cortázar para principiantes , con guión de Carlos Polimeni y dibujos de Miguel Rep.

Si bien existen muchas novelas gráficas adaptadas de libros de dominio público, como La isla del tesoro , de la dupla francesa David Chauvel y Fred Simon (Ediciones SM), lo que hoy se empieza a desarrollar es la producción en viñetas de libros significativos de la segunda mitad del siglo XX cuya fuerza sigue vigente: Ciudad de cristal , de Paul Auster, con guión de David Mazzucchelli y dibujos de Paul Karasik (Anagrama), o El extranjero , de Albert Camus, adaptada por Kreimer e ilustrada por Julián Aron. En Europa, el aire fresco de que disfruta el género es mucho. Ediciones de la Flor acaba de adquirir los derechos de una adaptación belga de La invención de Morel , de Adolfo Bioy Casares.

El respeto de los europeos por la novela gráfica es uno de los motivos que llevaron a Liniers a abrir su editorial: "Allá, los libros de Muñoz, de Altuna y de Trillo están por todos lados y son traducidos a muchos idiomas. Acá no los podemos leer. Es como si los argentinos no pudiéramos comprar un disco de Calamaro o ver acá una película de Lucrecia Martel", explica. Liniers lanzó La Editorial Común junto con su mujer, Angie Erhart del Campo, en 2008, y desde hace unos meses se asociaron con Ediciones Larivière. Hasta el momento publicaron nueve títulos. "Lo lindo de fundar una editorial en un mercado tan virgen como el nuestro es que se puede elegir entre una enorme cantidad de materiales de calidad aún desconocidos", comenta. Hace dos semanas lanzó el título más ambicioso: Ombligo sin fondo , de Dash Shaw, nominado en 2008 para los premios Harvey, que otorga la industria del cómic en Estados Unidos. Se trata de un libro de gran tamaño: 720 páginas en las que el autor narra los miedos, las angustias y también los buenos momentos que viven el matrimonio Loony y sus tres hijos cuando se reúnen en su casa de la playa, donde la pareja ha convocado a su prole para anunciarle que, después de haber vivido juntos 40 años, van a separarse. Otro título de La Editorial Común para no perderse es El arte. Conversaciones imaginarias con mi madre , del español Juanjo Sáez, donde se responde a la vieja pregunta de para qué sirve el arte a través de un recorrido mordaz, inocente, con humor y sin pretensiones.

Biografías, política y periodismo

Una característica de estas "novelas gráficas" es que vienen en ediciones muy cuidadas, casi de colección. Muchas se imprimen en papel ilustración. Si se emplea papel obra, se usan los de altísimo gramaje. Aunque predomina el blanco y negro, un clásico del género, se ven sutilezas (algunas secciones coloreadas, introducciones a capítulos en distintos tonos). Casi todas las encuadernaciones son cosidas. Hay versiones en tapa dura y con el lomo forrado en tela. Algunas tienen prólogos o epílogos de escritores invitados o de los mismos autores. En La ciudad ausente , de Ricardo Piglia, con ilustraciones de Luis Scafati y guión de Pablo De Santis (Libros del Zorro Rojo), por ejemplo, se introduce la historia con un texto que cuenta una experiencia personal del autor, relacionada con un dibujo de Scafati. "Hoy hay más presupuesto para este tipo de obras. El cómic creció en volumen comercial y es un negocio para las editoriales. Antes estaba dirigido a un mercado distinto", comenta Sebastián García Schnetzer, editor y dueño de Libros del Zorro Rojo.

El tema de las autobiografías y biografías, noveladas o no, es un gran capítulo en expansión. Osamu Tezuka, considerado en Japón el padre del manga, no sólo por la cantidad de títulos y personajes que creó sino también porque renovó la técnica y estimuló las historias largas narradas en viñetas, es autor de Buda (Planeta DeAgostino). Logicomix , de los griegos Doxiadis, Papadimitrou y Papadatos (Sins Entido), que se mantuvo once semanas en el puesto del cómic más vendido según la lista del New York Times, demandó mucha investigación y largos viajes para documentarse. Trata sobre la vida del pensador y matemático Bertrand Russell, pero la mirada está más enfocada en los aspectos personales que en los científicos. Persépolis (Norma), autobiografía de la iraní Marjane Satrapi, educada dentro de una familia progresista en un ambiente islámico, habla sobre la guerra entre Irán e Irak, el exilio de la autora en Viena y su regreso a las nuevas costumbres bajo el régimen de los ayatolás. (Regreso que no duró mucho ya que Satrapi se instaló en Francia, donde reside actualmente.) Esta historieta recibió muchos premios internacionales y fue llevada al cine en 2007. La versión francesa tiene las voces de Chiara Mastroianni, como Satrapi, y Catherine Deneuve, como la madre de la autora.

Otro gran tema dentro del género es el periodismo dibujado. En Notas al pie de Gaza (Reservoir Books, Random House Mondadori), el reportero maltés Joe Sacco eligió el lenguaje de la historieta para retratar la vida de los ciudadanos de la Franja y denunciar las matanzas que se han llevado a cabo allí desde mediados del siglo pasado. Sacco había hecho una investigación en esa zona para la revista Harper's en la queincluyó testimonios de sobrevivientes de la matanza de Khan Younis (en noviembre de 1956 asesinaron a 257 civiles en esa localidad de Gaza). La nota se publicó, pero los editores suprimieron los párrafos donde se hablaba de la matanza. Esto molestó mucho a Sacco y fue el disparador para que el reportero viajara a la Franja en dos ocasiones más con el fin de recopilar información para escribir y publicar su relato, escrito en primera persona.

Fax desde Sarajevo (Planeta DeAgostini), de Joe Kubert, leyenda yanqui de las historietas, narra con dibujos una historia real que el autor conoció por casualidad. El distribuidor y agente de Kubert en Europa, Ervin Rustemagic?, estaba en Bosnia con su esposa y sus dos hijos pequeños cuando el nacionalista serbio Slobodan Milo?evic? emprendió la guerra por la que años más tarde sería acusado de crímenes de lesa humanidad. El título alude a los faxes que envió Rustemagic? a todos sus contactos para pedir ayuda y narrar los acontecimientos que estaba viviendo.

Otro clásico de las noticias dibujadas es Hiroshima , del japonés Keiji Nakazawa (Mangaline Ediciones). El autor tenía seis años y vivía en Hiroshima cuando cayó la bomba que mató a todos sus familiares, salvo a su madre. Son siete tomos conmovedores que van desde los días duros de la guerra hasta las consecuencias de la bomba nuclear. Este cómic se utiliza en Japón para enseñar historia en colegios y universidades.

Buscando un lugar

"Seguir una historieta no es sencillo. Se necesita cierto entrenamiento. Antes se consideraba que la historieta era para niños, más fácil de entender que un libro de texto corrido, pero no me parece que sea así", señala De Santis. ¿Quiénes serán los nuevos lectores? Las editoriales que apuestan por las novelas gráficas son, por lo general, chicas y no tienen presupuesto para hacer investigaciones de mercado. Pero el correo electrónico hoy funciona también como un encuestador virtual. Kreimer afirma que los seguidores del género no son sólo jóvenes, como se podría suponer. "Hay muchos adultos que se aficionan a la novela gráfica, así como docentes que encuentran en ella buen material para sus clases", dice.

Pero fuera de las librerías "de culto", como Entelequia o La Revistería, que no sólo importan una gran variedad de novelas gráficas sino que también traen a pedido lo que no tienen en depósito, el acceso a estos libros sigue siendo algo difícil. Todavía no se ven por aquí las estanterías con el cartelito identificatorio de "novela gráfica" que impactaron a Divinsky. Tampoco se ordenan los volúmenes con alguna lógica: no se agrupan por país de origen, temática o apellido del autor. La mayoría de los libreros (hay excepciones: Libros del Pasaje y Yenny ya tienen una sección de cómics) ubican los libros dibujados cerca de los de humor, de los infantiles o de los juveniles. Es probable que Virus tropical (La Editorial Común), la novela gráfica autobiográfica que escribió y dibujó la colombiana Powerpaola sobre sus años en Quito y Cali, donde narra sus primeras relaciones sexuales, esté al lado de Gaturro . O que Perramus (Ediciones de la Flor), la serie dibujada por Alberto Breccia con guión de Juan Sasturain que denuncia y ridiculiza la dictadura militar argentina y ganó el Premio Amnesty Internacional, aparezca en el mismo estante que Las cosas por su nombre , de Pinti. Para ayudar a organizar o despejar la confusión, algunos editores han tomado diversas iniciativas: La Editorial Común tiene planeadas reuniones con libreros para hablar del nuevo alcance del género y Longseller ofrece exhibidores para mostrar toda la colección Para Principiantes.

Eddie Campbell, el ilustrador escocés conocido por Desde el infierno , una crítica de la Inglaterra victoriana con guión de Allan Moore (Planeta DeAgostini), escribió en su Manifiesto de la novela gráfica : "Si un libro no se asemeja para nada a los cómics que conocemos, no debemos polemizar sobre esto, sólo debemos preguntarnos si dicha obra contribuye de alguna manera a la suma total del conocimiento de la humanidad". Sus ideas aparecen entrelazadas entre el relato de los orígenes del cómic y su propia experiencia.

En definitiva, noveno arte, tira cómica novelada, cómic, historieta, novela ilustrada, novela dibujada, memoria gráfica, noticias dibujadas... Más que el nombre que se les quiera dar a esos relatos en cuadritos donde palabras y dibujos construyen sentido juntos, lo que importa son las huellas que dejan en el lector esas historias de testimonio o de ficción, tal vez contemporáneas, tal vez de siglos pasados.

SPIEGELMAN: LA CATASTROFE COMO MUSA
Publicada por entregas en Nueva York, en las páginas de la revista Raw , que Spiegelman tenía junto a su mujer, Françoise Mouly, Maus. Historia de un sobreviviente (Emecé Editores, traducción de César Aira) presenta la historia de Vladek, padre del artista, que sobrevivió a la Europa de Hitler y le cuenta a su hijo, en una serie de encuentros, el infierno que atravesaron él y su mujer, la madre de Art. Además del valor testimonial de una experiencia histórica y de supervivencia excepcional, Maus refleja el estado mental del padre de Spiegelman en el tiempo del relato (década del 80), la tensa relación que existe entre los dos, la reconciliación y el homenaje que el dibujante rinde a todos sus familiares que murieron en el Holocausto.

En Maus los protagonistas tienen rasgos de animales: los judíos son ratones, los nazis son gatos; los polacos, cerdos y los estadounidenses, perros. Lo que Spiegelman transmite a través de esas imágenes y textos sobre el horror del Holocausto y el drama de la vida cotidiana de los sobrevivientes demuestra no sólo la potencia narrativa y emotiva del género, sino la maestría con que el dibujante lo maneja.

El apuro por que Maus estuviera en la calle en formato de libro antes de que el director y productor Spielberg estrenara Un cuento americano (una película para los festejos del centenario de la Estatua de la Libertad, protagonizada por una familia de ratones rusos que emigraba a Estados Unidos) llevó a Spiegelman a dividir su trabajo en dos tomos. Como no quería que la originalidad de su gran historieta, a la que había dedicado 13 años (de 1978 a 1991), se viera opacada por el proyecto del magnate de Hollywood, publicó el primer tomo con parte de lo que ya tenía listo. En su momento, el dibujante, además de no dormir durante muchas noches, intentó por todos los medios acusar al cineasta de plagio, pero Hollywood ya había usado ratones y gatos animados y sus denuncias no avanzaron.

Spiegelman, como todos los seres humanos, dibuja desde niño, sólo que no dejó de hacerlo y a los 14 tomó la determinación de ser dibujante. Concretar su deseo no le resultó muy fácil: sus padres tenían planeado otro futuro para él y tuvo que esquivar todos los escollos que se interpusieron en el camino. Hacer "dibujitos" -pensaban ellos- no daba para vivir; en todo caso, su hijo podía hacerlos en su tiempo libre: tenía que ser dentista. Ni su padre, que murió en 1982, ni su madre, que se suicidó cuando Artie (como lo llaman en el medio) tenía 21, pudieron conocer el relato conmovedor que resultó Maus . Tampoco se enteraron de que la obra de su hijo fue traducida a veinte idiomas, ni de la muestra que se le hizo en el MoMA, ni de los reconocimientos que Spiegelman cosechó y que todavía cosecha, como la beca Gugghenheim o el premio Angoulême, que le otorgaron el pasado enero en el festival más importante dedicado al noveno arte que se hace todos los años en esa ciudad de Francia.

Durante los diez años siguientes a la obtención del Pulitzer, Spiegelman no hizo prácticamente viñetas. Sólo publicó, en 1994, La fiesta salvaje (Random House Mondadori). Allí tradujo al lenguaje de los cuadritos el poema erótico de Joseph Moncure March. Se dedicó a confeccionar las tapas de la revista The New Yorker hasta el día en que las Torres Gemelas cayeron, literalmente, tras sus espaldas. (Spiegelman vive en Nueva York, muy cerca del Ground Zero, como llaman a la zona que quedó destruida el 11 de septiembre de 2001). Aquella mañana, cuando salió corriendo, como muchos, a buscar a sus hijos al colegio, decidió, envuelto en esa nube tóxica que salía del lugar donde había estado una de las dos torres, que volvería a hacer una historieta.

Pero después de la tragedia de las Torres, tanto The New Yorker como la mayoría de los medios estadounidenses adoptaron una actitud complaciente hacia el gobierno: no querían saber nada de publicar una historia que reflejara el miedo que mucha gente sentía. No sólo miedo de Al-Qaeda, sino de su propio gobierno, por los desastres que causaba en la guerra de Afganistán y, posteriormente, en la de Irak. Por eso, cuando en 2002 Spiegelman recibió la oferta del periódico alemán Die Zeit de publicar una historieta con el tema que él quisiera, sin ningún tipo de intervención en la línea editorial y con el compromiso de que conservaría los derechos para publicarla en otros idiomas, no dudó en mandar Sin la sombra de las torres (Norma). Nuevamente Spiegelman hizo uso del cómic para señalar, denunciar y conmover: "Las catástrofes son mi musa", afirma en el prólogo de esa novela gráfica que publicó en 2004 con el material que había aparecido originalmente en Die Zeit .

Su último emprendimiento con las historietas lo lleva adelante con su mujer, Françoise Mouly, con la que tuvo dos hijos. En 2008, marido y esposa abrieron la editorial Toon, que publica novelas gráficas para que niños entre los 4 y 8 años tengan historias en viñetas de buena calidad, con las que iniciarse en la lectura. Por ahora, los padres y maestros que quieran incursionar en el género, así como los coleccionistas y fanáticos adultos deseosos de incorporar como lectores lo que en la infancia no tuvieron, pueden conseguir en castellano Jack y la caja , del propio Spiegelman y la serie de Benny and Penny , de Geofrey Hayes (Editorial La Galera).

Una parodia que se rebela contra las fuerzas del "Lado Oscuro"

2011-07-02T11:10:00.000-07:00

Volkswagen intentó ser tierno con un mini Darth Vader que movía un auto, pero una organización subió la apuesta.

En febrero de este año, la automotriz Volkswagen dio un golpe efectivo a la memoria emotiva de sus consumidores con la publicidad de su nuevo modelo Passat, protagonizada por un tierno mini Darth Vader que "movía" un auto.

Pero mientras todos mirábamos enternecidos al pequeño personaje luchando para controlar las fuerzas del espacio, y al auto de su papá, miembros de la organización Greenpeace estaban alertas, agazapados desde el otro "Lado Oscuro" para retrucar una acción de marketing con una de concientización.

Claro, que apenas las autoridades de Volkswagen vieron el video en YouTube pusieron el grito en el cielo y le pidieron al sitio que retirara ese contenido. Sin embargo, la magia de Internet hizo que se convirtiera en un viral y ya es furor en la Web.

Este es el video original:

Y éste el que lanzó Greenpeace, para disgusto de las autoridades de Volkswagen:

De Minutouno.com

La pista de autitos más grande del mundo !!

2011-06-28T15:41:00.000-07:00

Tiene 18 carriles y puede ser recorrida por 1100 autos al mismo tiempo. Una verdadera locura. Entrá y mirá el video.

A los amantes del famoso Scalextric se les hará agua la boca. El artista californiano Chris Burden, junto a otras 11 personas, se tomó cuatro años para construir una pista urbana en la que pueden correr hasta 1100 autos, sí, no se escapó un sólo dígito: 1100 autos a la vez a toda velocidad.

El inmenso circuito urbano se llama "Metropolis II" cuenta con 18 carriles y está ubicado en el estudio Burden, en Topanga Canyon.

Del diario Minutouno.com

Llegó su día final: mataron a Spiderman en el cómic

2011-06-24T11:57:00.000-07:00

NOTA DEL DIARIO DIGITAL MINUTOUNO

El fotógrafo de sociedad Peter Parker, más conocido en el mundo del cómic como el Hombre Araña, conocerá su fin a manos de sus archienemigos, según anunciaron los creadores de la serie "Ultimate Spiderman".

Si bien el superhéroe seguirá vivo en las páginas de su versión original, el personaje morirá en el número 160 de la línea "Ultimate Spiderman" que se publicará el 22 de junio próximo, según el sitio oficial de Marvel.

La serie "extrema" de los superhéroes de Marvel es una creación de Brian Bendis y Mark Millar que salió al mercado en el año 2000, pero los directivos de la compañía decidieron que era hora de darle un final al héroe arácnico en la historia "La muerte del Hombre Araña".

En este episodio, Peter Parker se pondrá por última vez el traje del Hombre Araña para salvar a su Tía May de las garras del Duende Verde. La serie "Ultimate Spiderman" dio las bases para las películas de Hollywood que protagonizaron Toby Maguire primero y después Andrew Garfield.

"Nunca vimos el mundo sin el 'Hombre araña', un mundo sin Peter Parker, así que su muerte será un evento en el Universo de Ultimate Comics y vamos a ver cómo cambia todo de rápido", expresó Axel Alonso, editor en jefe de Marvel Enterteinment.

"Los lectores pueden esperar algo nuevo y sorprendente porque todo lo que pasa en Ultimate Spiderman #160 es un punto de partida para nuevas historias", anticipó Alonso, mientras que otro editor, Mark Paniccia, aseguró que "la muerte de Peter es el comienzo de una historia ambiciosa".

21 de junio de 2011 14:35

Superputin, el último héroe ruso !!!

2011-06-02T13:20:00.000-07:00

DEL DIARIO DIGITAL MINUTO UNO

PARA VER GALERIA DE DIBUJOS.
http://www.minutouno.com.ar/minutouno/galeria/aid_147485__iid_136824__p_0/

Según la prensa rusa, el cómic una campaña de propaganda que intenta mejorar la imagen de sus dirigentes.

Ni Spiderman ni el Capitán América, el superhéroe de cómic que está causando furor en la Red es Putin, un invencible agente secreto vestido con quimono y acompañado de su fiel escudero, Medvédev, un especialista en nuevas tecnologías.

"Primavera de 2011. Un año antes del fin del mundo", se puede leer en la primera página del cómic ruso "Una persona como todas" (www.superputin.ru), que recibió en apenas una semana ya varios millones de visitas.

El cómic está situado en una cosmopolita Moscú y relata al estilo de una película de acción de Hollywood las peripecias de (Vladímir) Putin (álter ego del primer ministro ruso), un agente que combate la amenaza de los terroristas de Al Qaeda y de unos zombis que profieren demandas democráticas.

"Tengo que pararlos", asegura Putin en una de las 34 escenas de este cómic en clave política en el que aparece en pleno estado de nirvana rodeado de un grupo de malencarados y barbudos terroristas con aspecto afgano, árabe y, por supuesto, caucasiano.

Seguidamente, nuestro protagonista salta en un autobús en plena marcha, donde los terroristas han colocado una potente bomba, al estilo de "Máxima Velocidad", la película de acción interpretada por Keanu Reeves.

Cuando la tensión era insostenible, un gigantesco oso ("medvéd", en ruso) aparece en escena y entra de un salto en un micro al volar pos los aires la mampara trasera, ante el pánico de los pasajeros.

Pero no hay nada que temer, ya que el oso es en verdad el disfraz utilizado por el ayudante de Putin, (Dmitri) Medvédev (el presidente ruso), alias "nanopersona", una especie de genio de la tecnología al que el agente ordena desactivar la bomba.

Entonces, Medvédev se saca de la chistera uno de sus gadgets, pero una nueva amenaza acecha, aunque en esta ocasión no se trata de terroristas, sino de zombis con cubos azules sobre sus cabezas.

Esta escena es un claro guiño político a la campaña desatada por varios grupos antisociales contra el uso de sirenas por parte de los coches oficiales en Moscú.

Estos zombis, que intentan hacerse con el control del autobús, exigen, entre otras cosas, la libertad del encarcelado magnate ruso Mijaíl Jodorkovski, la elección directa de los gobernadores y el retorno de la prensa libre, habituales demandas de la oposición al Kremlin.

"Dima (diminutivo de Dmitri), apura, sólo quedan nueve viñetas", grita Putin. En ese momento hace su aparición un tercer personaje, (el viceprimer ministro Ígor) Sechin, mano derecha de Putin y uno de los políticos más vilipendiados por la oposición, y que en el cómic es una especie de hombre invisible armado hasta los dientes.

Finalmente, Medvédev logra desmontar el artefacto explosivo y lo lanza lejos del autobús dos segundos antes de su detonación, pero nuestros héroes están completamente rodeados por zombis y un gigantesco luchador de sumo, alias "trol".

Entonces, Putin, un aficionado al judo, reta al gigante a batirse en el tatami, última viñeta del primer episodio del cómic que lleva por título: "Amenaza oculta".

El combate tendrá lugar en el empedrado de la plaza Roja con las murallas del Kremlin, el centro comercial GUM y la basílica de San Basilio como fondo, pero eso será el próximo capítulo, que sus autores prometen que saldrá dentro de un mes.

El guionista, Serguéi Kalenik, dice que elaboró el cómic en apenas dos semanas y que ninguno de sus colaboradores recibió dinero a cambio, aunque reconoció que busca financiación para los próximos episodios.

"Pensamos que las elecciones están a la vuelta de la esquina y que las cosas están muy aburridas en internet y nadie está haciendo nada divertido sobre la votación. Así que decidimos tomar medidas y hacer un cómic", dijo.

Algunos internautas criticaron a Kalenik por hacerles el juego a las autoridades al convertir en héroes al tándem dirigente Putin-Medvédev y dibujar a los opositores como personajes malvados sedientos de sangre.

Este cómic aparece poco después de que Putin lanzara la campaña electoral para los comicios parlamentarios de diciembre con la creación de un Frente Popular a imagen y semejanza del Partido Comunista de la Unión Soviética.

Aunque Medvédev es el presidente del país, Putin es considerado unánimemente el líder nacional. Sin embargo, sus índices de popularidad se encuentran en su nivel más bajo debido a la desocupación, el aumento del costo la vida y la corrupción.

NUEVO TRAILER DE TINTIN !

2011-05-26T06:30:00.000-07:00

Los Ángeles (EE.UU.), 17 may (EFE).- Los estudios Sony Pictures estrenaron hoy el tráiler de "The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn", una de las películas más esperadas del año, dirigida por Steven Spielberg y producida por Peter Jackson.

La cinta no llegará a las salas de EE.UU. hasta el 23 de diciembre, aunque las expectativas en torno a la obra se han desatado en las últimas horas con la publicación del tráiler y las dos primeros carteles oficiales.

En el tráiler se sigue el rastro al famoso reportero Tintin y su inseparable perro Milú, envueltos en una gran aventura, por tierra, mar y aire, para desvelar el secreto de un navío llamado Unicornio, todo ello según las líneas maestras trazadas por el autor del cómic, el belga Hergé.

La película, que quiere ser fiel a la obra, utiliza imágenes generadas por ordenador en 3D para crear personajes iguales a los originales a partir de la actuación de intérpretes reales.

El filme será el primero de una serie de historias sobre el personaje de cómic, que tendrá al menos una secuela dirigida por el cineasta Peter Jackson, responsable de la saga "The Lord of the Rings".

El reparto del filme incluye a Jamie Bell, Daniel Craig, Andy Serkis, Simon Pegg, Nick Frost, Gad Elmaleh, Toby Jones y Mackenzie Crook.

ARTEBA O ARTE BASURA ?

2011-05-24T09:00:00.000-07:00

HACE FALTA DARLE UN PREMIO DE 50 MIL PESOS A UN MUCHACHO QUE PONE UNA BOLSA DE NYLON EN EL PISO CON UN PAR DE ZAPATOS Y OTROS ELEMENTOS COMO CALAMARES MUERTOS CON OLOR A PODRIDO PARA PERSONIFICAR LO QUE UNO DEJA DESPUES DE LA MUERTE ????

NO HABRIA QUE DARLE PREMIOS A ARTISTAS QUE SABEN HACER ALGO EN VEZ DE ESTAS COSAS QUE HUNDEN AL ARTE ???

Y ENCIMA COBRAR 38 PESOS DE ENTRADA COMO SI FUESE UNA EXPOSICION DE LEONARDO DA VINCI O DALI Y QUE LA EXPOSICION DURE SOLAMENTE 4 DIAS.... !

ARTE VERGUENZA...

DE REVISTA Ñ DE CLARIN

Arte 23/05/11 El artista que levantó espuma en arteBA con una obra que se pudre

Carlos Herrera explica su instalación, compuesta por calamares que se descomponen y huelen. “Autorretrato sobre mi muerte”, revulsiva y conceptual, ganó $50.000 de premio.

POR Mercedes Pérez Bergliaffa - ESPECIAL PARA CLARIN

OLOR. “CONSIDERE EL ESPACIO QUE OCUPA EL OLOR A MUERTE”, DICE HERRERA.

Mañana termina arteBA y es hora de hablar de los premios –controversiales– que se otorgan en la feria a los artistas: el Arcos Dorados, el Premio en Obra y el Petrobras, tres concursos organizados por distintas empresas. Cada uno tiene un estilo particular y apunta a premiar algo distinto: el Arcos, pintura latinoamericana (es el único regional); el segundo, artistas que están exhibiendo en el Barrio Joven; y el tercero, premia obras con controversia. Como para muestra basta un botón, recordemos cuando lo ganó, el año pasado, Adriana Miranda con “El espacio de acá”, un trabajo basado en generaciones de perros callejeros.

Este año, el Petrobras también da qué hablar: porque se otorgaron los 50 mil pesos del premio, a “Autorretrato sobre mi muerte”, una obra formada por unos calamares que se van pudriendo con el tiempo. Justamente, eso es lo mejor que tiene: que utiliza un material orgánico muy sugestivo (la carne de un animal) descomponiéndose. Por lo tanto, la obra es efímera; se premió un trabajo destinado a desaparecer. Pero es mejor que lo explique su propio autor, el artista rosarino Carlos Herrera, quien se encontró con Clarín al lado de sus calamares, rigurosamente vestido de negro y de jean, y no demasiado simpático.

-¿Quisiera explicar su obra?

-¿A qué nivel?

-Bueno; a todos los niveles. Quizás sería bueno que primero la describa, por ejemplo. Que relate qué es eso, qué tiene dentro esa bolsa de plástico, y que es ese animal que asoma…

-Es una obra que se llama “Autorretrato sobre mi muerte”, lo cual puede explicar un poco lo que está sucediendo en la obra. Es una intepretación sobre lo que considero un momento de mi vida, una posibilidad de muerte, un retrato de mi muerte. La obra no indaga en ningún aspecto que tenga que ver con lo emocional o con la relación con el alma, ni lo espiritual ni la elevación , sino todo lo contrario. Lo que trata de representar es la muerte en su estado más concreto, mas matérico. Como lo que queda, lo que uno deja; y lo orgánico.

-¿Que podría decir respecto de lo orgánico que elegió incluir en la obra, los calamares?

-Gracias a la investigación que hice sobre distintos olores similares a los que uno siente cuando va al cementerio, este fue el que más se acercaba a representar ese olor tan agudo de la muerte. -(A decir verdad, el olor que emana de la bolsa no recuerda para nada a un cementerio sino a un puerto; pero, bueno…) La bolsa contiene otros objetos. ¿Qué son?

-Hay un par de zapatillas que usé hasta último momento, una remera que compré para mi cumpleaños, y un par de medias que quiero mucho. Esos elementos son, de algún modo, mi ofrenda, lo que queda de mí, lo que dejo de mí en esa bolsa. Pero la obra también abre otras lecturas posibles que tienen que ver con la posibilidad de no sólo estar bien muerto acá, en la feria, y luego transformarme en basura. Ese es un poco el slogan que apoya mi autorretrato…, estar seis días muerto en la feria y luego, ser basura. Además de esa situación, también tengo en cuenta el espacio que puede ocupar el olor a muerte, los metros cuadrados.

-¿Por qué usó tan pocos calamares, sólo dos, uno dentro de cada zapato?

-Sería imposible representar mis kilos en calamares. Sería un exceso poético. Los calamares tienen la escala de la obra. Es una cuestión más de estética.

-¿Qué piensa hacer con los 50 mil pesos?

-Eso es lo menos importante. Como que el dinero en un artista siempre es importante para lo que uno quiere hacer...

-(Se contradice, Herrera...) ¿Pero el dinero es importante o no?

-Es importante el premio. El dinero es una consecuencia.

-Entonces, si el dinero no le importa, ¿lo donaría?

-No, porque tengo cosas que hacer, de mi vida. Es una pregunta primitiva. El dinero es importante para un artista como para cualquier persona. Aunque lo importante es que existe un jurado que elige la obra.

NUEVO BLOG DE HUMOR GRAFICO !

2011-05-16T13:21:00.001-07:00

LLEGAMOS A FULLBLOG ! UN NUEVO BLOG CON NUEVO NOMBRE PARA QUE TODOS LOS DIBUJANTES HUMORISTICOS PUEDAN PARTICIPAR....

http://lahormigahumor.fullblog.com.ar/

SU NOMBRE ES ''LA HORMIGA'' Y TODOS LOS DIBUJANTES QUE LO DESEAN PUEDEN ENVIARNOS SUS CHISTES, COMICS O CARICATURAS Y SERAN EXPUESTAS EN ESTE NUEVO BLOG !

SE SIENTE ! SE SIENTE ! SPIDERMAN VICEPRESIDENTE !

2011-05-15T08:57:00.000-07:00

ACA ESTA LA PRUEBA DE QUE SPIDERMAN VA DE VICEPRESIDENTE DE ALFONSIN.......OTRA PRIMICIA DE LE ACTUALITE Y DE TINTA CHINA !!

SE FUE EL GRAN CARLOS TRILLO

2011-05-09T09:23:00.000-07:00

LAMENTABLE NOTICIA PARA TODOS LOS AMANTES DE LA HISTORIETA NACIONAL Y DEL LOCO CHAVEZ.....

SU CREADOR CARLOS TRILLO NOS DEJO EL SABADO PASADO.....

BIOGRAFIA EXTRAIDA DE LA PAGINA TEBEOSFERA

http://www.tebeosfera.com/1/Autor/Guionista/Trillo/Carlos.htm

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Buenos Aires, 1-V-1943

Nombre: Carlos Trillo. Firmas: Carlos Trillo

Formación: Autodidacta.

Profesión: Guionista de historietas; historiador de la historieta argentina; redactor, guionista de cine, novelista.

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CARRERA

PREMIOS

GALERÍA

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CARRERA PROFESIONAL

Trillo trabaja en medios gráficos desde 1963. Comenzó siendo colaborador de la revista Patoruzú semanal entre 1964 y 1968. Escribió para Ediciones García Ferré episodios de los personajes "La familia Panconara, una familia muy rara", "El topo Gigio" y "El hada Patricia", y también ya por entonces colaboró con el programa de televisión El Club de Hijitus, y también realizó trabajos de locutor junto a Carlos Marcucci, Eduardo Belgrano Rawson y Alberto Broccoli, en Radio Municipal.

Asimismo, inició tempranamente sus actividades como literato y fue con Alejandro Dolina con quien realizó "Tony Avila, el detective poeta", una serie de cuentos policiales humorísticos para la revista Siete Días. Como redactor se estrenó en la revista Satiricón, donde también escribió los guiones de muchas historietas paródicas.

Comenzó a escribir historietas protagonizadas por personajes de su propia creación en 1975, y lo hizo a lo grande: con dibujos de Alberto Breccia, con quien realizó Un tal Daneri para la revista Mengano, de Argentina, y luego destinada a la editorial italiana Editiemme. Al poco se haría famoso con su colaboración junto a Horacio Altuna en la larga tira diaria de El Loco Chavez para el diario Clarín de Buenos Aires (1975-1987), que en parte fue publicada en lengua francesa por Editions Glenat como Le Grand Reporter.

Entre 1977 y 1982 escribió Alvar Mayor, dibujada por Enrique Breccia, que fue publicada totalmente en la revista Skorpio de Argentina y también en Italia, España y Francia. Pero las obras que le proporcionan más reconocimiento entre los finales de los setenta y los primeros ochenta son las que realiza con Altuna como dibujante: Charlie Moon, Merdichesky, Las puertitas del señor López, Slot-Machine, El último recreo... que en Argentina fueron publicadas en la revista Humor Registrado y en otras revistas de Ediciones de la Urraca (y luego obtuvieron gran acogida en Italia, Francia y sobre todo en España, país donde se hallaba afincado Altuna), Su obra Las puertitas del señor López obtuvo tanto aprecio por parte de sus compatriotas que fue lleva al cine, bajo la dirección de Alberto Fischerman, recibiendo luego este film el gran premio en el Festival Chaplin del Humor en Vevey, Suiza.

En ese mismo período, escribe para que dibuje Mandrafina las Historias mudas, que salieron en el mensuario SuperHumor de Ediciones de la Urraca, parcialmente en la revista del diario argentino La Nación y en revistas y libros de cómics franceses e italianos, así como en la revista norteamericana Heavy Metal. También con dibujos de Mandrafina realizó El contorsionista, una obra que sirvió de base al primer film norteamericano del argentino Juan Campanella, The Contorsionist.

A partir de 1985, Carlos Trillo inicia una larga colaboración con el autor español Jordi Bernet: Custer, aparecida en Zona 84 de España (y luego en Comic Art de Italia y, bajo el título Carnage Plus, en Francia); LIGHT & BOLD, publicada por el mismo circuito editor del título anterior; Ivan Piire, aparecida en la revista Torpedo 1936 de España y editada en marzo 2001 por Albin Michel en Francia, bajo el título Le cri du vampire; Cicca Dum Dum, obra erótica por entregas en la revista Penthouse y ya recogida en libro por la Editorial Mare Nero de Italia y Albim Michel en Francia (bajo el título Bang! Bang!); y finalmente, Clara de noche, obra que dibuja Bernet y escrita en colaboración con el humorista gráfico y radial Eduardo Maicas, actualmente disfrutando de gran éxito entre los lectores del semanario humorístico español El Jueves, entre los franceses que adquieren Bodoi y, desde 1991, entre los lectores del diario argentino Página 12. También alemanes, holandeses y griegos están disfrutando de esta obra.

En los mercados italiano y francés lo que más ha cundido entre el público de la obra de Trillo ha sido la obra con Risso y con Meglia. Con los dibujos de Eduardo Risso, escribió cinco tomos de Fulu (Glenat), Simon, una aventura americana (Glenat), Chicanos (Vents d`Ouest), Video Noir (Albin Michel / Dark Horse), y Boy Vampiro (Albin Michel). Con Risso también ha desarrollado la obra Borderline y la extensa serie de historias breves de Horror revisitado publicadas en Argentina, Italia, Estados Unidos y Francia. Desde 1998 desarrolla, además, con Risso, una historia infantil titulada Los misterios de Luna Roja, cuyos tres primeros álbumes han sido publicados por la revista argentina Genios.

Con Carlos Meglia, Trillo realizó entre 1987 y 1992 la obra Irish Coffee, para un semanario italiano (luego sería distribuida como libro en Alemania y Holanda) y Livevil, serie que se publicó en la revista italiana Skorpio y que resultó de interés para productores de dibujos animados estadounidenses. En la década de los noventa, fue una obra que Trillo desarrolla entre 1991 y 1998 con Meglia la que le ha reportado renovada fama: Cybersix. Esta serie extensísima se publicó en 48 libros de cómics de 96 páginas cada uno, con periodicidad mensual, editados por el sello italiano Eura Editoriale. Una selección de estas historias, recogida en 12 álbumes fue lanzada en Francia por Editions Vents d`Ouest., y también se ha publicado en España. De Cybersix se produjo una serie de dibujos animados (una coproducción de la canadiense NOA Network y la japonesa TMS Telecom) cuyos primeros 13 capítulos fueron emitidos, entre 1999 y 2000, por el Canal Plus francés, HBO en español y Fox Kids de los Estados Unidos.

Lo anterior no fue óbice para que Trillo dejase de publicar en su patria. Entre 1987 y 1996, escribió la tira El negro blanco para el diario Clarín de Buenos Aires, dibujada por Ernesto García Seijas. Con este mismo dibujante realizó en 1996 y 1998 la historia "Brujas!" para un semanario italiano, que ha interesado para su adaptación al cine a la compañía cinematográfica estadounidense Miramax.

Para el gran Mandrafina escribió El Husmeante, destinado a para la revista argentina Don, la italiana Comic Art y también para un editor de libros francés que la publicó bajo el título de Le Founier. Con este mismo dibujante, Trillo ha creado durante los años noventa las obras: Dragger, Cosecha Verde, El iguana, Spaghetti Brothers, y Viejos Canallas. Con Horacio Domingues como dibujante desarrolló Hyter de Flok en 1990 para la revista argentina Puertitas, obra que también publicó al punto la italiana Skorpio y, que obtuvo una actualización en dos volúmenes en la edición francesa de Albim Michel (Le monde des nombreux noms, 2001).

En los últimos años, Trillo no ha parado de trabajar. En 2000, creó con el dibujante Juan Bobillo la historia Martin Holmes que halló alojamiento en la revista argentina Genios. La obra, bajo el nuevo nombre de Zachary Holmes está por ser publicada en dos álbumes en toda Europa. Con el mismo Bobillo prepara el segundo de los tres álbumes de 48 páginas a color de Sick Bird, de los que el primero ha sido ya publicado en varios países. También con Juan, ha concluido el álbum Chocolate con fritas, una historia humorística con niños como protagonistas que espera publicación en varios países europeos.

En la actualidad se halla desarrollando, con el dibujante Walter Fahrer, la serie de 5 historias de "Yo no me llamo Wilson" que le solicitara el editor belga Casterman (el primer episodio apareció el 10 de noviembre de 2000; el segundo, apareció el 20 de setiembre de 2002 simultáneamente en Francia y Bélgica; el tercero saldrá en el otoño europeo de 2003; el resto aún están por dibujar). Está terminando el primer álbum de Neferu, historia de un gato que se cree rey de la creación que está dibujado por Peni (Pedro Penizzotto), la cual se publicará en Francia hacia fines de 2002. También está publicándose, desde noviembre de 2000, su obra en tres partes con formato comic book Come la vita, que es una coedición italiana, francesa, alemana, holandesa y vasca, y que dibuja la italiana Laura Scarpa. Además, Trillo sigue escribiendo guiones sin parar para los autores Domingues, Pez, Ignacio Noé, Marín y Juan Bobillo de la revista Genios. Y desde el 28 de abril de 2002 escribe la tira diaria Cazados que dibuja O´kif para el diario Clarín.

De otro lado, Trillo es autor de varios libros, siendo sus primeros trabajos El humor gráfico, El humor escrito y Las historietas, tres libros de la colección Historia Popular del Centro Editor de América Latina, que vieron la luz en 1969. Desde 1975, con Guillermo Saccomanno se encarga de redactar la serie teórica "El club de la historieta" en la revista Skorpio; también con él redacta la parte histórica de los catálogos de las Bienales de Humor e Historieta de Córdoba (en Argentina); y también con él es autor del recordado libro Historia de la historieta argentina (Ediciones Record, 1980). Compatibilizando su labor como historiador con la de guionista, aún tuvo tiempo para oficiar como asesor creativo de la revista Satiricón (1972-1973), como jefe de redacción de Mengano (1974-1976) y como director de SuperHUM® (1981-1982). Ya en los noventa, fue editor de sus propias publicaciones, Puertitas, CyberSix, desde el sello El Globo Editor.

También ha desarrollado argumentos cinematográficos (No hay hombres, para Fischerman), y ha redactado multitud de textos para gran variedad de revistas.

Hoy, sigue escribiendo. Textos, guiones. Sigue creando, feraz.

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PREMIOS

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Obtuvo los premios Yellow Kid al Mejor Autor Internacional en Lucca, Italia, en 1978 y en 1996.

Premio al mejor guionista del año en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona en 1984.

Su álbum La grande anarque (Albin Michel , 1998; traducción francesa de Cosecha verde) ganó el Premio Alph'Art, en el Festival de la Bande Dessinée de Angulema en 1999, al mejor

guión publicado en Francia durante 1998.

Su obra Vieilles Canailles (Albin Michel, 1999-2000; edición en dos libros de Viejos Canallas) recibió en el festival del cómic suizo celebrado en Sierre, en 2000, el Gran Premio del Humor en lengua francesa.

En junio de 2001, es expuso una gran muestra de sus trabajos en Nápoles durante el Napoli Comicon, donde recibió, además el Premio Attilio Micheluzzi.

En febrero de 2002 se realizó en Palermo, Sicilia, una gran muestra de sus Guiones Breves.

Picasso y los precios del trabajo profesional

2011-05-08T13:56:00.000-07:00

Nota del Diario La Nacion.

Cuentan que cierto día, el consagrado pintor Pablo Picasso estaba terminando una de sus obras en un parque. Una mujer que pasaba por el lugar lo reconoció y no dudó en acercarse.

- No lo puedo creer, usted es Picasso el gran artista, no se imagina cuánto lo admiro. Mi gran sueño es que dibuje mi retrato. Por favor, ¿podría hacerlo ahora? - preguntó la mujer, casi implorando.

De hecho insistió de tal forma que Picasso finalmente accedió al pedido. Entonces el gran maestro tomo un papel, la estudió por un momento, y con un solo trazo de su lápiz bosquejó el rostro de la mujer. Así le entregó su obra. La mujer observó detenidamente su retrato, sumamente impresionada.

- Es perfecto. No puedo creer cómo consiguió capturar mi esencia con un solo trazo, en tan solo un momento. Muchísimas gracias maestro. ¿Cuánto le debo? - preguntó antes de retirarse.

- Cinco mil dólares - respondió Picasso sin pestañear.

-¿Cómo? - exclamó la mujer terriblemente sorprendida.

- Como puede querer tanto dinero por esta obra, si sólo le tomó unos pocos segundos realizarla - prosiguió, buscando alguna explicación del pintor.

Entonces Picasso respondió con firmeza:

- Señora, se equivoca, me llevó toda la vida.

Ni siquiera un genio como Pablo Picasso lograba en ciertas ocasiones escapar al estigma del tiempo de trabajo y su relación con el precio. Este tipo de paradigmas muchas veces condiciona tanto los precios cobrados, como los pagados por las actividades profesionales y técnicas.

Los clientes, a pesar que muchas veces no lo reconozcan abiertamente, no compran tiempo de trabajo, compran resultados. Concentrarnos en el tiempo de trabajo, o genéricamente en los costos, para determinar un precio, es un enfoque sumamente limitado y engañoso. Aunque nos pese reconocerlo, los clientes son totalmente indiferentes al sacrificio que realicemos en nuestra actividad. El tiempo de trabajo es una variable interna que nada nos dice acerca del valor que representa lo que nosotros hacemos para nuestros clientes.

Es frecuente que en diversas actividades se recurra a una planilla de horas trabajadas, que luego se multiplica por un cierto valor hora, para definir el precio a cobrar a un cliente. Pero, ¿acaso representa lo mismo una hora de trabajo previamente programado, que una hora para cubrir una urgencia de un cliente? ¿Las aerolíneas cobran el mismo precio por un pasaje comprado con tres meses de anticipación que en el caso de un ticket para el día siguiente? ¿Vale lo mismo tener un paraguas a mano un día de lluvia que un día despejado?

Además el hecho de cobrar según el tiempo de trabajo lleva a una "comoditización" de los servicios ofrecidos, ya que el cliente percibe estar comprando tiempo, en lugar de resultados o soluciones.

Así, es un gran desafío encontrar parámetros o "métricas" que permitan asociar el precio cobrado con el resultado obtenido por el cliente. Esto inclusive puede derivar en una política de segmentación de precios, ya que la valoración puede ser diferente para distintos grupos de clientes. Todo esto es factible, aplicando un criterio claro, y sin caer en la deformación del "cobrar según la cara".

Al asociar el precio al valor que recibe cada cliente, los profesionales y técnicos pueden generar propuestas más atractivas para sus clientes. Esto permitiría que muchas profesiones reflejaran en sus esquemas de precios que son verdaderos vendedores de soluciones y no simplemente proveedores de tiempo de trabajo.

(*) Ariel Baños es un economista especializado en estrategias de precios. Es presidente y fundador de fijaciondeprecios.com y autor del libro "Los secretos de los precios".

MARTIN FIERRO ES JAPONES O YANQUI ?

2011-05-07T20:11:00.000-07:00

Primera imágen de “Metegol”, la película de animación 3D de Campanella

2011-04-09T07:33:00.001-07:00

Co-producida entre Argentina y España por Plural-Jempsa, 100Bares Producciones y Catmandu Entertainment, la nueva película de Juan José Campanella, contará con la presencia de dos líderes tecnológicos, HP e Intel, quiénes brindarán la más alta tecnología para el desarrollo del innovador proyecto. Metegol, será la primera película 3D realizada en Latinoamérica bajo los estándares de calidad de producción utilizados en los estudios cinematográficos más importantes del mundo.

Con el apoyo de HP e Intel, los fanáticos de Campanella y la animación tendrán la oportunidad de disfrutar de esta fantástica historia basada un cuento del genial Roberto Fontanarrosa, donde el único límite es la imaginación.

Sin bien aún no se conocen los detalles de este acuerdo, tanto HP como Intel estarán involucradas de manera activa aportando su tecnología. En breve se anunciarán algunas novedades sobre este proyecto.

Fabián Gianola, Diego Ramos, Horacio Fontova y Pablo Rago son algunos de los actores que le pondrán voz a la historia.

ENCUENTRO NACIONAL DEL HUMOR Y LA HISTORIETA

2011-04-08T06:36:00.000-07:00

NOTA DE DIARIO CLARIN

Tres días a puro humor en el gran encuentro nacional de la historieta

08/04/11

Participan, entre otros, Horacio Altuna, Caloi, Tute y Sendra. Habrá muestras, talleres y charlas.

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Encuentro nacional de la historieta Treinta y un años después, la ciudad de Lobos será testigo nuevamente de la más encumbrada reunión del humor de historieta del país. De la mano de Horacio Altuna, uno de los próceres del género, se pone en marcha mañana el 4° Encuentro Nacional del Humor y la Historieta, cuya tercera y hasta ahora última versión había sido en 1979.

Hasta el domingo, en diferentes instituciones sociales de Lobos –y con apoyo del Municipio– habrá charlas, debates, mesas redondas, talleres, muestras y proyecciones sobre el tema. Participarán 30 de los más importantes dibujantes y guionistas de historietas del país. Además de Altuna, también se presentarán durante el fin de semana personajes de la talla de Caloi, Tabaré, Sendra, Max Aguirre, Tute y referentes de las nuevas generaciones como Diego Parés, Gustavo Sala y Ariel Olivetti, entre otros.

En forma permanente, durante los tres días del encuentro, habrá una muestra de dibujos de todos estos artistas en la sede de la Sociedad Española de Lobos, desde las 16 a las 24, con acceso gratuito. Además, en el Cine Parroquial se exhibirá el largometraje “Imaginadores”, un documental sobre la historieta nacional. En el Club Social Lobense se desarrollarán las mesas redondas, las charlas y los talleres. Tute, por caso, dará un taller imperdible mañana a las 19.30. Y el escritor Juan Sasturain dará una conferencia bajo la temática de “La historieta nacional”.

“Se trata de crear una especie de plataforma como para que la profesión y nuestro mundo tenga un lugar de encuentro todos los años ahí en Lobos”, explicó a Clarín Horacio Altuna, lobense “por adopción”.

Además, la idea de los organizadores es que el Encuentro Nacional del Humor y la Historieta sea un lugar de referencia a la hora de premiar a los más destacados del género. Por eso, explica Altuna, decidieron arrancar distinguiendo a Solano López, dibujante de El Eternauta , la historieta guionada por Héctor G. Oesterheld, desaparecido durante la última dictadura militar. “Queremos que (el encuentro) se transforme en el Premio Nacional de Historieta. Empezamos por Solano porque él merece todo. Y también vamos a reconocer a la viuda de Oesterheld, en memoria del viejo, que es el gran prócer de nuestra historieta”, comentó Altuna, creador de clásicos como El Loco Chávez y Las Puertitas del Señor López y autor de la tira Es lo que hay (reality) que publica Clarín .

“La última vez fue hace 31 años. Vinieron como 100 autores. Ahora somos menos porque empezamos a rodar de nuevo. La idea es empezar a reciclar aquello con los autores más populares, que son los de los diarios”, cuenta Altuna y resalta el prestigio de los participantes: “Lo importante es que este cartel de autores es fundamental, porque la gran mayoría son de nivel internacional. No sólo publican en Argentina, también en Europa y EE.UU. Los aficionados saben que toda esta gente es muy importante”.

Emocionado de volver a Lobos, donde pasó su juventud, Altuna define la experiencia como “muy linda”. “Además –agrega– es importante difundir la cultura popular”.

Marte necesita mamás: el futuro de la animación ????

2011-03-23T12:26:00.000-07:00

Se estrena la más reciente apuesta de Robert Zemeckis por el hiperrealismo, eje de un debate entre las posibilidades tecnológicas del cine y sus necesidades expresivas

Martes 22 de marzo de 2011
Publicado en DIARIO LA NACION

Marcelo Stiletano

LA NACION

"En el mundo digital, todo avanza a la velocidad de la luz." Con esta frase, que no dejó de pronunciar durante las últimas semanas, Robert Zemeckis debe de haberse propuesto algo más que reducir a unas pocas líneas lo que significa un proyecto tan ambicioso como Marte necesita mamás. Al mismo tiempo, sin reconocerlo, quizás haya querido con estos dichos dejar cerrada por anticipado cualquier posible discusión alrededor de un tema que adquirió, en su caso, los contornos de una auténtica obsesión. Zemeckis, cuyo talento como realizador casi nadie cuestiona si tenemos en cuenta los brillantes resultados de la trilogía de Volver al futuro, Contacto y Forrest Gump , estuvo tan atento en los últimos años a la evolución del sistema de animación conocido como capture performance (o captura de movimiento), que parece haber renunciado al modelo de cine convencional con personajes de carne y hueso para quedarse, en su lugar, con la puesta en pantalla de una versión hiperrealista de esos mismos seres humanos.

Pasaron apenas seis años de su primera experiencia en la materia, El expreso polar (2004). Luego de esa incursión en la animación infantil llegaron una adaptación para adultos de la leyenda medieval Beowulf (2007) y la más reciente versión de Un cuento de Navidad , el clásico de Dickens, estrenada entre nosotros como Los fantasmas de Scrooge (2009).

Las claves básicas del mecanismo de animación que Zemeckis viene defendiendo con un entusiasmo superior al del resto de sus pares se repiten en Marte necesita mamás , su segundo trabajo para Disney, cuyo estreno Buena Vista anuncia para el jueves 24. En este caso, estamos ante una historia fantástica, inspirada en un cuento infantil del dibujante Berkeley Breathed, cuyo eje es la abducción de madres terrícolas por parte de naves marcianas, para asegurar con ellas la continuidad de un régimen matriarcal en el planeta rojo. Todo cambia cuando el hijo de una de esas madres logra ingresar en la nave e intenta rescatar a su progenitora después de atravesar el espacio exterior.

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Fantasía virtual

Aquí también el capture performance permite registrar en forma digital el movimiento de los actores de carne y hueso a través de finos sensores registrados en sus cuerpos. Ellos interpretan sus partes en enormes estudios cerrados, sin cámaras ni escenografía alguna, representándolas casi de un modo teatral. Un programa de computadora recrea esos gestos y desplazamientos en un programa y los traslada al personaje animado que finalmente veremos en la pantalla. Un personaje que, como ya sabemos, suele tener rasgos fisonómicos muy cercanos al actor que lo representa.

Y a propósito de actores, las figuras estelares de los títulos anteriores (Tom Hanks en El expreso polar ; Anthony Hopkins, John Malkovich y Angelina Jolie en Beowulf ; Jim Carrey en Los fantasmas de Scrooge ) dejaron su lugar en el film que estamos por conocer a nombres conocidos, pero de menor cartel, como Joan Cusack y Seth Green, que a los 39 años interpreta a Milo, un chico de 9 años, sólo desde lo gestual. Según Los Angeles Times , Disney debió prescindir de su voz por sonar demasiado madura y recurrir de apuro a un reemplazo: el actor de 11 años Seth Robert Dusky. De cualquier manera, Marte necesita mamás se estrenará entre nosotros en su versión doblada al castellano.

"La tecnología, desde El expreso polar hasta hoy, ha mejorado en un 1000 por ciento. Es como el día y la noche. Por eso, hablar de una línea divisoria entre la captura de movimiento y la animación es cosa del pasado. Ahora, todo es cine digital y en cinco años más todo eso va a estar mezclado en el mismo paquete", afirma Zemeckis, que se reservó para Marte necesita mamás un papel de productor, dejando la dirección en manos de Simon Wells ( El príncipe de Egipto ), un viejo colaborador suyo desde los tiempos de Volver al futuro .

En su incondicional defensa del capture performance , es posible que Zemeckis haya dejado de lado los problemas ocasionados a partir de la búsqueda de tan fidedigna reproducción animada de las dimensiones y las proporciones humanas. Los resultados de la experiencia asombran, pero también decepciona un aspecto hasta aquí irremontable, el del "ojo muerto" que suele convertir a los personajes en inexpresivos clones animados de los personajes reales. La primera experiencia fílmica en la materia fue Final Fantasy (2001), adaptación del videojuego creado por Hironobu Sakaguchi, la primera película hecha sólo con computadoras, sin cámaras ni actores, y con personajes hiperrealistas en extremo.

Hasta aquí, El expreso polar, Beowulf y Los fantasmas de Scrooge decepcionaron al ponerse a prueba en la taquilla norteamericana. Las cifras de concurrencia del resto del mundo compensaron en todos los casos algo de ese sinsabor. Pero ni Zemeckis ni los ejecutivos de Disney imaginaron que el lanzamiento de Marte necesita mamás , la semana pasada, en más de 3000 cines de Estados Unidos, resultaría tan decepcionante, al punto que hizo recordar el tremendo fiasco que resultó en su momento la presentación de Final Fantasy . Una semana después del estreno, un film que costó cerca de 200 millones de dólares apenas lleva recaudados 12 millones, mientras todos tratan de encontrar alguna explicación al hecho.

Por lo pronto, Disney ya tomó la decisión de discontinuar las operaciones de Image Movers Digital, la empresa que adquirió para que Zemeckis desarrollara desde allí la evolución del capture performance , y se desinteresó del siguiente proyecto que pensaba llevar adelante con el director: una adaptación en 3D de Submarino amarillo , con 16 canciones originales de los Beatles. Zemeckis -que se llamó a silencio en los últimos días- tiene libertad de acción para negociarlo con otros estudios.

Lo que el realizador confía es que el capture performance pueda superar tal vez su última prueba de fuego, la que encara Steven Spielberg con su versión animada de las aventuras de Tintin ( El secreto del unicornio ) que verá la luz en noviembre próximo. A partir de esos resultados, se verá si Zemeckis sigue convencido de seguir adelante con un proyecto que, en sus manos, llegó a mostrar lo más avanzado en la materia desde Avatar , aunque algunos números, por ahora, digan lo contrario.

Trailer de 'Piratas del Caribe'

2011-03-23T12:20:00.000-07:00

Las aventuras del Capitán Jack Sparrow vuelven con el 4to episodio de la saga de Disney. Se estrena en mayo.

El film dirigido por Rob Marshall y protagonizado por Johnny Depp trae de regreso al delirante Jack Sparrow y su grupo de corsarios. En este episodio, titulado 'En costas extrañas', hará su aparición el Capitán Barba Negra, interpretado por Ian McShane. En tanto, el rol femenino quedó a cargo de Penélope Cruz. Mientras, continúan en sus puestos Jeffrey Rush y el Rolling Stone Keith Richards en el personaje del padre de Sparrow.

TRAILER DE CONAN EL BARBARO

2011-03-23T12:13:00.000-07:00

Una nueva versión de 'Conan, el bárbaro', aquella película épica que cimentaba la carrera de Arnold Schwarzenegger previa a 'Terminator', está en etapa de post-producción y se prepara para su lanzamiento en agosto de este año.

El film dirigido por Marcus Nispel, realizador de otras remakes como 'Viernes 13' y 'La masacre de Texas', y protagonizado por el ex chico 'Baywatch' Jason Momoa, narrará cómo Conan se embarca en una búsqueda para vengar la masacre de su pueblo.

TRAILER CAPITAN AMERICA

2011-03-23T12:07:00.001-07:00

TRAILER PELICULA LOS PITUFOS

2011-03-23T12:06:00.001-07:00

COLECCION SALVAT DE ASTERIX EN ARGENTINA !

2011-03-15T15:52:00.000-07:00

YA SALE EN TODOS LOS KIOSCOS UNA NUEVA COLECCION DE ASTERIX CON LAS REEDICIONES DE TODAS LAS HISTORIETAS DE ASTERIX PARA TODOS LOS FANATICOS !

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A COMPRARLOS POR TUTATIS !

HASTA SIEMPRE MAESTRO FERRO !!!!!

2011-03-04T06:02:00.000-08:00

HOY SE FUE UNO DE LOS MAS GRANDES DIBUJANTES DE HUMOR GRAFICO DE LA HISTORIA ARGENTINA.........

DEL MUSEO DE LA CARICATURA

Hasta siempre, querido amigo y "maestro de maestros", decano indiscutido del humor gráfico argentino. Te recordaremos por siempre.

Reenviamos el siguiente mensaje de Carmen "Pichi" Ferro, hija de Eduardo Ferro.

...Estimados Amigos

Hoy, 4 de Marzo de 2011, en la madrugada, ha partido el Viejo Ferrito hacia otros mundos, acompañado de sus personajes: Langostino, Chapaleo, Bólido, Taras Service, Pandora, y muchos otros que no alcanzaron la trascendencia de los nombrados.

Sobre la mesa de dibujo quedó su plumín y un potecito abierto de Tinta China reseca por el tiempo.

Les ruego en sus corazones un recuerdo de homenaje. Sus restos serán velados en la localidad de Don Bosco, partido de Quilmes, provincia de Buenos Aires, Argentina, en la cochería Rufino Pastor, calles José Ingenieros y Uriburu.

Agradecida, su hija Pichi Ferro.

BREVE BIOGRAFIA DEL MAESTRO FERRO

(extraida del MUSEO DEL DIBUJO Y LA ILUSTRACION )

http://www.museodeldibujo.com/biografias/ferro/ferro.html
Al nacer, allá por 1917, en Avellaneda, fue bautizado como Eduardo Ferro. Para todos sus colegas y amigos, fue, es y será siempre “Ferrito”. El diminutivo testimonia el cariño que este decano del humor argentino se supo ganar.

A lo largo de su extensa vida profesional fue ilustrador, historietista, humorista y escritor.

Debutó a los dieciséis años y –justo él, que es más argentino que el tango– lo hizo en la revista El Purrete, del periódico Buenos Aires Herald.

Gran amante del fútbol, su segundo trabajo fue un personaje ligado a este deporte: “Don Pitazo”, que apareció en la revista La Cancha.

Después llegarían los trabajos consagratorios, ya en las publicaciones de Dante Quinterno: Patoruzú Semanal –en la que también firmó trabajos con el seudónimo “Yayo”– el Libro de Oro de Patoruzú y Patoruzito, donde nacieron algunos de sus grandes personajes, como “Langostino”, “Bólido”, “Tara Service”, “Pandora” y “Pampa Bárbara”, entre otros.

“Langostino”, aquel marinero vestido con camiseta rayas, único navegante de su barquito “Corina”, visitó países increíbles como Futbolia o Sincerilandia y fue el personaje predilecto de su creador: “Lo elijo porque tiene cuerda. Si le armo una historia puedo interesar a los chicos de hoy”, ha dicho. De hecho, en 1999 creó una nueva aventura en cuatro páginas para ser publicada en la revista dominical de La Nación.

Durante años y para muchas de esas revistas, Ferro creó una enorme cantidad de chistes de tapa. Además, dirigió ocasionalmente Patoruzú.

Ya en los cuarenta, y en el diario La Razón, comenzó a dibujar otro de sus personajes famosos: el buzo “Chapaleo”, que se hizo conocido en toda América Latina.

Desde 1983 y durante doce años transmitió sus conocimientos a las nuevas generaciones como profesor de Humor Gráfico en la Escuela de Dibujo de Carlos Garaycochea, tarea que le gustaba “con locura”, como él mismo confesó.

En 1988 la Editorial Hyspamérica publicó una compilación de sus mejores personajes, reunidos en el libro Lo que el vento devolvió, uno de los pocos que Ferro editó a lo largo de su carrera.

Si bien su carrera estuvo lejos del brillo y la notoriedad que obtuvieron algunos de sus colegas, finalmente logró algunos de los reconocimientos que largamente merecía. En el 2004, casi trescientos dibujantes argentinos lo homenajearon de un modo singular: redibujando –cada uno con su estilo– las quince primeras páginas de la historieta “Langostino”, a partir de su guión original. La muestra, donde fue declarado por sus pares “Maestro de Maestros”, tuvo lugar en el Centro Cultural Recoleta y allí Ferro pudo palpar el cariño que su trabajo y su ternura habían despertado en sus pares y el lector en general.

En octubre de 2006 viajó a Madrid para recibir el Premio Iberoamericano de Humor Gráfico “Quevedos”, auspiciado por la Universidad de Alcalá de Henares y el Ministerio de Cultura de España. Este importante galardón, que se entrega en forma bianual, distingue a humoristas gráficos españoles e iberoamericanos, cuya obra haya tenido especial significación social y artística. “Desde el chiste gráfico de una sola viñeta hasta la historieta humorística más sofisticada, Ferro pone en poético manifiesto las virtudes y defectos del ser humano en particular y de la sociedad en general”, dijo el jurado español (integrado, entre otras personalidades, por el famoso humorista gráfico español El Roto), al fundamentar el premio.

Ferro, que vive actualmente en Quilmes, en una casa con jardín repleto de cotorras, que no ha perdido la sencillez ni la amabilidad en el trato, que declara elegir al “Inodoro Pereyra” de Fontanarrosa como la mejor historieta argentina de todos los tiempos, sigue trabajando. A sus noventa años continúa y pule las tiras de un nuevo personaje (un arquero de fútbol), que todavía sueña ver publicadas en el suplemento deportivo del diario más importante del país.

El nuevo Superman

2011-02-03T09:32:00.000-08:00

Es británico y se llama Henry Cavill. Será el superhombre en la pantalla grande de la saga de la película que se estrenará el próximo año.

"Superman" regresa a la pantalla grande encarnado por el actor británico Henry Cavill y la dirección del filme, que se estrenará a finales del 2012, estará a cargo de Zack Snyder.

Cavill finalizó el rodaje de "The Cold Light of Day" junto a Bruce Willis y Sigourney Weaver y protagonizó "Immortals" con Mickey Rourke y John Hurt, que se estrenarán este año en Estados Unidos.

"Superman", que comenzó como un superhéroe de cómics considerado ampliamente como un ícono de los Estados Unidos, fue creado en 1932 por el escritor estadounidense Jerry Siegel y el dibujante Joe Shuster.

Más tarde, el personaje fue adapatado a distintos medios como la radio,la televisión y el cine y fue en este último que se dió su interpretación más notable con el filme "Superman:la película" (1978) y Superman II (1981), protagonizadas por el legendario Christopher Reeve.

LA PELICULA DEL OSO YOGUI !

2011-01-30T06:54:00.000-08:00

PARA VER EN EL VERANO UNO DE LOS GRANDES PERSONAJES DE HANNA BARBERA !

Las primeras aventuras de un héroe legendario

2011-01-23T08:56:00.000-08:00

Son 14 libros con las 100 historias que iniciaron la saga. Saldrán los sábados.

Superman A partir de mañana estará en los quioscos una colección inédita para el público argentino. Se trata de Las primeras 100 historietas de Superman , una serie de 14 libros con ilustraciones en colores que saldrá cada sábado con los primeros años de vida del superhéroe que cambió el mundo del entretenimiento hace ya más de setenta años para convertirse en un mito del siglo XX.

Corría 1938 cuando el sueño de dos jóvenes historietistas de Cleveland se hizo realidad. Una de sus invenciones, que venía rebotando de editor en editor, finalmente encontró su lugar en el mundo en una publicación que nacía: la revista Action Comics . La criatura a la que Jerry Siegel, en el guión, y Joe Shuster, en los dibujos, daban forma por aquellos tiempos era Superman. El resto de la historia, se podría decir, ya es patrimonio cultural de la humanidad.

En los 14 libros se podrá reconstruir cronológicamente los comienzos y los cambios que sufrió Superman a lo largo de sus primeros años. El lector podrá descubrir que no volaba en sus comienzos, aunque no le faltaban capacidades sobrehumanas de fuerza y desplazamiento. También se verá cómo asume la identidad “civil” de Clark Kent para convertirse en un sagaz pero timorato periodista del Daily Star , publicación que más tarde derivaría en el Daily Planet . Y, por supuesto, no faltarán los primeros desencantos sentimentales de Clark con su compañera de trabajo y eterna enamorada Luisa Lane. Desde un principio, ella morirá de amor por Superman y, al mismo tiempo, despreciará a su alter ego Kent, a quien considera un “insoportablemente cobarde”.

En aquellos primeros tiempos Superman no sólo luchaba contra gangsters y enemigos no convencionales (asistiremos al debut de Lex Luthor… ¡con pelo naranja!), sino que llegaba a la Tierra con una buena dosis de altruismo, a poner un poco de orden en asuntos de la vida común y corriente, como el maltrato laboral, los conductores imprudentes, o ayudando al honesto dueño de un circo al borde de la quiebra o a un jugador mediocre de fútbol americano.

Clarín presenta una colección de Comics con las películas de Disney.

2011-01-23T08:49:00.000-08:00

Clarín presenta una colección de libros de Comics con las películas de Disney

Se trata de 20 libros ilustrados que reviven las aventuras de los mejores filmes.

El Rey León

Colección de libros Disney Clarín presenta una colección con los relatos de las mejores películas de Disney , ideal para disfrutar este verano en familia.

Los ejemplares, a todo color, narran las historias que hicieron reír y emocionar en los cines a millones de personas.

El primer libro de la colección, El Rey León .El segundo título es Blanca Nieves y los Siete Enanitos , la inolvidable película que llegó al corazón de varias generaciones.

Los siguientes 18 ejemplares que completan la colección Aventuras de Película , son: Cars , Piratas del Caribe , La Bella Durmiente , Buscando a Nemo , La princesa y el Sapo , Los Aristogatos , Wall-E , Up , El Jorobado de Notre Dame , Ratatouille , Monsters, Inc, La Dama y el Vagabundo , Dinosaurios , 101 Dálmatas , Lilo y Stitch , El Libro de la Selva , Chicken Little y La Sirenita . Así, Clarín les acerca a los lectores la mejor propuesta para leer en familia y atesorar en la biblioteca.

Reestrenan "Volver al Futuro" en los cines

2011-01-13T16:57:00.001-08:00

25 ANIVERSARIO

Por una semana, el clásico de los 80 regresa a la pantalla grande. Galería de fotos.

Trailer de Volver al Futuro - Edición 25º Aniversario
Fuente:YouTube Cuando "Volver al Futuro" (Back to the Future) se estrenó en 1985, su director Robert Zemeckis pensaba que, por problemas de distribución, la película tendría un recibimiento mediocre que no alcanzaría para recuperar los 19 millones de dólares que costó realizarla. Sin embargo, el "boca a boca" de los espectadores la convirtió en el film más visto del año, recaudando unos 380 millones de dólares.

La historia se repitió 25 años después, cuando la película que lanzó al estrellato a Michael J. Fox fue remasterizada en formato digital 2D y reestrenada en algunos países del mundo, menos en la Argentina. La distribuidora no le veía futuro en las salas locales, hasta que apareció el héroe de esta historia: Sir Chandler, como se hace llamar el creador del portal Cinesargentinos.com, que negoció con la distribuidora UIP y consiguió que "Volver al Futuro" se estrene en más de 30 salas de nuestro país.

"La película se estaba dando en Estados Unidos, pero no acá", contó Chandler en diálogo telefónico con Perfil.com. "Yo quería que la estrenaran y ellos no la veían comercialmente. Estrenar una película implica gastar mucho en publicidad. Entonces me dijeron 'Si creés que es viable, estrenala vos'. Al venderme la película, yo corría con los gastos y tenía que negociar con los cines.", completó. Para ello tuvo que inscribirse en el INCAA como distribuidor de películas y en un trabajo contrarreloj, se llevaron las copias a las distintas salas de cine del país.

Chandler apostó a la memoria emotiva del público y a difundir el reestreno en su sitio web y en las redes sociales. Invirtió de su propio bolsillo con pagos por anticipado: "tengo la cuenta corriente al descubierto", bromeó. Tanto es así que si no recuperaba lo invertido iba a tener que vender su auto.

La razón de su esfuerzo se debe únicamente al encanto de la pantalla grande. Como explicó él mismo en su sitio web: "La viste quizás en un cine, en VHS, en un micro a la costa, en Sábados de Super Acción, en DVD, la tenés en la compu, recordás los diálogos de memoria... ¿No la querés ver en un cine?"

Todo indica que Chandler va a conservar su auto. La difusión boca a boca no sólo funcionó, sino que la preventa de entradas llamó la atención de los medios, que atrajeron aún a más público. En la primera semana ya se vendieron unas 10.000 entradas (el doble de lo previsto), algunas salas agotaron las butacas, y hasta se revenden las entradas en sitios de subastas online a más de 100 pesos. Se espera que "Volver al Futuro" pueda permanecer en cartel incluso un tiempo más. "Capaz en menos salas la siguen dando", agregó Chandler.

El flamante distribuidor fundó el sitio CinesArgentinos en 1998 y diez años después comenzó a dedicarse a él como único trabajo fijo. Cree que el caso de "Volver al Futuro" trae una lección: "Si yo hubiera gastado en afiches en la calle, spots de radios, diarios y demás no habría podido cubrir los gastos", comentó a Perfil.com, y concluyó: "se pueden estrenar películas con otra forma de promoción".

"Volver al futuro" ya tiene su nuevo juego para PC

2010-12-23T06:49:00.000-08:00

Basado en la exitosa saga de Robert Zemeckis, sale al mercado el primer episodio del juego para computadora.
"Volver al futuro" regresa al mercado, aunque esta vez en versión videojuego. La empresa creadora Telltale Games anunció que lanzará el primer episodio para PC.

Para la realización del juego se contó con el guionista de la trilogía cinematográfica, Bob Gale, y el actor Christopher Lloyd, que le puso voz al doctor Emmet Brown.

El nombre del primer episodio es It’s About Time(Ya era hora) y su trama se basa en las aventuras de Marty McFly, quien se reunirá con el Doc, que fue víctima de un complot y se encuentra atrapado en el pasado.

Además, habrá más entregas –cinco en total-. El segundo episodio se podrá conseguir en febrero, y así sucesivamente en los meses de marzo, abril y mayo. También, se esperan las versiones para PlayStation 3 y iPad.

Telltale Gamesexplicó que todos aquellos que compren los juegos en su tienda, obtendrán un DVD Edición de Coleccionistas con la totalidad de los capìtulos.

Tron: el legado

2010-12-15T14:31:00.000-08:00

ASI ERA LA PRIMER PELICULA DEL AÑO 1982.......EXCELENTE PELICULA !

TRAILER DE LA PELICULA VERSION 2010

A JUGAR... Y PELEAR LOS PROTAGONISTAS SE ENFRENTAN MONTADOS EN MOTOS Y LANZANDO DISCOS LUMINOSOS EN ESTA SUPERPRODUCCIÓN DE DISNEY.

Tron: el legado

Batalla virtual: La secuela de un filme de culto. En 1982 se estrenaba “Tron”, donde la realidad virtual de un videojuego era terreno frondoso para las nuevas tecnologías. Ahora llega la continuación, también con Jeff Bridges atrapado en un mundo digital, con un clon... y su hijo tratando de salvarlo. Se estrena el jueves.

Tron: Legacy J eff Bridges tenia 32 años cuando protagonizó Tron , en 1982, una película que costó 17 millones de dólares, recaudó 33 e inspiró al actual jefe de animación de Disney, John Lasseter (director de Toy Story ), a crear toda la imaginería generada por computación que suele sacudirnos la cabeza en estos días. El actor interpretaba a un ingeniero de software, Kevin Flynn, quien se introducía como hacker en un programa computado, toda una novedad para la época. La película no fue un éxito de taquilla, pero generó un culto, tuvo su videojuego, su propio programa de televisión y ahora tiene su secuela, Tron: el legado , que en la Argentina se estrena el jueves, un día antes que en los Estados Unidos.

Jeff Bridges dice que dudó cuando lo invitaron a formar parte de esta segunda parte. Recuerda haberse preguntado qué podría agregar él, a su edad, a una aventura en 3D en un mundo digital poblada de efectos especiales. Y asegura que terminó aceptando una vez que se subió a bordo Steven Lisberger, el creador y director de la primera, que aquí es consultor del nobel Joseph Kosinski. Y con eso le hizo un favor a la película y a sus muchos seguidores que lo vieron el año pasado, a los 60, agradecer por primera vez un Oscar gracias a su interpretación de un músico en Loco corazón .

Las jóvenes generaciones seguramente van a disfrutar más de las escenas de acción protagonizadas por el elenco joven, especialmente Garrett Hedlund (Sam Flynn) y la bella Olivia Wilde (Quorra), a quienes se verá peleando como gladiadores arrojando discos luminosos hechos con 134 luces LED, a bordo de las motos luminosas o Lightcycles, usadas para manejar sobre los haces luminosos de esta realidad virtual y que diseñadas por el futurista alemán Daniel Simon en base a los dibujos originales de Syd Mead ahora cubren al conductor convirtiéndolo en uno con el gadget.

La tecnología en 3D de Tron: El legado fue desarrollada después de Avatar y dicen sus creadores que no hay nada que la supere por el momento. Pero los admiradores de Bridges y en especial los fans de la Tron original encontrarán mas que interesante no sólo verlo hablar con un clon más joven, Clue, hecho a su imagen y semejanza por los mismos artistas que rejuvenecieron a Brad Piitt en El curioso caso de Benjamin Button , sino también encontrar que su personaje ha crecido y se ha hecho budista. “Un hippie en Silicon Valley”, lo llama Lisberger.

“Dudé mucho antes de aceptar, más de lo habitual, pero luego entendí que debía agregarle una noción de mito moderno a la película, que no fueran sólo efectos especiales. Me gusta la idea de que explore qué es lo que está pasando con la tecnología ahora, y cómo vamos a surfear esas aguas, si para el bien o para el mal”, dice Bridges en los mismos estudios de Venice Beach donde se trabajó en la digitalización de los personajes. Cuenta que es muy amigo de un maestro zen, Bernie Glassman, y que lo llevó de consultor. “El me ayudó a entender el viaje de Kevin Flynn. Imaginarme a este hombre que ha estado atrapado en este universo virtual por 20 años, metido adentro de una computadora, en medio de lo absoluto, creando programas a su imagen y semejanza, como Clue, que luego se le vuelve en contra. La idea detrás es que podés ser un prisionero de tus preferencias y hasta un esclavo si te descuidás. Y eso le pasa a Kevin hasta que viene su hijo Sam a salvarlo”.

Es entrenido escucharle contar cómo era aquel primer rodaje, en los ‘80. “Filmábamos en blanco y negro y el trabajo lo completaban luego unas mujeres en Korea... Teníamos mallas blancas pegadas al cuerpo... En el set se pegaba cinta adhesiva blanca para armar los haces de luces del grid”. Ahora casi no hay set, aunque el director es arquitecto y creó algunos especialmente en la “casa” blanca de Flynn, y eso lo descoloca más que a los actores más jóvenes, acostumbrados a las pantallas verdes y al CGI. “Ya no hablo de no tener set, hablo de que ahora trabajás en una habitación pintada de verde y que en vez de cámaras hay cientos de sensores que te apuntan. Y estás otra vez con la malla, pero con puntos sobre el cuerpo y tu cara”. “¡¡¡Filman sin cámaras!!!”, se asombra Bridges.

Su clon es generado por la más pura tecnología y requiere de un actor que ofrece el cuerpo de un joven Kevin Flynn y de un Bridges con casco lleno de puntos que dibujan su rostro en una pantalla de computadora. El resultado es asombroso, un rejuvenecimiento sin botox muy parecido al original.

“Pronto van a poder unir a dos actores, por ejemplo a mí y a Bruce Boxleitner (que también estuvo en la original) y agregarle una dosis de Marlon Brando y crear un personaje nuevo. Es muy loco”, acota Bridges. Su presencia fue vital para la secuela, coinciden sus creadores. “Sin él no hubiéramos podido tener la continuidad del personaje, su conflicto, sinceramente no creo que esta película se hubiera hecho sin Jeff. El desnuda su alma, acepta unos primeros planos agresivos, tiene un coraje único, no hay otro actor de su calibre”, reconoce Lisberger

Biografía de una ambigüedad: una audaz novela gráfica sobre Carlos Gardel

2010-12-15T14:25:00.000-08:00

Se discute dónde nació, su sexualidad y su inscripción política. Gardel, como una manera de buscar nuestra identidad.

PorPatricia Kolesnicov

No hay caso, en el Carlos Gardel que dibujaron y escribieron juntos José Muñoz (1942) y Carlos Sampayo (1943), no hay manera de que Carlos Gardel se quiera ir a dormir con una mujer. Ni con un varón: amigos, farra, caballos, eso es lo que le interesa. Y no el amor, salvo el de la vieja.

No hay, tampoco, definiciones políticas: un día Gardel visita al socialista Alfredo Palacios, un día canta para un intendente conservador de Avellaneda llamado Castelló (guiño a Barceló) mientras afuera “sus matones asesinaban a tres anarquistas”.

¿Quiere decir que Gardel estuvo metido en hechos delictivos, oiga? –pregunta uno de los personajes.

Quiero decir que también cantó para asesinos de obreros.

–contesta otro.

¿Acaso este libro – Carlos Gardel. La voz del Río de la Plata– es una biografía dibujada, acaso trae nuevas revelaciones sobre la vida del zorzal? No, dicen sus autores: es ficción. Por un lado, un ojo puesto en la discusión sobre la identidad argentina, con Gardel como ícono de esa identidad. Por otro lado, “nuestra opinión sobre la absoluta belleza de la voz de Gardel”. Y en los costaditos, en las manchas de tinta sobre los adoquines, una nostalgia: Muñoz y Sampayo se fueron al exilio hace mil años y todavía –y siempre, “por ahora”– viven en Europa. “Me fui en 1977, en una Buenos Aires a medio camino entre la de Gardel y la de hoy”, dice Muñoz a Clarín , en un encuentro en Alemania, donde está con su coequiper. “Yo sería un fragmento de una Buenos Aires que ya se acabó pero sigue viviendo en parajes lejanos”.

Muñoz y Sampayo son dos de los grandes de la novela gráfica, dos grandes “made in Argentina”. Juntos, crearon el personaje de Alack Sinner, hicieron una novela gráfica sobre Billie Holiday, y publicaron, entre muchos otros libros, Sudor sudaca , Tango y milonga y Europa en llamas .

Y ahora se meten con Gardel, para Libros del Zorro Rojo, una editorial de Barcelona que tiene su corazoncito argentino.

La novela arranca con una discusión en un programa de televisión que busca al argentino ideal y que se llama “Tiroteo amistoso” . Ahí se trenzan un conservador gardeliano y un intelectual, al que por supuesto la platea acusará de “comunista” y “puto”.

Muñoz y Sampayo hablan juntos, completándose las ideas; no es difícil imaginar como trabajan.

No se trata solamente de la ambigüedad sexual de Gardel –dice Sampayo– sino de su ambigüedad en general. Está lo sexual pero también lo político. Y como cantor de tango.

Gardel, el francesito, viene disfrazado de gauchito desde el fondo de la pampa, luego se va al espacio internacional, quiere ser Maurice Chevallier, va trasladando su identidad. Es argentino eso –dice Muñoz–, las identidades son como disfraces, uno se las saca, se las pone...

Identidades, formas de ser, formas de mirarse –”soy un mirador”, dirá Muñoz en un rato– recorren el libro. Lo recorren sin piedad: “Hay que estar bien con la gente” , dice Gardel, para justificar su actuación frente al caudillo.

“Ese tema me interesa, el del acomodaticio nacional” , comenta el intelectual de la discusión.

“No estoy acusando a Gardel” –explica el intelectual, como si llevara la voz de los autores– “sino señalando la santificación que se hace de él, como es costumbre en este país de santas y santos” .

La preocupación por santidades y fanatismos cruza esta novela. Hacia el final, y a medida que los ánimos se caldean, alguien en el set advierte que Gardel “murió hace muchos años” pero la pelea se desata y entre los gritos se oye, claro, “¡Gardel!” , pero también “¡Perón!” , “¡Fidel!” “¡Evita santa!” , “¡Borges tanguero llorón!” y hasta “¡Carlitos Menem carajo!” “No hemos pretendido desmontar un mito ni darle forma a uno nuevo a través de datos que, en realidad, son producto de nuestra fantasía”, dicen los autores en el prólogo. No es un nuevo mito. Se trata –dice Muñoz en Alemania– “de volver a soñar un sueño soñado por otros”.

Así, en el libro –completa Sampayo– “Gardel es protagonista sólo como un actor puede ser protagonista de una película sobre Gardel. Trabaja de Carlos Gardel”.

De a ratos lo es– dice/discute José Muñoz.

Sólo cuando el punto de vista es el de quien quiere ser Gardel.

¿De dónde salieron los comentarios que aparecen sobre Gardel, las anécdotas, los puntos de vista? Son diálogos –dice Muñoz– que escuchamos entre distintos fanáticos. Hablaban del Gardel conservador, del que tenía una gran vida sexual secreta, de la falta completa de vida sexual... Con ese material delírico , con la gente que estuvo cerca de Gardel, con los libros, con todo esto hicimos este libro.

Lo que se representa –dice Sampayo– está transmitido por un medio. Eso después es material de archivo, que usamos como soporte anecdótico. Sabemos de las visitas de Gardel a Barceló y a Alfredo Palacios, pero no sabemos de qué hablaron.

Con respeto –dice Muñoz– con respiración, con ganas de contar algo: acá lo que hay es un vuelo, un tango dibujado .

Con respeto, con humor también: Gardel vuelve a Buenos Aires, baja del barco: “ A mi casa, a ver a mi querida viejita” , dice. “ Che, hablá normal, que no estás en una película” , se burla su interlocutor.

Muñoz y Sampayo trabajan certezas y rumores y los ponen en duda: ¿Gardel cantó “Rubias de New York” con Duke Ellington o sólo se lo cruzó en un ascensor? ¿Lo quería su novia? ¿El creía en su amor o pensaba que iba detrás delvil metal? “La gente quiere saber la verdad”, dice Muñoz. “Después la encontrás y arreglátelas (él dice ‘arreglatelás’ )”. Así que Muñoz, el dibujante, quiere otra cosa: “Quiero mentir. Pero quiero que, en el papel, cada nariz respire, cada ojo mire, cada sonrisa sonría”.

No es la verdad biográfica, ya lo dijeron. Es una mirada sobre Gardel mirado por otros para ver qué vemos de nosotros mismos. Algo así parece proponer esta novela gráfica que desembarcó hace días en la librerías argentinas.

Pero aunque quieran usarlo de espejo y aunque en el libro mismo abran una colección de paraguas, Muñoz y Sampayo saben que se están metiendo con uno de los personajes más queridos del país y por eso dicen, en la “advertencia preliminar” que este trabajo no es una interpretación sino “un acto artístico”. Y en la lista de personajes imaginarios que aparecen incluyen a Carlos Gardel.

Los Piratas del Caribe acechan de nuevo

2010-12-15T14:23:00.000-08:00

CineImágenes DE REGRESO A LAS AGUAS Sparrow sale en busca de la Fuente de la Juventud.

Se dieron a conocer las primeras imágenes del filme, protagonizado por Johnny Depp y Penélope Cruz, que se estrenará en mayo. El lunes, el trailer.

Piratas del Caribe Penélope Cruz Johnny Depp Faltan más de cinco meses para el “desembarco” de la cuarta parte de Piratas del Caribe -que llevará como subtítulo Navegando aguas misteriosas y se estrenará en la Argentina el 19 de mayo, un día antes que en los Estados Unidos-, pero ya las primeras olas están arribando a las costas de todo el mundo.

Ayer fue el turno de la difusión de las primeras imágenes del filme, que tiene como director a Rob Marshall (Chicago), en lugar de Gore Verbinski, que hizo las tres primeras partes, y el lunes llegará a todo el mundo el trailer del filme online, que luego será incluido antes de las funciones de Tron: el legado, que se estrena el jueves 16 aquí.

Ya sin Orlando Bloom ni Keira Knightley (que declinaron participar en este episodio), Piratas del Caribe IV tiene como protagonistas a la gran estrella de la saga, Johnny Depp, que regresa a su ya mítico rol del Capitán Jack Sparrow. El elenco del filme lo completan Geoffrey Rush (que vuelve a encarnar al Capitán Barbossa), Penélope Cruz, Ian Mc Shane, Kevin McNally, Gemma Ward, Judi Dench y el retornado Keith Richards, que vuelve a encarnar al padre de Depp/Sparrow.

En esta cuarta entrega de la exitosa saga de Disney, Sparrow se cruza con una mujer de su pasado (Cruz) y no está seguro si ha vuelto el amor o si ella lo está usando con el fin de encontrar la mítica Fuente de la Juventud. Ella lo fuerza a subirse al barco de su padre, el temible Barbanegra (McShane) y, una vez allí, Jack no sabrá quienes están de su lado y quienes son sus enemigos, mientras viajan con rumbo incierto y desconocido.

Navegando aguas misteriosas es el primer filme de la saga que fue rodado enteramente en 3D y se estrenará en ambas versiones en todo el mundo.

TELEVISION: LA CAMADA QUE LLEGO LUEGO DE "LAS CHICAS SUPERPODEROSAS"

2010-12-15T14:21:00.000-08:00

de diario Clarin

Nuevas heroínas animadas... a todo

Las hay brujas, guerreras, buenas y ladronas. Mansas y atrevidas. La flamante generación femenina de criaturas animadas ofrece opciones para todos los gustos. Aquí, una guía sobre quién es quién en el cable.

Pasaron el power flower, la revolución social y el feminismo. Tras la caída del muro de Berlín, el grunge a lo Kurt Cobain resultó un tanto radical. El futuro de la humanidad pasó a manos de la ingeniería genética, mientras que las ciencias duras se abocaron a revisar el pasado desde la llamada "teoría de la incertidumbre". Por entonces, Ciudad Gótica pasó a ser Saltadilla, el rocanroll cedió su trono a la levedad del pop y los superhéroes musculosos fueron humillados por tres simpáticos errores de laboratorio. Corrección: "simpáticas", porque eran niñas y a todo color.

A fin del siglo pasado, la popularidad inusitada de Las chicas superpoderosas estimuló la cadena productiva que, desde entonces, viene cargando la pantalla con nuevas heroínas de voz aflautada. En poco tiempo, Burbuja, Bellota y Bombón se convirtieron en precursoras de una nueva generación de criaturas excepcionales.

Cartoon Network estrena Vida y obra de Juniper Lee. Juniper tiene 11 años y, en apariencia, lleva una vida normal. Asiste a la escuela, obtiene buenas calificaciones, toma clases de guitarra y soporta, a duras penas, los desenfrenos de su hermanito menor. Sin embargo, tal como reza el manual de los héroes post-Star War, Juniper también posee un "lado oscuro". Se trata de un legado familiar milenario que le impone quehaceres un tanto estrambóticos. Es que la familia Lee es Te Xuan Ze (lo que quiere decir, "Protector") y tiene a su cargo la misión de equilibrar el mundo real con los elementos mágicos. Con esta herencia en la mochila, amparada en la sabiduría de la abuela Nana y en la inteligencia de Monroe (su mascota), pero sobre todo en su propia fuerza, ella cumple con el honorable designio.

Claro que la extraordinaria debutante no está sola en el cuadro de honor de las superheroínas occidentales. La precedieron, entre otras, Betty Atómica, Kim Possible y Ginger, tres variantes singulares de la especie.

De pelo rojo y ojazos verdes, Betty es la versión siglo XXI de Judy Jetson. Habita en los suburbios, el glamour la tiene sin cuidado y responde a las órdenes de un almirante con cara de salmón. Alterna la "vida real" con aventuras en el espacio donde, a menudo, enfrenta la maldad de unos tontos freaks intergalácticos. Por su parte, Kim experimenta un placer especial por el peligro. Luciendo pantalones carpintero, remera negra y borceguíes, se excita cuando hace fracasar los planes de Drake (un villano parecido a Frankenstein, con uniforme prusiano). Ginger, en cambio, no tiene ningún poder sobrenatural. Su caso es el del "héroe anónimo" que se abre paso en la jungla escolar.

A un costado las diferencias, acaso sean significativas las contingencias comunes en estas historias. Con diverso grado de perplejidad y celebración, en la mayoría se explora el deterioro del planeta, el uso de ADN en experimentos de clonación, el consumo de comida basura, las nuevas herramientas tecnológicas, la ausencia de modelos paternales y la soledad, incluso moral, en la que hacen pie estas niñas.

Que las hay, las hay

Proveniente de galaxias que no figuran en mapa alguno, este último año se apoderó de la pantalla una dotación alborotada de brujas infanto-juveniles. Jetix, Nickelodeon y Cartoon Network tienen su propia avanzada que replicó en innumerables mercancías para adolescentes, mientras que sus aventuras se deliberan en renovados foros cibernéticos.

Aunque mantienen una estricta apariencia humana, es evidente que las protagonistas de W.I.T.C.H., de Trollz y de El club Winx mezclan características del animé y del dibujo tradicional. En este sentido, las figuras combinan ojos enormes con indumentaria occidental (jeans, minifaldas, zapatillas) o el cabello de colores y cortes estrafalarios. Por supuesto, tratándose de hechiceras, sus atributos son extraordinarios y van desde la teletransportación a la realización de conjuros, el dominio del mundo real y la sabiduría cósmica. Como ejemplo, basta repasar a las cinco brujitas de W.I.T.C.H. Will lidera el quinteto y la Naturaleza le provee la energía necesaria para templar un carácter indómito que conserva la magia de los cuatro elementos: aire, tierra, agua y fuego. Irma es capaz de manipular las fuerzas oceánicas y de generar olas a su gusto. Taranee domina el fuego, en tanto Cornelia controla la energía terrestre (puede mover objetos y abrir agujeros en el hormigón). Por último, Hay Lin es la única que puede volar, lo que le otorga la potestad sobre el aire y las corrientes.

Con un fuerte contenido fantástico, estas series no pasan por alto que algo en el mundo de los adultos requiere reparación permanente y un enorme valor para cumplir la hazaña.

Mayores de edad

Algunas exponentes de la nueva generación de heroínas tuvieron su origen en la PC. Es el caso de Carmen San Diego, sofisticada ladrona internacional contemporánea del diskette flexible (antepasado más remoto del CD). Sus creadores realizaron una adecuada "traducción" de las alternativas del juego a la lógica de la TV.

Enfundada en una gabardina colorada, con un sombrero de ala ancha del mismo color que le tapa la cara, Carmen vuela de un lado a otro del planeta, en busca de tesoros nacionales bien guardados. La bella mujer se mueve como un pez en el agua a través de ruinas arqueológicas, museos y galerías de arte. Le siguen los pasos dos detectives que hacen las veces del "jugador" a quien solicitan información extra cada vez que el enigma lo requiere. En ese caso, tal como en el videogame, se abren pantallas con opciones que ponen a prueba la sagacidad de los perseguidores.

Atribuladas, tenaces y provistas de una belleza cautivante, las heroínas de Vandread son sólo aptas para espíritus sensibles. La historia transcurre en un futuro en el que varones y mujeres separaron sus mundos físicos, entablando una guerra intergaláctica entre ambos, de la que participan alienígeneas y máquinas inteligentes.

Combinando técnicas de animación en 2D y 3D, Vandread explora con crudeza el ardor del deseo y la vulnerabilidad emocional de la mujer. De alto contenido poético (en términos argumentales y visuales), Vandread pone en clave de oscura ficción futurista el tópico de la búsqueda de la felicidad.

Pequeñas, medianas o grandes (en edad, recursos y regalías), con ojos rasgados o denodadamente abiertos, las nuevas heroínas de la televisión no sólo acapararon la pantalla. Sobre todo, le imprimieron colores brillantes, tonos de voz afinados, maneras de vestir actuales, melodías predominantemente pop y, como si esto fuera poco, opiniones acerca de cuanto asunto sea capaz de conmover a un sub-18 modelo global.

En 2011 el cine infantil será sinónimo de 3D7 de diciembre del 2010

2010-12-08T06:00:00.000-08:00

LOS ANGELES (dpa) – Este año no pasó inadvertido en materia de cine infantil, especialmente después de que “Toy Story 3″ comenzara a sonar como candidata a un Oscar como Mejor Película. Y es que la cinta animada más taquillera de la historia volvió a ser la prueba fehaciente de que las películas para niños están siendo enfocadas cada vez más para los adultos, que son los que en realidad deciden en taquilla.

Los más grandes se dejaron cautivar por una historia conmovedora, el 3D y los efectos especiales, mientras que a los pequeños los atrapó la magia de los juguetes. Esta fórmula mágica de Disney y Pixar de ampliar la audiencia, que los llevó a recaudar más de mil millones de dólares a nivel internacional, probablemente prevalecerá en 2011.

La agenda del próximo año en lo que a cine para niños se refiere viene cargada de personajes infantiles importantes, secuelas y nuevas versiones, pero, quizá lo más destacado es que el género será, sin lugar a dudas, sinónimo de 3D. Y esto significa entre un 30 o 40 por ciento más de ganancias que las cintas normales para los estudios.

Los expertos auguran que la cinta de Disney “Cars 2″ y su personaje el auto Rayo McQueen, que en 2006 recaudó más de 461 millones en taquilla en todo el mundo, podría volver a ser un éxito taquillero en 2011 en el verano (boreal). La casa del Ratón Mickey además tiene previsto otros dos proyectos en tres dimensiones de menos impacto como “Mars Needs Moms”, que se estrena en marzo, y el famoso osito travieso “Winnie the Pooh”, que llegará a la gran pantalla a mediados de julio, un mes después de “Cars”.

Sin embargo, el estudio con sede en Burbank, California, se reservará una preciada carta para fin de año. Se trata de una nueva versión del show de títeres creado por Jim Henson “The Muppets”, que será dirigida por James Bobi. Es una historia en donde los humanos y los muppets coexisten, pero estos últimos son considerados de peor clase. Habrá que ver si esta última aventura del estudio tiene mejor acogida en taquilla que la versión de 1982 llamada “The Dark Crystal”.

La gran rival de “Cars” podría ser “Kung Fu Panda 2″, de DreamWorks. Esta secuela, que se estrenará el 27 de mayo, podría ser más exitosa incluso que la primera, ya que sale con el empujón taquillero de estar rodada en tres dimensiones.

Sin embargo, el famoso oso panda tendrá que plantarle cara a Disney, que programó la apertura de “Pirates of the Caribbean: on Stranger Tides”, protagonizada por Johnny Depp, un fin de semana antes de su estreno.

El estudio creador de cintas como “Shrek”, “Monsters vs Aliens”, “How to Train Your Dragon” y “Megamind”, entre otros, entrará en la contienda del verano con “Transformers: the Dark of the Moon”, la tercera entrega de la saga de ciencia ficción sobre la lucha entre humanos y robots extraterrestres, dirigida por Michael Bay y producida por Steven Spielberg.

Para finales del año, DreamWorks tiene reservada la historia de uno de los personajes más queridos de “Shrek”, el Gato con Botas, al que pondrá la voz una vez más Antonio Banderas. El madrileño estará acompañado por Salma Hayek, que interpretará a una gatita callejera muy lista y Zach Galifianakis, que hará la voz de Humpty Dumpty.

Otros títulos podrían pasar sin pena ni gloria o convertirse en una agradable sorpresa como “Gnomeo y Juliet”, “Rango”, “Mr. Popper’s Penguins”, “Arthur Christmas”, o “Alvin and the Chipmunks: Chip-Wrecked”, pero lo cierto es que pesos pesados de todos los años como los “Transformers” y los “Harry Potter” volverán recargados en 2011.

Además de “Harry Potter” y “Dolphin Tale” la Warner Brothers presentará la secuela de su aclamada cinta de 2006 “Happy Feet” a mediados de noviembre. Y por cuarta vez la saga “Spy Kids”, de Robert Rodríguez, volverá a la gran pantalla. Esta vez será protagonizada por Jessica Alba y Joel McHale.

Por su parte, Columbia Pictures y Sony se apoderaron en 2008 de los derechos de los famosos dibujos animados azules, los pitufos, que serán llevados por primera vez al cine bajo el título de “The Smurfs”. Habrá que ver si hacen un mejor trabajo que los realizadores de las tiras cómicas de “El oso Yogi”, que ha recibido malas críticas en los primeros pases de prensa.

Queda por mencionar una nueva versión en tres dimensiones de “Los tres mosqueteros”, a cargo del director Paul W. S. Anderson, protagonizada por Logan Lerman, Ray Stevenson y Luke Evans.

Es posible que el año cierre con broche de oro, a manos de los legendarios directores Steven Spielberg y Peter Jackson. Los dos se aventurarán por primera vez en las tres dimensiones con una versión para la pantalla grande de las famosas tiras cómicas francesas “Las aventuras de Tintín”.

El director de “Jurassic Park”, que cuenta con un presupuesto de 135 millones de dólares para este proyecto, había adquirido inicialmente los derechos de las historietas en 1983. “The Adventures of Tintin: The Secret of The Unicorn” será la primera de una trilogía realizada por este talentoso dúo.

Por DPA

PELICULA DE TINTIN

2010-11-30T09:33:00.000-08:00

Steven Spielberg y Peter Jackson han adelantado el comienzo del rodaje de la película Tintín, cuyo estreno está previsto para 2010. El film será protagonizado por el joven actor inglés Thomas Sangster ('Love Actually' y 'La última legión').

El proyecto de llevar a la gran pantalla las aventuras de ‘Tintin’ cobra un nuevo impulso. Steven Spielberg y Peter Jackson (‘El Señor de los Anillos’ o ‘King Kong’) estarán al frente del proyecto, lo que a priori es garantía de todo un espectáculo. La película será en 3D y contará con los más avanzados elementos del cine digital.

El rodaje de ‘Tintin’ tenía previsto su inicio a principios del próximo año. Aunque algunos problemas con la financiación, hicieron que dicho arranque de rodaje se pospusiera sin una fecha muy clara. Parece ser que todos esos problemas ya se encuentran solventados y que todo podría dar comienzo a lo largo del primer trimestre de 2009.

‘Tintin’ dará un paso más en filmes del tipo a ‘Beawulf’, en la que la captura de movimientos era la base principal de la calidad gráfica de la película. En la que se reconocía claramente a grandes estrellas de Hollywood como Angelina Jolie y Anthony Hopkins. Por el momento no hay información acerca de los protagonistas de la película.

‘Tintin’ estará formada por dos películas. La primera de ellas verá la luz en los cines de todo el mundo para finales de 2010.

TRAILER OFICIAL DE LINTERNA VERDE.

2010-11-30T08:50:00.001-08:00

Un misterioso descubrimiento permite sacar a la luz 270 obras inéditas de Picasso

2010-11-30T08:46:00.000-08:00

Se trata de obras pintadas en el primer tercio del siglo pasado y cuyo valor está en torno a los 60 millones de euros

ANTONIO JIMÉNEZ-BARCA - París - 29/11/2010

El 14 de enero pasado, Claude Picasso, el hijo del pintor y el administrador de su herencia, recibió una carta que le llamó mucho la atención. Un tal Pierre Guennec le pedía un certificado de autenticidad de 26 obras inéditas de Picasso y acompañaba para ello unas fotografías de no muy buena calidad. El 30 de abril, el hijo del pintor recibió otra tanda de fotografías y otro texto asegurando que se trataba de obras de Picasso. Según publica hoy en exclusiva el diario Libération, Claude Picasso, intrigado por la revelación, se puso en contacto con Guennec, que acudió a París en septiembre acompañado de su esposa y de una maleta. En ella, para estupefacción del hijo del artista y de varios expertos, fueron surgiendo hasta 271 obras desconocidas del autor, de un valor de 60 millones de euros, según el diario francés.

Guennec aseguró que tal enormidad de dibujos, collages, retratos, pinturas y bocetos respondían a un regalo del pintor y de su esposa. Añadió que durante los tres últimos años de la vida de Picasso (fallecido en 1973) había trabajado para él como electricista, que incluso le había instalado alarmas en sus viviendas.

Como respuesta, y tras reunirse los seis herederos del pintor, denunciaron al electricista por robo. A juicio de los familiares de Picasso, es imposible que el artista regalara una tal montaña de obras suyas, muchas sin datar, sin dedicar o, incluso, sin terminar. "Es cierto que Pablo Picasso era bastante generoso. Pero fechaba, firmaba y dedicaba siempre sus donaciones, porque sabía que algunos las venderían para afrontar sus necesidades", ha asegurado Claude Picasso a Libération.

Por lo pronto, la policía ha puesto a buen recaudo todo este tesoro. Se encuentra incautado en las dependencias de la Oficina Central de Lucha contra el Tráfico de Bienes Culturales, en Nanterre. Y el electricista y su mujer se aprestan a una batalla judicial contra los herederos de Picasso. A la pregunta de por qué haber esperado tanto tiempo a sacar a la luz estas obras, la publicación francesa, tras hablar con el abogado de los herederos de Picasso, aventura una hipótesis: para eludir la cárcel gracias a la prescripción del delito.

"Antes que nada, hay que recuperar estas obras para la historia del arte", asegura en la publicación citada el abogado de la familia Picasso.

Megamente: La construcción

2010-11-22T08:25:00.000-08:00

Las claves de la animación. Aquí, los secretos del diseño de “Megamente”, la superproducción de DreamWorks en 3D que llegará a los cines argentinos el 2 de diciembre.

22.11.2010
Por Mekado Murphy NOTAS RELACIONADAS

Megamente DreamWorks 3D

A la hora de ver una película de superhéroes, el público viene cargado de ciertas expectativas: una historia emotiva sobre su origen, un villano amenazante y el triunfo dinámico del bien sobre el mal. Los realizadores de la comedia animada en 3D Megamente , que durante años se deleitaron con ese tipo de filmes, respetan los principios del género en su creación pero también logran darle un giro original: su película no se basa en una historieta anterior y coloca al archienemigo del superhéroe en primer plano.

Will Ferrell es la voz de Megamente, un extraño personaje que, de bebé, es enviado a la Tierra en una cápsula momentos antes de la destrucción de su planeta. Su rival, Metro Man (Brad Pitt), es despachado al mismo tiempo, pero mientras su cápsula aterriza en un hogar privilegiado la de Megamente cae en una cárcel. Por su inteligencia, su poco don de gentes, su condición de desterrado y su capacidad para ser buenísimo para la maldad, adopta el rol de supervillano e inicia una encarnizada batalla contra Metro Man para apoderarse de Metro City. Cuando la derrota de Metro Man parece inminente, Megamente se enfrenta a una crisis existencial: ¿Su vida tendrá sentido si no tiene un superhéroe con quien luchar? Tom McGrath, director de la película, dijo que se inspiró en las infructuosas batallas de Tesla por la comercialización de la electricidad. “Siempre me interesó la historia de Tesla contra Edison y cómo Thomas Edison, en cierto modo, calumnió a Tesla. Este tenía mucho talento, pero era un tipo raro y oscuro. Hay pequeños rasgos de Tesla en el personaje de Megamente”, explicó.

En cuanto al desarrollo visual del film, DreamWorks quería darle una estética que incorporara lo conocido pero también rasgos que lo diferenciaran. Por eso entran en juego elementos de Superman , Batman e incluso algo de Metrópolis . Pero la presencia de la cultura pop en el trabajo de dirección de arte de la película le da ligereza hasta en sus momentos más oscuros.“En general, es una película de superhéroes”, dijo David James, director de arte. “Debe verse como algo que el público conoce, justamente porque vamos a mostrarle algo que no conoce.” A continuación, los detalles sobre el desarrollo de la animación de Megamente , según las explicaciones de McGrath y James.

Así se creó el personaje principal

Para crear a Megamente, los diseñadores tuvieron que construir un personaje que fuera a la vez un marginado y alguien con quien el público pudiera identificarse y simpatizar. "Para mí, lo lógico era que el tipo supusiera que todos lo juzgan por su aspecto", explicó McGrath. El modelo del personaje de Megamente fue moldeado para que reflejara ese equilibrio. Los animadores le dibujaron un labio superior que cubre el inferior para darle cierto encanto. Una serie de expresiones muestran cómo reaccionaría Megamente ante una variedad de situaciones, ayudando a humanizar al personaje. ¿Y su gigantesca cabeza? Aunque su exagerado tamaño le da al personaje un aire más jovial, "sabíamos de movida que Megamente, incluso en el nombre, iba a tener un balero importante", dijo James. "En las historietas, la mayoría de los villanos tienen cabezas grandes con respecto al cuerpo." Citó como ejemplos a Lex Luthor y el Guasón. "En este caso, de una manera muy literal y visual, Megamente triunfa por su inteligencia y no por su poder de fuego o su fuerza física", agregó.

ALL RIGHT RESERVED DREAMWORKS

Las luces de una ciudad especial

Al crear el escenario urbano de Metro City, el campo de batalla de las complicadas intrigas de Megamente para destruir a Metro Man, el departamento de arte se inspiró en la arquitectura de principios del siglo XX. El diseño pertenece a una serie inspirada en la obra del ilustrador de arquitectura Hugo Ferriss, cuyos dibujos con frecuencia presentan enormes estructuras poco iluminadas contra dramáticos cielos nocturnos.

"Metro City sufrió muchas transformaciones", señaló David James, el director de arte de la película. "En un momento, fue una especie de metrópolis del futuro, una urbe grande y reluciente. En otro, fue un conglomerado de las grandes ciudades del mundo. En esos casos, la conclusión a la que llegamos fue que la ciudad no podía dejar en segundo plano a los personajes", añadió. Fue entonces que diseñaron una versión de la ciudad más sutil pero igualmente dinámica. "Una de las cosas interesantes de esa imagen es que permite ver que las ciudades hacen cosas realmente notables bajo diferentes condiciones de luz", puntualizó James.

Los colores de los superhéroes

Al pensar en la apariencia de Metro Man, la obsesión de Megamente, los diseñadores apuntaron a algo brillante y chillón, y crearon un personaje cuyo atuendo compitiera con el de su enemigo en teatralidad. Buscaron llevar el diseño a un heroísmo exagerado.

"Quería superhéroes elevados a la categoría de estrellas de rock", explicó McGrath, el director de la película.

"Lo que propuse fue Alice Cooper frente a Elvis Presley, las púas y el cuero frente al strass y los flecos." La ropa oscura de Megamente traza un fuerte contraste con la de Metro Man, que es blanca y casi angelical.

En el filme hay otro personaje, Hal (Jonah Hill), operador de cámara de un noticiero, que se convierte en un superhéroe llamado Titán. Una vez definido el diseño de Metro Man, el de Titán pudo ser desarrollado sin dificultad.

"Le injertamos la cabeza del personaje de Hal al cuerpo de Metro Man para crear ese personaje", dijo David James, el director de arte de la película. "Fue una cuestión de cortar y pegar -continuó con su explicación-. Hal sigue siendo el mismo nerd perdedor, pero con poderes que le permiten llevar una vida exenta de responsabilidades." El contraste de color en la vestimenta de Titán anticipa en qué se puede convertir ese personaje: el blanco se mezcla con el rojo fuego para aludir a un costado potencialmente oscuro del heroísmo de Titán.

Una guarida repleta de cachivaches

El talento de Megamente para la espectacularidad juega tanto detrás de escena como en las batallas públicas. En un dibujo, Megamente, con su ayudante Minion, enciende uno de sus descabellados inventos. "El concepto de diseño de Megamente es que es un showman", explicó James. "Su guarida es como meterse entre bambalinas en una gran compañía teatral. Tiene allí un montón de materias primas. La mayor parte de las cosas que usa o fabrica nacen de su imaginación. Pero no tiene riqueza y recursos ilimitados como los supervillanos de otros tiempos. Se las ingenia con los cachivaches que va encontrando." Los diseñadores ubicaron la guarida de Megamente en una central hidroeléctrica abandonada. Sus inventos están hechos de grandes cilindros, restos de motos y motores de auto.

El lugar es más un desarmadero o un gigantesco garage que una compleja línea de montaje. Los inventos poseen diversos grados de complejidad porque "en todo lo que hace Megamente hay excesiva elaboración y pensamiento", dijo James. "Todos sus dispositivos son recargados y con una exageración propia del caricaturista Rude Goldberg."

La tecnología de Star Wars, made in Argentina

2010-11-21T16:46:00.000-08:00

La saga creada por George Lucas tiene una legión de fanáticos en el país; algunos llevan su pasión por La guerra de las galaxias hasta la creación de sables láser y robots de la película

Miércoles 17 de noviembre de 2010

Por Juan Quaglia

Especial para lanacion.com

@juanquaglia

Star Wars comenzó como película de ciencia ficción, pero desde su estreno en 1977 ha despertado un fanatismo nunca antes visto. Tal es así que ya no se puede hablar de Star Wars sólo en relación con la industria del cine, sino de todo un "universo Star Wars" , que incluye dibujos animados, juguetes, videojuegos, historietas, libros y un sinfín de productos .

La creación de Bergese en acción

Fernando de Dios muestra sus creaciones

Un rasgo muy particular y propio de esta saga es el hecho de que aunque existe una gran variedad de productos en el mercado, los fanáticos no sólo se dedican a coleccionar el merchandising oficial, sino a producir sus propios "juguetes", a veces de un nivel de complejidad sorprendente.

Fernando de Dios, un seguidor de la saga, es uno de los diez miembros argentinos de Rebel Legion , una organización mundial que reúne a quienes se disfrazan de los personajes buenos de la saga, con vestimentas realizadas por ellos mismos. A la par de la Rebel Legion, existe otra comunidad internacional de fans de Star Wars l lamada 501 st Legion, y que congrega a los fanáticos que han decidido volcarse al "lado oscuro de la Fuerza" caracterizando a los villanos. Fernando no sólo diseñó su traje, sino que fabrica sus propios sables láser, con un sistema electrónico que produce luz y sonido realistas, muy similares a los de las películas.

Los sables de Fernando tienen la particularidad de ser diseños originales desarrollados por él mismo y que no existen como juguetes. Ha confeccionado tres sables de luz, y su complejidad es tal que le brindan la posibilidad de reproducir un sonido diferente según se enciendan, se apaguen, colisionen con otro sable de luz o contra un objeto cualquiera.

Marcelo Omar Bergese, un ingeniero marplatense, fue un poco más lejos y construyó un R2D2, también conocido como "Arturito", el simpático robot que junto a C3PO está presente en todas las películas de Star Wars. El R2D2 de Bergese tiene la particularidad de ser de escala real (1:1) y funciona a control remoto.

Marcelo Bergese junto a dos de sus creacionesFoto: Juan Quaglia

"Cuando se estrenó Star Wars quedé fascinado con Arturito", explica Bergese, "así que mis padres me regalaron uno a control remoto, pero siempre había tenido la asignatura pendiente de construir uno propio".

La complejidad del androide no puede menos que sorprender: a diferencia de las películas (donde era controlado por el actor Kenny Baker desde su interior) el R2D2 de Bergese funciona con tres motores industriales, dos de los cuales están destinados al desplazamiento y otro a la rotación de la cabeza. Además incluye circuitos electrónicos, un reproductor de mp3 y un control remoto de 4 canales de 1.500 metros de alcance. Sus movimientos y sonidos le permiten interactuar con las personas.

El alcalde de Nueva York y Spiderman, contra el desempleo

2010-11-20T19:21:00.000-08:00

Michael Bloomberg presentó al superhéroe como su aliado para animar a los neoyorquinos a que no desesperen en su empeño de encontrar trabajo.

Spiderman y el alcalde unieron sus fuerzas en una entrega especial del conocido cómic, protagonizada por ambos y titulada ’Spider-Man, You’re Hired!’ ("¡Spider-Man, estás contratado!"), en la que un desempleado Peter Parker (verdadera identidad de Spider-Man) trata de encontrar trabajo.

Según el diario El Mundo, este peculiar cómic, en cuya portada aparecen Bloomberg junto al superhéroe, fue publicado por el periódico Daily News(cuyo nombre es el más parecido entre los diarios locales al ficticio Daily Bugle en el que ocasionalmente trabajó Peter Parker), que distribuyó ayer 600.000 copias de la historieta.

Esta curiosa entrega, que también se puede descargar gratuitamente en la web de Marvel, es fruto de una colaboración entre la editorial y la Alcaldía de Nueva York para dar a conocer los servicios con que cuenta la Gran Manzana para ayudar a sus habitantes a encontrar empleo.

Télam

BOCETOS OCULTOS EN OBRA DE LEONARDO DA VINCI

2010-11-19T07:45:00.000-08:00

Ven la luz los bocetos ocultos en "La adoración de los magos", de Da Vinci

Roma, 17 nov (EFE).- Los bocetos que dibujó Leonardo Da Vinci en la tabla de "La adoración de los magos", pintada entre 1481 y 1482, han podido verse por primera vez hoy en Florencia fuera del ámbito académico gracias a una investigación conducida por el científico Maurizio Seracini, que ha descubierto trazos bajo la pintura.

El rostro de estupor de un figurante que, según los investigadores, puede ser un autorretrato del propio Leonardo y que se ve en la profundidad del cuadro, custodiado en la Galeria de los Uffizi de la ciudad toscana, es uno de bocetos escondidos detrás de los colores del lienzo.

En el marco de un encuentro de científicos titulado "A la búsqueda de Leonardo", presidido por Seracini, el público ha podido ver por primera vez estos trazos, proyectados en Palazzo Vecchio, actual Ayuntamiento de Florencia, donde se celebra estos días la semana de la cultura, Florens 2010.

Con los hallazgos de este profesor de la Universidad de San Diego (EEUU también se han traspasado las capas de pintura de los pies de la Virgen María representada en la parte central del cuadro, uno de los primeros grandes encargos que recibió Leonardo y para el que realizó numerosos dibujos preparatorios.

El encuentro sobre el maestro italiano ha versado además sobre el enigmático fresco "La batalla de Anghiari", que Leonardo Da Vinci pintó en una de las paredes del Salón de los Quinientos de Palazzo Vecchio y que se perdió durante la restauración a la que fue sometido el edificio en el siglo XVI.

Seracini sostiene que el fresco no fue destruido, sino que permanece escondido tras una pared paralela que se construyó para conservarlo.

A falta de culminar los trabajos de investigación que lo demuestren, el experto asegura que "durante quinientos años esta obra maestra ha permanecido oculta, porque (el arquitecto Giorgio) Vasari la cubrió con un muro", y que no ha encontrado "ni un solo elemento que demuestre lo contrario".

"Es la mayor obra de arte que Leonardo nos ha dejado y está aquí debajo", dijo el científico.

El experto en arte aseguró que su investigación, que durante 35 años ha sido impulsada y financiada "con presupuesto no italiano", apuntó, se encuentra "en la última fase", pero que para terminarla le faltan dos millones y medio de euros.

"Espero que Florencia e Italia entiendan que valorar nuestros bienes culturales permite dar un futuro a nuestro pasado", concluyó Seracini, preguntándose "qué país del mundo no querría buscar aunque fuera un pequeño fragmento de Leonardo". EFE

IMAGENES DE LA PELICULA DE TINTIN

2010-11-19T06:20:00.000-08:00

Aunque falta más de un año para que la película de Tintín que preparan Steven Spielberg y Peter Jackson vea la luz, ya se pueden ver las primeras imágenes de la cinta.

La revista 'Empire' ha sido la elegida para la publicación de las instantáneas de 'The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn' -'Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio'-, del que todavía no hay trailer -la dosis de campaña de marketing parece ir con cuentagotas-.

En una de las imágenes se puede ver al gruñón Capitán Haddock, al que da vida Andy Serkis mientras que en la otra aparecen el marinero y el protagonista de las aventuras, interpretado por Jamie Bell.

La película utiliza la tecnología 'motion capture' en 3D mediante la cual se graban las escenas con actores reales pero en el proceso de posproducción sus movimientos se transforman en personajes animados.

"No es realmente la sensación de lo que dibujaba Hergé. Va a ser algo diferente. Con la tecnología CGI podemos llevar vida al mundo de Hergé, mantener los estilizados y caricaturizados rostros, es decir, mantener todo con la aparicienca del arte de Hergé, pero haciéndolo foto-real", afirma Peter Jackson en la revista.

Por su parte, Spielberg habla sobre el argumento. "La primera parte de la película, que es la más misteriosa, ciertamente debe mucho no sólo al cine negro sino a todo el teatro alemán 'brechtiano'. Pero al mismo tiempo la película es de aventuras".

Paco Roca: 'Siempre soñé con dibujar en la editorial Bruguera'

2010-11-19T06:14:00.000-08:00

CÓMIC

Presenta 'El invierno del dibujante'

Fuente: El Mundo.es

El autor valenciano viaja a los años 50 para indagar en la mítica editorial

Recrea la marcha de cinco de sus autores para crear la revista 'Tío Vivo'

'Buscaban la libertad creativa y luchar por lo que era suyo, sus personajes'

Rodrigo Terrasa
Valencia

Actualizado viernes 19/11/2010 07:44 horasDisminuye el tamaño del texto Aumenta el tamaño del texto Comentarios 6

El 1 de octubre de 1961, la editorial Bruguera publicó el número uno de la revista Nosotros, un boletín interno para sus empleados. Allí venían las máximas que nadie debía olvidar, sus mandamientos: "Trabajad en silencio". "El trabajo y la honradez constituyen la dignidad del hombre". "Lo que hagas, hazlo bien". "Tened iniciativa". "Quien trabaja ha de ser pagado; quien es pagado, ha de trabajar"...

Fue quizás su manera de poner orden interno tras su etapa más convulsa. Sólo cuatro años antes, la editorial, una de las primeras industrias culturales de España, veía como un grupo de sus mejores dibujantes dejaba la empresa casi en secreto para crear su propia revista, 'Tío Vivo', hartos de no cobrar derechos de autor y del lápiz rojo de Rafael González, redactor jefe. Se marchó Josep Escobar, autor de Zipi y Zape o Carpanta; Conti, padre de Carioco; Cifré, creador del reportero Tribulete; Peñarroya, de Don Pío; y Eugenio Giner, que había inventado las historietas de 'El Inspector Dan de la Patrulla Volante' para la revista Pulgarcito. Aún se les recuerda como 'los cinco grandes' de Bruguera.

Apenas dos años después, regresaban a la empresa hundido su proyecto por el poder de su antigua casa. Tío Vivo no llegó a los quioscos hasta que Bruguera atrapó la cabecera. Era 1959 y hacía frío, era el invierno al que viaja Paco Roca en 'El invierno del dibujante' (editorial Astiberri), su nuevo cómic, que sale a la venta el próximo 26 de noviembre.

"Esta historia viene de mi friquismo, de mi ilusión infantil por dedicarme a los tebeos...", explica el autor valenciano, Premio Nacional de Cómic 2008. "Desde que recuerdo, siempre he querido ser dibujante de tebeos. Crecí con las historias de la editorial Bruguera, con Mortadelo y Filemón, Zipi y Zape, con Anacleto...".

La libertad creativa

Sus autores son los protagonistas de un relato con aires de mad men nacional, fragmentado en el tiempo y los colores, que indaga en la dignidad de los autores de historietas cuando la SGAE quedaba lejos y la censura franquista trituraba viñetas. "Fue un hecho sin precedentes a nivel mundial. Que en la España franquista cinco autores decidiesen arriesgarse así, creando su propia revista. Buscaban por un lado la libertad creativa y por otro, luchar por lo que era suyo, por sus personajes. Si Bruguera se estaba haciendo rico con su trabajo, ellos también querían hacerse ricos".

Roca se ha sumergido en su álbum más realista tras (otra vez) un enorme esfuerzo de documentación. Qué se picaba en los bares de Barcelona, cuántos goles marcaban Suárez y Kubala cuando ni siquiera existía el Camp Nou, qué contaba el No-Do, y, sobre todo, qué se cocía en los despachos de una editorial de la que siempre se supo poco. "Siempre me preguntaba cómo sería aquello, cómo eran los dibujantes, cómo trabajaban. De vez en cuando salía un dibujo y yo lo miraba como algo maravilloso, algo así como la fábrica de chocolate de Willy Wonka".

Un gigante desconocido

"Quería que todo fuese muy creíble", reconoce el autor. Paco Roca se empapó de los libros de Antonio Guiral, buscó a los dibujantes que aún siguen vivos, entrevistó a Ibáñez o a Francisco Ledesma, volvió a Berlanga y Ferreri... "Hay muy pocas fotos de Bruguera de aquella época", lamenta. "Vamos recuperando ahora poco a poco la memoria histórica. Bruguera fue la editorial más importante en cultura popular en nuestro país, era inmensa, con oficinas en Hispanoamérica, editaba cómics, libros, cromos... Llegaron hasta a dibujar novelas clásicas. Pero no sabemos prácticamente nada de lo que pasaba dentro". A diferencia de 'Arrugas' o 'Las calles de arena', sus últimos títulos, en 'El invierno del dibujante', el escritor valenciano ha tenido poco margen para inventar. También nuevos retos con el lápiz.

"Ha sido bastante complicado, continuamente tenemos en escena a cinco personajes o más y eso en un cómic es bastante difícil, te hace plantearte otra forma de viñetas y otro tipo de lenguaje para poder contar lo que ocurre en el mismo plano". Habla de esas sobremesas en casa de Conti o Giner, de las partidas de cartas pensando cabeceras para el 'Tío Vivo' o de los paseos de Rafael González entre las mesas de la redacción de Bruguera rebajando chistes y tachando caricaturas.

Roca ha arriesgado también planteando el relato de su historia tal y como la conoció él, a retales, sin orden cronológico. Arranca su tebeo en el invierno de 1959 y va navegando adelante y atrás, desde el 57 a 1979. De los tonos azules a los cobre. "No quería que fuese una cosa lineal, sino que al lector le pasara como me pasó a mí a la hora de documentarme. Vas teniendo la información de diferentes personas y hasta el final no lo unes todo. Esa irregularidad en la narración es la forma en la que yo he ido cogiendo la información", argumenta.

Nunca imaginó Paco Roca, como no lo hizo Escobar cuando se aburría en la cárcel, o Ibáñez cuando despachaba en un banco, que algún día viviría de crear historietas como esta. Ni siquiera cuando siendo un chaval envió un sobre a la editorial Bruguera con sus particulares versiones/plagios de Asterix y Obelix o de Mortadelo y Filemón. "Eran infames, vamos de un niño de seis años. No me contestó nadie, pero yo pensé que era a eso a lo que me quería dedicar. Yo quería ser como Raf, como Ibáñez... Mucho tiempo después, he visto que sí, que si puedes dedicarte a estas cosas".

PARA VER EL VIDEO DE LA NOTA PINCHA EN ESTE LINK CHAVAL !
http://www.elmundo.es/elmundo/2010/11/14/valencia/1289757054.html

EXCLUSIVO ! LOS NUEVOS MUÑECOS DE HIJITUS Y LARGUIRUCHO !

2010-11-16T05:28:00.001-08:00

EN POCO TIEMPO MAS ESTARAN EN VENTA LOS MUÑECOS DE TODOS LOS PERSONAJES DEL MAGICO MUNDO DE GARCIA FERRE..

POR AHORA SE CONOCEN DOS MODELOS PUBLICADOS EN UNA PAGINA DE INTERNET.

              EL MUÑECO DE HIJITUS

            EL MUÑECO DE LARGUIRUCHO.........

                        EN CUANTO TENGAMOS MAS IMAGENES LOS SUBIREMOS AL BLOG

! FELIZ DIA DEL DIBUJANTE !

2010-11-10T09:57:00.001-08:00

VIKINGO...EL CINE ARGENTINO DEL FUTURO !

2010-11-08T13:46:00.000-08:00

SI QUIEREN VER UNA PELICULA ARGENTINA QUE VALE LA PENA VAYAN AL CINE DEL INCAA, ESPACIO INCAA, GAUMONT
SE VAN A LLEVAR UNA SORPRESA DE ESTE AUTOR QUE SEGUN MI PUNTO DE VISTA VA A SER UNO DE LOS GRANDES DIRECTORES DEL CINE ARGENTINO.
AQUI TRANSCRIBO LA NOTA SOBRE LA PELICULA PUBLICADA EN LA REVISTA ESPECIALIZADA DE CINE EL AMANTE.

Vikingo

de José Celestino Campusano, Argentina, 2009, 90’.

Luego de una proyección de Excursiones en el último Bafici, un espectador le dijo a Ezequiel Acuña que esa película era diferente a sus dos largometrajes anteriores porque no trataba sobre el amor. A eso Acuña respondió que no creía lo mismo y que su película sí era sobre el amor porque la amistad lo era.

Vikingo es una película sobre el amor, o sobre formas de amor que se mueven en distintos planos: primero, la pasión por las motos; segundo, la amistad entre dos hombres; tercero, el amor por una mujer. Algo así como el fetichismo, la amistad y el enamoramiento, que quizá no sean todas formas de amor para el mundo y sus definiciones, pero que sí lo son para el mundo y las definiciones de esta película. Porque Vikingo y Aguirre, dos motociclistas que disfrutan y defienden sus motos mientras construyen una amistad, habitan un universo de códigos únicos. Ya decía Campusano a Página/12: “Lo de la actuación es para gente que se pone en la piel de otro, que se informa y ensaya. Ellos no. El léxico que emplean (…) lo tienen tallado en el alma”. Es que Vikingo borronea la frontera entre documental y ficción porque evidencia aquello que hay detrás de cualquier historia: la realidad inspiradora. Pero Vikingo también demuestra la importancia de quien elige esa realidad y señala dónde hay una fuente de historias. Aquí ése es José Campusano (cuyo documental Legión, tribus urbanas motorizadas ya había ventilado los cimientos de este relato).

Vikingo fija su mundo en los suburbios de Buenos Aires y nos llama la atención sobre ellos. En 84, Charing Cross Road, Helene Hanff declaraba amar los libros que tenían notas al margen porque, decía: “Me gusta el sentimiento de camaradería que suscita el volver páginas que otro ha pasado antes, así como leer los pasajes sobre los que otro llama mi atención”. La película de Campusano es una nota al margen (de la ciudad, de la norma y de la forma de hacer cine) y también una excepción. Y desde esa excepción el director construye su relato, marcado por desprolijidades que lo tornan bruto pero fiel a su esencia. Y desde esa excepción retrata personajes que encantan a quien mire y sienta que, algún día, puede llegar a amar (a una moto, una mina, un amigo o lo que fuere) de esa manera. Porque en eso se nos va la vida, en buscar a quién o a qué amar y a quién o qué nos devuelva ese amor. Y si en Vil romance Campusano hablaba de un amor reacio, violento y combativo, aquí nos presenta a Vikingo, un personaje que ama demasiado (sobreprotege a sus hijos, sufre por su sobrino, se apasiona por las motos, protege a sus amigos). Entonces da gusto que Campusano nos muestre eso que él ha visto antes aprovechando esa capacidad de generar epifanías que sólo puede regalarnos el cine. Josefina García Pullés

Publicado en el número 211

TOMATE UN MATE CON PATORUZU !

2010-11-01T10:07:00.000-07:00

En la ultima revista de Isidoro Cañones llamada ¨¨ LA ISLA ¨¨que esta en los kioscos de la reedicion de la excelente ¨¨ LA HERENCIA DE LA ISLA ¨¨ de Marzo de 1975, se puede ver la publicidad de la nueva Yerba Mate PATORUZU !!!

Una gran idea para que nuestro gran heroe Argentino llegue a todas las casas del pais !!

!! AGUANTE PATORUZU !!

NUEVA TRILOGIA DE STAR WARS !!!!!!!

2010-11-01T07:40:00.000-07:00

Cine : Star wars

La bomba del año: mientras trabaja en la conversión de la saga a 3D, George Lucas piensa en nuevas películas. Los detalles.

FUENTE :

Redacción VOS

Si hay una saga cinematográfica que fanatizó al público en todo el mundo, esa es sin dudas Star Wars o La guerra de las galaxias, como se la bautizó en castellano. Tras conocerse la noticia hace algunos días que George Lucas está trabajando en la conversión de las seis películas a 3D y que llegarían a la pantalla grande en 2012, este lunes comenzó a circular el rumor que de concretarse sería sin dudas la noticia del año: una nueva trilogía.

Según publicó el sitio especializado iesb.net y se hicieron eco muchos medios como Europa Press, Lucas estaría pensando en lanzar una nueva trilogía de Star Wars para estrenarla dentro de ¡ocho! años. ¿Por qué 2018? El director quiere primero recaudar varios millones con las seis películas de la saga en tres dimensiones, cuyo último envío se estrenaría recién en 2016. Allí necestaría dos años para dar meterse de lleno en el nuevo proyecto.

La fuente inicial, según nos cuenta el blog español Séptimo Arte, es la misma página que fue la primera en decir que Josh Wedon dirigiría Los vengadores o que Disney absorbería el contrato de Marvel Studios con Paramount Pictures. Como darse credibilidad mencionan esto en el artículo, así como también demostraron que sus fuentes en Lucasfilm son lo suficientemente sólidas como para adelantarla en su momento la conversión de la doble trilogía existente en 3D o la serie de animación de Las Guerras de los Clones.

Con el reestreno en cines y la venta de DVD y Blu-Ray, el imperio Lucas espera juntar una cifra que oscilará entre los 500 y los 750 millones de dólares, dinero que utilizaría para rodar la nueva trilogía y así autofinanciar la nueva parte de la saga más popular de la historia del cine.

En cuanto a la trama, los rumores apuntan a que Lucas podría rodar primero los episodios X, XI y XII para luego sí ir con los VII, VIII y IX, saltando "100 o 1.000 años" en la línea argumental de Star Wars. Por supuesto, ahora comienzan todos los interrogantes. ¿Seguirá viviendo Yoda? ¿Y personajes emblemáticos como R2-D2, C-3PO o Chewbacca? ¿Será una historia totalmente diferente? Habrá que esperar para ver qué sale de la cabeza de Lucas. Mientras tanto, te mostramos en el player de arriba el tráiler original del episodio IV, el primero en estrenarse en 1977.

FELIZ CUMPLEAÑOS MAESTRO !

2010-10-08T09:32:00.001-07:00

79 AÑOS Y SERAN MUCHOS MAS !

STAR WARS EN 3D !

2010-09-30T11:12:00.000-07:00

La saga Star Wars vuelve al cine en 2012 en versión 3D

La conversión a 3D la llevarán a cabo Twentieth Century Fox y Lucasfilm Ltd, y será supervisada por Industrial Light & Magic. Ya trabajan en "Episode I, The Phantom Menace".

George Lucas, creador de la saga Star Wars, no le da respiro a su obra maestra. Despues de tres nuevas entregas para completar la historia que comenzó allá por los '70, de reediciones y agregados, ahora llega la versión en 3D, según confirma Lucasfilm Ltd.

"Hay pocas películas que se presten de forma tan perfecta al 3D. Desde la Estrella de la Muerte al planeta Tatooine, la saga de Star Wars siempre ha proporcionado una experiencia asociada al entretenimiento que es completamente envolvente", explicó la compañía mediante un comunicado. Y es cierto. Tantos efectos especiales pueden aprovecharse al máximo en la nueva tecnología en tres dimensionesque la pantalla grande ya explota.

La conversión a 3D la llevarán a cabo de forma conjunta Twentieth Century Fox y Lucasfilm Ltd, y será supervisada por Industrial Light & Magic.

El primer capítulo, Star Wars: Episode I The Phantom Menace, llegará de nuevo a las salas en 2012, aunque aún no se informó la fecha concreta.

"Obtener buenos resultados en una conversión estéreo es cuestión de tomarse el tiempo necesario y de hacerlo de forma adecuada", dijo John Knoll, supervisor de efectos visuales de Industrial Light & Magic.

"Se requiere una visión artística y exigente, junto a una increíble atención por el detalle, para ser exitoso. No es algo que se pueda apremiar si quieres obtener buenos resultados. Para Star Wars nos tomaremos nuestro tiempo, y aplicaremos todo lo que sabemos en cuanto a estética y técnica", añadió Knoll.

30 de Septiembre de 2010 01:00

LOS PICAPIEDRAS CUMPLEN 50 AÑOS !!!

2010-09-30T09:28:00.000-07:00

La Familia Picapiedras, célebre serie de animación sobre una pareja prehistórica y su hija cuya vida presenta muchos puntos en común con la de los estadounidenses de los suburbios en los años 60, festeja sus 50 años en Estados Unidos.

The Flintstones hicieron su aparición en la cadena ABC en 1960. La serie fue difundida hasta 1966 y luego retomada por NBC de 1967 a 1970 y se convirtió en la de mayor éxito en la pantalla chica en hora de mayor audiencia, hasta que los Simpson le quitaron el título en 1997.
Creada por William Hanna y Joseph Barbera, los Picapiedras -Fred, Wilma y su hija Pebbles, además de su pequeño dinosaurio amaestrado, tuvieron gran suceso asociando un dibujo agradable para los niños y satíricos diálogos gozados por los adultos.
En 1994 se rodó un filme basado en la serie, con actores reales y cuya banda de sonido realizó el grupo U2.

Cuando los dinosaurios compartían espacio con los urbanizados cavernícolas, una familia reinaba: Los Picapiedra. La cuaternaria estirpe creada por William Hanna y Joseph Barbera, cuyas aventuras en la ciudad de Piedradura (Bedrock en el original en inglés) cautivaron la imaginación del público estadounidense desde el 30 de setiembre de 1960, día en que la señal de ABC propaló su primer capítulo.Nació como una comedia de situaciones basada en los contrastes: Pedro (Fred Flintstone) lleva la iniciativa mientras su vecino Pablo (Barney Rubble) será el obligado cómplice. En la versión castellana llevan nombres de apóstoles, pero se comportan más como una pareja cervantina: un gordo Quijote teje febriles planes mientras un pequeño Sancho intenta hacerle entrar en razón. Serán sus sufridas esposas, Vilma y Betty, quienes terminen rescatándolos de sus fracasados intentos.Los días de Pedro Picapiedra no diferían mucho de los de cualquier trabajador estadounidense de mediados de siglo XX: ocho horas diarias de trabajo en la cantera, póker los martes con los vecinos, viernes de boliche o con la hermandad de los Búfalos Mojados. Barbacoas de brontosaurio en el jardín los sábados y, los domingos, paseos familiares en el troncomóvil. Una transcripción que intentaba ser exacta, pero en cuyas sutiles diferencias se basaba el humor característico de la serie: electrodomésticos reemplazados por animales, pájaros en cámaras fotográficas, ruedas de piedra y baile de puntillas antes de poner en marcha un troncomóvil. Ejemplos de verdaderos clásicos de la comedia.Pero no todo era chiste. A 50 años de distancia, no deja de sorprender la temática de aquella primera serie animada de televisión enfocada en el público adulto: En “Los Picapiedra” se abordaron las angustias de la maternidad y los temores paternos, las ríspidas relaciones entre suegros y yernos, la ludopatía de Pedro, el consumismo de Vilma, el sobrepeso y, sorprendentemente, la infertilidad en el caso de los Mármol, padres adoptivos del pequeño Bam-Bam. Desde su cancelación en 1966, “Los Picapiedra” mantuvo por mucho tiempo su récord como la serie animada más larga, hasta que en 1997 fue derrotada por “Los Simpson”. Para Rocío Silva Santisteban, poeta y estudiosa de la cultura, aquel cambio evidencia cómo la posmodernidad ha incidido en los estereotipos de familia. “Hoy, el páter familias de la serie, el acriollado Pedro, ha dejado de ser visto como un modelo de representación para pasar a otro mucho más prosaico y vulgar, mucho más macho y bruto: Homero Simpson”, explica.Para la estudiosa, las representaciones femeninas se mantienen parecidas: tanto Vilma como March siguen siendo la “cordura” familiar. “Más bien los hijos adquieren protagonismo y no son solo bebes. Ellos tienen algo que decir”, explica. Canteras que se convierten en plantas de energía nuclear, una racialmente homogénea Piedradura frente al multiculturalismo irónico de Springfield. 50 años son mucho tiempo, y mucho también han cambiado las familias y la forma en que las entendemos. Y la televisión es testigo de eso.

HOY VOLVIO ALTUNA AL CLARIN ! GRAN NOTICIA !

2010-09-26T17:14:00.000-07:00

PARA LOS QUE EXTRAÑABAN AL CREADOR DEL LOCO CHAVEZ Y DEL NENE.....
ALTUNA RECUPERA EL LUGAR QUE SE GANO POR SER EL MEJOR DIBUJANTE COSTUMBRISTA DE LA ARGENTINA.

SALUDOS ALTUNA Y GRACIAS POR VOLVER !!

Horacio Altuna es de lo que no hay: un artista universal
26/09/10 “Es lo que hay. (Reality)” trata sobre los Volcatti: una tira porteña y familiar. Hoy volvió a la contratapa de Clarín el padre de El Loco Chávez y Pampita.

PorJuan Sasturain
Opinión

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Horacio Altuna, cultura Hijo de su tiempo de único privilegiado y discípulo de los que le hicieron la cabeza con el formato de la aventura necesaria y la necesidad de la Aventura, Horacio Altuna es “uno de los nuestros”. Compartimos un lugar virtual, histórico, político, profesional, afectivo y de experiencia en el que las coincidencias –en todos los sentidos: el azar y la convergencia- son más importantes que los matices y camisetas. Cabe aclarar, por si alguien se pone riguroso: no sabemos quiénes somos nosotros pero sí podemos explicar quién es (también) Altuna.

Horacio es un gran dibujante/narrador/artista de perfil bajo y de condición, en todos los sentidos solvente. Buena definición: la solvencia de Altuna. Quiero decir que funciona donde se o lo ponen; y sobra, como suele decir Dolina del hombre sabio o del artista consciente, mostrando menos de lo que sabe y puede con lo que tiene en mano, yendo a la pesca con todas las cartas, sin levantar la voz ni polvareda, hace lo suyo con holgura.

Como historietista tiene varias cuerdas y ninguna lo ahorca. Hace cuarenta años ya era bueno dibujando aventuras (incluso con Oesterheld), barcos y espadas, lugares extraños o antiguos, pilchas de época. Y lindas minas, ya entonces. Hasta que El Loco Chávez , el diario y la colaboración con Trillo lo introdujeron en el realismo urbano –quiero decir porteño-, la contemporaneidad, los tipos apuntados al paso, la historieta hecha desde la ventana del café viendo pasar lo que pasaba: y la novedad inédita de su aptitud para la comedia y las minas (siempre).

Del trabajo de esa dupla, en poco más o menos de una década entintada por la Dictadura, salieron algunas obras maestras ejemplares , como Las puertitas del Señor López –uno de sus mejores momentos, por la amplitud del registro- y, entre otras, algunas pequeñas sagas de cámara, como Charlie Moon o El último recreo , en que el dibujante empieza a darse un gusto hasta entonces latente: la ciencia ficción y la pintura de un futuro imperfecto que él solito, ya en España (van casi treinta años, Horacio…) desarrollará, a color, en Chances y Ficcionario . Y ahí también –aunque se ponía muy serio- había buenas minas, claro.

No se puede contar todo. Nos salteamos el mamero Merdichesky , salido de una película de Woody Allen, disolvemos injustamente a El Nene Montanaro en una secuela del Loco Chavez, rescatamos el blanco y negro de Time Out y Hot Los Angeles –otro punto alto-, juntamos las gloriosas bizarradas de Tragaperras con sus magistrales incursiones en secuencias eróticas que han dado la vuelta (y una mano) al mundo entero. Porque también en eso, Altuna es un artista universal .

Y ahora, esto: segundo regreso, con Es lo que hay , “primer reality de la historieta”, para volver a alquilar el departamento del último piso, el de arriba, de la propiedad horizontal que se estiba diariamente en esa última página que tan bien conoce, como a algunos de sus viejos vecinos. Sabemos que viene de hacer Familia tipo en Barcelona durante años, pero sabemos que no es el tipo de dibujante/narrador que se queda (mirando o dibujando) con lo que hubo sino todo lo contrario: Horacio Altuna es de lo que no hay .

Vuelve Horacio Altuna: “Es lo que hay”, una nueva historieta porteña y familiar en Clarín
19/09/10

Los Volatti serán los protagonistas del regreso al diario del padre de Pampita y El Loco Chávez.

PorJuan Carlos Algañaraz
Barcelona. Enviado Especial

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Horacio Altuna Estoy feliz de volver a Argentina y a Clarín que es mi casa”, confía el gran autor de historietas Horacio Altuna. Tiene un prestigio internacional que lo consagra como uno de los mejores artistas del género y ha recibido altas distinciones, sobre todo en Cataluña, donde su integración es modélica.

Con el enviado de Clarín , Altuna evocó al Loco Chávez, a Pampita, al Señor López y sus puertitas y al Nene Montanaro, algunas de sus creaciones que más éxito han alcanzado en Argentina y otros países. Y dio claves de su nuevo trabajo, que Clarín publicará desde el próximo domingo 26.

“La nueva serie se llama ‘Es lo que hay. (Reality)’. Una idea a partir de lo que son los reality. Es el primer reality de una familia hecho en historieta. Me va a dar la posibilidad de que, cuando yo quiera, los personajes puedan dialogar con el lector directamente. Como hacen en los reality cuando los nominados se defienden y esas cosas. O inclusive hablar con el autor si están disconformes con las cosas que les pasan. Es un juego”, señala.

¿Cómo será la estructura de la nueva historieta? ¿Similar a “Familia tipo”, que se publicó acá en Cataluña con mucho éxito? Así es. “Familia tipo” ha sido un éxito formidable durante diez años. Y el esquema de “Es lo que hay” es muy similar. Un matrimonio cuarentón, Alejandro “Alex” y Ana, con dos hijos adolescentes, Gus y Bea, con todos los problemas que tienen. Pero si bien los personajes se parecen, “Es lo que hay” sucede en Buenos Aires. Es una tira absolutamente porteña.

¿Cuáles van a ser los cambios de la familia en Argentina? Básicamente, sigue igual. Los nombres serán iguales pero les cambio el apellido. En España se llamaban Vidal y en Argentina se llamarán Volatti. Al padre lo cambio físicamente porque tenía bigote como algunos otros personajes míos. El Loco Chávez, por ejemplo. Los padres de Alejandro Volatti son muy zurdos y los de ella, Ana, son muy fachos, y se pelean. Alejandro trabaja en una multinacional y siempre está preocupado de que haya reajustes y lo echen.

Usted emigró hace 28 años a España y en 1987, cuando finalizó la historieta, los hizo emigrar al Loco Chávez y a Pampita. ¿Ha sido dura la adaptación? Aquí tuve suerte y la experiencia de adaptación es muy buena. Dicen que Cataluña es cerrada y distante. Los colegas catalanes me eligieron hace cinco años, por unanimidad como presidente de la Asociación de Profesionales de la Ilustración de Cataluña. ¡A un latinoamericano que no habla catalán! Además, recibí el Gran Premio del Salón del Comic en el 2004 y era la primera vez que se lo daban a un extranjero.

¿Y que pasó con su identidad? Yo no tengo ninguna duda: soy un argentino y llevo mi identidad a todas partes. Un sociólogo, García Canclini, dice que el deber de los que nos vamos a otros países es llevar la identidad porque se enriquece adonde vayas. No se pierde nada porque se va absorbiendo. Uno aporta y recibe. Pero también estar como presidente de la Asociación de los Ilustradores y luchar por mejorar las condiciones de nuestra profesión me parece un servicio, un agradecimiento.

Las creaciones de más éxito suyas pasaban en Buenos Aires, los personajes y las situaciones eran muy porteñas. ¿No tuvo problemas para hacer todo eso y llegar a una enorme cantidad de lectores desde España? No. Para mí era echar el ancla, no alejarme de aquella realidad, que era la mía. Yo me siento muy hermanado a esa realidad de Argentina, de Buenos Aires. Además viajo dos veces por año. Siempre estoy pendiente de lo que pasa. “El Nene Montanaro”, por ejemplo, era antimenemista, y esa época yo la vivía cotidianamente. Ahora estoy feliz de volver a Clarín porque me permite estar allá, es como si estuviera físicamente allá.

Un personaje suyo que tuvo una gran aceptación fue Pampita.

Tanta que a veces teníamos que sacarla un poco porque cada vez que salía se comía al personaje, al Loco Chávez. Siempre me dijeron que tenía habilidad para dibujar mujeres. Era una chica linda pero inteligente. El cable a tierra del Loco. Como se dice, tenía una cara de ángel y un cuerpo bárbaro. El sueño del pibe. Un minón, pero buena como mi mamá. Era más centrada que el Loco.

¿Conoció alguna mujer que le inspiro o le recordaba a Pampita? Cuando se hizo el programa por televisión la actriz que hacía de Pampita era Adriana Salgueiro. Era bellísima y espectacular.

Usted ha hecho bastante dibujo erótico para Playboy, con mucho éxito.

Trabajé durante doce años para Playboy, y me fue muy bien. Se vendía en doce países. Hice unas quinientas páginas. Todavía los sigo vendiendo porque conservo todos los derechos.

Usted ha dicho que el comic no ha agotado su lenguaje, sus posibilidades de expresión. ¿Por qué? El comic tendría que ser como el cine, que temáticamente abarca toda clase de contenidos. En cambio el comic está más vinculado a temas infanto-juveniles. Tendría que haber más comic político, social, de vida cotidiana. Que se haga de todo, pero que acompañe el crecimiento intelectual del lector. Que empiece leyendo Batman pero que tenga otros temas cuando llegue a los 35 años, por ejemplo.

El comic digital, realizado por computadora, es realmente otro lenguaje.

Puede llegar a serlo. Pero también puede ser un conflicto. Porque no se sabe como va a ser definitivamente. A fin de mes vamos a hacer unas Jornadas de Comic Digital en la Asociación de Ilustradores. Ahora trabajamos para el papel y se incorpora a soportes digitales. Pero se pueden añadir música, animación, multimedia. Va a terminar por ser otro lenguaje. El dibujante va a tener que trabajar con un programador. Muy distinto.

Ha tenido una exitosa asociación con el guionista Carlos Trillo.

Son historietas que han salido en Buenos Aires, como el “Loco Chávez”, “Las puertitas del Señor López” o “El Nene Montanaro”. Nuestro encuentro fue una conjunción astral. Queríamos hacer lo mismo. Trillo tiene una gran imaginación y es un tipo muy talentoso. Yo estoy siempre con los pies en la tierra, la vida cotidiana. El es más fantasioso y yo estoy más atento a lo cotidiano. Los guiones siempre los hemos hecho entre los dos.

¿Por qué cree que su tipo de dibujo, digamos clásico, también influyó en la gran difusión de sus historietas? Soy muy realista. Soy un clásico dibujante. Mis influencias son los viejos maestros de la historieta y del cine americano de los cuarenta y cincuenta. Cuando hago un comic pienso que estoy realizando una película. Las imágenes, las secuencias, las manejo con una cámara. En comic se trata de hacer la síntesis de lo que se hace en cine, es el story board (el dibujo de las principales imágenes del film con los decorados). Yo hice cine, el “Gringo Viejo” de Luis Puenzo.

“Las puertitas del Señor López” tenía una profundidad muy especial.

Es que todos tenemos algo del señor López. Las huidas hacia delante, no querer ver ni poder modificar la realidad. Es un personaje patético. Por eso, cuando se realizó la película, el final feliz no me gustó nada. El señor López no podía, nunca, ganar.

Los personajes de “Es lo que hay” ya tuvieron su bautismo de fuego, de alguna manera, en “Familia tipo”. ¿Cómo fue la recepción de la tira? Bueno, no todos los lectores compartían algunas cosas. Aquí, en Cataluña, hay una cosa que es lo políticamente correcto, que me tiene podrido porque es la censura de esta época. Si Gila, Perich o Chumy Chumez viviesen hoy aquí no podrían hacer el humor que realizaban hace años. Perich hacía chistes de discapacitados, ciegos, de la suegra. Hoy lo acusarían de machista. Está bien reírse.

¿Pero qué era lo que les molestaba a esos lectores? Por ejemplo, en “Familia Tipo” la madre trabajaba de ama de casa. Recibí cartas de alguna organización feministas criticándome y diciéndome que ella no se realizaba, como si fuera denigrante que una señora esté en su casa. Mi mujer está en mi casa y es culta, inquieta y tiene mil actividades. ¿Y cuál es el problema? Y otro tema recurrente conmigo es que como hago chicas lindas me acusaban de machista. Uno de los personajes, Gus, es machista y le va muy mal todo el tiempo. Pero la lectura de algunos es que era machista y que yo hago una historieta machista. No tiene sentido. Ponen en mi cabeza pensamientos que no tengo. Gus se pelea frecuentemente con su hermana Bea, que tiene un novio, un muchacho ingenuo. Le hace un chiste: “¿Vos sabías que era adoptada? La trajeron de Ucrania, donde la compraron muy barato pero todavía no han pagado las últimas cuotas”. ¡Las cartas que recibí de gente que había adoptado diciéndome de todo! Pero ese es un riesgo que, con variantes, también le ha podido pasar en Argentina o en los más de veinte países en donde se venden sus obras. Que la gente lo identifique con sus personajes, crea que piensa o siente como ellos.

Miguel Delibes decía que cuando un personaje habla hay lectores que piensan que habla el autor. Si en mis historietas hago un personaje gay, yo no soy gay; si hago historietas policiales, no soy ni cana ni ladrón. Pero sí me ponen a veces ideas que no tengo.

¿Y cómo siente que es su relación con sus personajes? Es como una esponja. Veo realidades y trato de copiarlas o interpretarlas. Lo importante es que los personajes tengan carnadura, sean creíbles. La historia va por allí.

QUE PUBLIQUEN A LOS AUTORES ARGENTINOS EN ARGENTINA !

2010-09-22T07:51:00.000-07:00

ESTAMOS ARMANDO UNA MOVIDA PARA QUE TODOS LOS AUTORES ARGENTINOS PUBLIQUEN EN NUESTRO PAIS LO QUE PUBLICAN EN EL EXTERIOR.
HASTA CUANDO LOS EXTRANJEROS VAN A DISFRUTAR DE LOS TRABAJOS DE LOS GRANDES DIBUJANTES ARGENTINOS Y NOSOTROS NO ?
EL DISPARADOR ES EL GRAN TRABAJO DE WALTHER TABORDA SOBRE LA GUERRA AEREA DE MALVINAS..

SI QUIEREN SER PARTE DEL PROYECTO PUEDEN ENTRAR A ESTE GRUPO DE FACEBOOK...

http://www.facebook.com/pages/Que-Publiquen-Los-Libros-De-Walther-Taborda-En-Argentina/155975911097163?v=wall

VOTEN EL LIBRO DE WALTHER TABORDA COMO EL MEJOR BD DE AVIONES !

http://www.museeairespace.fr/la-bd-prend-lair/6e-edition-2010/prix-du-public.html

LA ISLA DE GUILLIGAN ? LOST ?........NO ! LA ISLA PRESIDENCIAL !

2010-09-17T12:18:00.000-07:00

EXCELENTE ESTE DIBUJO ANIMADO REALIZADO EN VENEZUELA....... ESTA MUY BUENO Y ES SOBRE LOS PRESIDENTES DE LA LATINOAMERICANA BOLIVARIANA BANANARAMA Y EL REY DE HISPANIA !

QUE CHEVEREEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEE !!!!!!!

LA GUERRA AEREA DE MALVINAS ! NUEVO LIBRO DE WALTHER TABORDA !

2010-09-12T06:39:00.001-07:00

VIDEO PRESENTACION !

YA SALE LA EDICION DEL ESPERADO LIBRO DEL MAESTRO ARGENTINO WALTHER TABORDA SOBRE LA GUERRA AEREA DE MALVINAS.

ESPEREMOS QUE ALGUIEN SE AVIVE Y LA EDITE EN ARGENTINA EN CASTELLANO, O MAS NO SEA EN ESPAÑA...POR AHORA VIENE EN FRANCES.

AQUI UN ADELANTO....

! VUELVE HIJITUS A LA TELEVISION !

2010-09-07T09:49:00.000-07:00

A PARTIR DEL MARTES 7 DE SEPTIEMBRE A LAS 12 HS VUELVEN LAS AVENTURAS DE
HIJITUS POR CANAL 13 !!!!

GRACIAS A TODOS LOS QUE HICIERON POSIBLE ESTA GRAN NOTICIA !

CENSURAN HUMORISTAS EN BRASIL..

2010-08-24T16:56:00.000-07:00

Los humoristas brasileños, en pie de guerra

Se manifiestan hoy en la playa de Copacabana en Rio para protestar contra la censura que les impone la ley electoral

JUAN ARIAS - Río de Janeiro - 22/08/2010

Los humoristas de los medios de comunicación: prensa, radio, televisión e Internet así como los que actúan en el teatro están en guerra en todo Brasil y harán hoy una marcha de protesta en la mítica playa de Copacabana en Río de Janeiro contra una reglamentación de la ley electoral que prohíbe durante la campaña presidencial en curso que los diferentes medios de comunicación "usen trucos, montajes o cualquier otro recurso que de alguna forma degraden o ridiculicen a un candidato o partido".

Los humoristas, que previsiblemente acudirán en gran número de todos los medios, pretenden con su protesta que la sociedad se revele "contra la censura del humor" y obligue a las autoridades competentes a revisar esa norma electoral que "castra el humor en la política".

Según ha declarado Gustavo Binenbojm, catedrático de Derecho Constitucional de la Universidad de Estado de Rio al diario O Globo , no se trata de la reivindicación de libertad de una determinada categoría profesional, como la de los humoristas. Según él "lo que está en juego no es la defensa de los intereses de los medios o de los artistas, sino la defensa de la ciudadanía brasileña".

Los manifestantes de Copacabana han redactado un manifiesto que leerán al final de la marcha de protesta pidiendo el fin "a la censura de la risa". Para ellos, impedir hacer humor con los candidatos además de ser inconstitucional, le quita la sal y pimienta a las elecciones, que no deben ser sacralizadas.

Los humoristas, que por primera vez saldrán a la calle para protestar contra la censura "al derecho de divertir", son conscientes de que estas protestas callejeras no pertenecen a su idiosincrasia. Marcelo Tas, presentador del grupo humorístico CQC, ha señalado: "los humoristas son criaturas que no nacieron para organizar manifestaciones públicas, pero ante tamaña payasada en el proceso electoral brasileño, teníamos que hacer algo. Aunque se trate de una marcha de payasos, lo que no deja de ser patético, es al mismo tiempo animador".

También los analistas políticos se han manifestado estos días contra la censura del humor en las elecciones, "porque las haría aún más aburridas". Se trata, según ellos de "uno de los más peligrosos y sutiles ataques a la libertad de expresión".

Uno de los organizadores de la marcha bajo el lema Humor sin censura, Fábio Porchat, ha sido duro: "Estamos luchando para exterminar cualquier resquicio de censura que aún exista. Estamos a favor de la democracia y por tanto de la libertad de expresión. Esa ley es el ejemplo de que, si no estamos atentos, el fantasma de la dictadura podrá volver a asustarnos". Con fino humor, Porchat afirma: "También a los políticos se les debería prohibir reírse de la gente".

Las multas a los que hagan humor contra los candidatos pueden superar los 100.000 reales (45.000 euros) la primera vez y el doble en caso de reincidencia. Un chiste demasiado caro, según los humoristas.

El regreso del cacique

2010-08-23T15:08:00.000-07:00

A 65 años de su creación, Editorial Perfil lanzó una colección con las mejores historietas de la caricatura creada por Dante Quinterno.

A 65 años de su creación, Editorial Perfil lanzó una colección con las mejores historietas de la caricatura creada por Dante Quinterno.

Patoruzito es uno de los personajes más entrañables de la cultura popular argentina. Su carácter valiente y noble le ganó muchísimos seguidores en sus primeros años de historia, cuando nació como una adaptación infantil del cacique Patoruzú. Y hoy, a 65 años de su primera publicación, el personaje creado por Dante Quinterno sigue atrayendo a grandes y chicos.

La colección de doce historietas publicadas por Diario Perfil a comienzos de este año vendió más de 150.000 ejemplares en unos pocos meses y fue la primera vez que Patoruzito fue e d i t a d o en colores. Javier Manes, editor del área de Proyectos Especiales de Editorial Perfil, señala que uno de los aspectos fundamentales que despertaron el interés del público son los valores que transmite el personaje. “El argentino se identifica con la nobleza y la honestidad de Patoruzito”, señala el ejecutivo.
Ahora, la editorial lanzará una segunda selección de doce historietas que, al igual que la primera, será presentada en formato de colección con tapas rígidas y papel ilustración a color. Uno de los puntos fuertes que desde le editorial señalan como fundamentales a la hora de analizar el éxito de la colección es que no está restringido a un segmento específico del público.

Los más grandes recuerdan a Patoruzito como un personaje de su infancia y los más chicos tienen en la memoria a las películas que en 2004 y 2006 fueron vistas por más de 2 millones de espectadores. Además, los personajes de la tira ya habían sido llevados a la pantalla chica en 1988 en un corto animado. De todos modos, desde la editorial señalan que es la nostalgia la que genera más ventas: son los más grandes los interesados en volver a leer las historietas que compraban cuando eran chicos. La colección, que fue lanzada el sábado 21 de agosto, se vende a $ 12,90 en forma opcional con el Diario Perfil y cada uno de los números estará acompañado por una plancha de stickers con los personajes de la tira. Toda la selección está compuesta por historietas que nunca habían vuelto a ser editadas como, Barro milagroso, que ya está en los kioskos con el diario Perfil. Al primer título le seguirán: La bella y el ogro, El rey del knock-out, El viaje de los Tobas, Bombones del mal, John el solitario, Villa Olímpica, La novia del capitán, Sindicato de pistoleros, Terror en el far-west, La mafia del fútbol y ¡Salven al testigo! Todas estarán presentadas en sus textos originales y sin alteraciones gráficas, a excepción del color, que volverá a ser la estrella de esta nueva colección.

GATURRO EN 3D

2010-08-22T10:31:00.000-07:00

DE LA NACION.

Factoría 3D

Cómo se hace hoy un film animado, según los creadores de Gaturro: la película , que llegará a los cines el mes próximo

No sé cómo pasa, pero hay personajes que toman vida propia. Gaturro tiene ángel más allá del talento de su creador y es capaz de vivir fuera del mundo de la historieta porque los chicos lo adoptan como algo existente. Esta identificación y este gran cariño hacia el personaje nos excedió a todos y nos empujó a ir más allá con la película", reconoce Gustavo Cova, director del film en 3D que le permitirá al felino animado dar su gran salto al cine.

Resulta imposible imaginar los cachetes de Gaturro en otra dimensión que no sea la de 3D, estirándose como un chicle, listos para que todos intenten tocarlos. Y es por eso que Nik, el padre de la criatura, junto a Illusion Studios, decidieron embarcarse en un ambicioso proyecto: el de dar luz verde a una película animada en tercera dimensión que, según el productor José Luis Massa, "marcará una bisagra en el tipo de animación que se puede hacer en América latina. No sólo por el resultado -no hay duda de que va a sorprender-, sino porque tomamos el modelo de fabricación europeo, apoyándonos en coproducciones. Nosotros lo hicimos con Toonz Entertainment, de la India, y Anima Estudios, de México".

Con un presupuesto que superó los 3 millones y medio de dólares y casi cuatro años de intenso trabajo, el 9 de septiembre llegará a los cines Gaturro, la película. "Sinceramente, no esperaba ver algo así cuando empezamos a esbozar la idea, hacia finales de 2006 -asegura Nik-. El 3D estaba empezando y nos preguntábamos si lo íbamos a lograr. Soy el primer sorprendido, y hay que asombrar al autor, ¿no?"

El primer paso para realizar cualquier film es la realización del guión. "La base es volver a contar buenas historias -apunta Cova, responsable de llevar a Boogie, el clásico personaje de Fontanarrosa, al cine-, porque si no tenés un buen esqueleto, de nada van a importar todos los gaturros que hagas salir de la pantalla; te lo digo como buen espectador pochoclero que soy." La tarea de contar quedó en manos del propio Nik, Laura Losoviz (mujer y mano derecha del autor), Adriana Lorenzón (Por amor a vos y Montecristo), Esteban Garrido, Mariano Podestá (ambos de Mosca & Smith) y Belén Wedeltoft (Los Roldán). "La historia tiene todos los condimentos, y lo más importante es que Gaturro no perdió la esencia -asegura José Luis Massa, cabeza de Illusion Studios y director del éxito animado Patoruzito-. Laura y Nik sacaron punta a sus lápices y sumaron sus ideas." Para que todo resulte según lo previsto, contaron con el apoyo de un script doctor norteamericano, una especie de arreglador, que por lo general se contrata para mejorar diálogos y tempos. Usualmente no se los nombra en los créditos a cambio de un alto salario. Por los pasillos se rumorea que se trata de uno de los guionistas del superéxito Lilo y Stitch .

"Hicimos un gran trabajo de depuración hasta llegar a una historia que nos convenciera a todos -reconoce Cova-, porque desde el vamos buscamos hacer una película que se mereciera tanto Gaturro como el espectador. Hubo muchas idas y venidas, pero lo conseguimos."

-Claramente, el film tiene proyección internacional. Que sea así, ¿modificó la manera de pensar la historia?

Cova: -Sí y no. Cuando se "internacionaliza" un producto, por lo general se tiende a "pausterizarlo", a dejarlo sin gusto. En cambio, cuando uno entiende lo importante de cuidar la esencia, se puede trabajar con los códigos internacionales y con lo que requiere la historia en sí. Por eso, Nik y Laura siguieron con una lupa muy grande el guión para que ninguno de los personajes perdiera su idiosincrasia. No se trata de una historia rebuscada; al contrario, es un cuento universal que habla del amor, de la ambición, de esta necesidad de gustar al otro a través de los estereotipos.

Y ahí está Gaturro intentando conquistar a su inalcanzable Agatha. Sin esperanza alguna, el pobre gato buscará transformarse en alguien famoso, poderoso, imbatible... Todo por ella.

"Quisimos dejar un mensaje positivo entre tanta porquería que hay dando vuelta; digo, entre tantos mensajes distorsionados que se manejan hoy en los medios, donde todo lo que brilla es superfluo, cuando en realidad lo realmente importante va por otro camino -analiza Cova-. Buscamos volver a esos valores, a ese mensaje de contención familiar, de afecto, sin caer en lo pacato; al contrario, lo hicimos desde el humor y la aventura."

"Los chicos de hoy creen que ser famoso es un mérito -reconoce Nik-. De hecho, cuando les preguntas qué quieren ser cuando sean grandes, no dudan en contestarte: famoso. En la película manejamos el contramensaje: al comienzo, Gaturro quiere hacerse famoso para conquistar a Agatha, pero después se da cuenta de que en realidad eso es superfluo."

El gato que habla
Uno de los mayores desafíos fue el de ponerle voz a Gaturro. "No sólo se trata de lo que yo imaginaba -comenta Nik-, sino de lo que un montón de chicos esperan. Hay mucha expectativa alrededor de su voz. Por suerte, hicimos varios testeos y el resultado fue positivo. Nadie dijo «esa no era la voz que esperaba»."

-¿Pensaron en contar con la voz de un actor conocido?

Nik: -Las películas argentinas que vi con voces de famosos no me convencieron del todo. Por lo general, suelo relacionar al personaje con el actor. Además, ¿quién podía hacer de Gaturro? Pero, más allá de esto, creo que los chicos están muy acostumbrados a la voz semineutra de los canales infantiles de la tele.

Tras un intensivo casting de voces, se encontró la ideal para el gato naranja. "Fue un casting tremendo; llegamos a probar a más de 250 personas para no elegir a más de quince -apunta Cova-. Se armó un verdadero dream team. Nos sorprendió el excelente profesionalismo de todos los que se presentaron. Hay mucho talento. No fue fácil."

Mariano Chiesa se quedó con el personaje de Gaturro; Agustina González Cirulnik, con el de Agatha; Gustavo Bonfigli, con Daniel; Valeria Gómez, con Valeria; Lucila Gómez, con Luz, y Mara Campanelli, con Agustín. "Chiesa es un genio: fue increíble trabajar con él; aportó muchísimo -elogia Cova-. No hay duda de que ya es un Pelusa Suero (el hombre que le puso voz a Larguirucho, Pucho, Neurus, entre tantos clásicos animados), pero con los cachetes inflados."

De manera casi natural el Gaturro del papel hizo su ingreso en el cine. "No fue algo forzado; hace años que venimos trabajando en este proyecto -reconoce Nik-. Este es el resultado de una transformación que se viene dando desde la gráfica misma, desde que Gaturro se fue acercando a los chicos, a la cosa más familiar. En ese proceso, la historieta comenzó a tener un enfoque más de dibujo animado; nunca fue algo estático, porque los chicos tienen un encuadre muy audiovisual, una forma de ver muy distinta de la que teníamos nosotros cuando leíamos a Mafalda o a Astérix. Gaturro, de alguna forma, representa este nuevo enfoque. Intenté desde el papel volcarlo un poco más hacia ese lado, no desde lo volumétrico, pero sí desde la acción, desde el gag, desde el exceso de movimiento. Gaturro es como una pelotita que rebota para todos lados; nunca fue un personaje que sólo camina y piensa."

Y todo ese exceso de movimiento de la gráfica fue trasladado al cine y aprovechado al máximo. "El proceso de animación es arduo y varía de acuerdo con la técnica que utilices -explica Cova-. Pero, como en todo medio audiovisual, el objetivo es contar una buena historia. Cuando tenés eso, ponés manos a la obra y te valés de todas las herramientas técnicas para contar lo mejor posible; es un proceso largo en el que trabajaron más de 200 personas en total, repartidas entre Buenos Aires, India y México."

En plena época de globalización y avances tecnológicos, los productores de Gaturro, la película apostaron por la tercerización y el trabajo en red. "Ya no es necesario tener a todos agrupados en un mismo galpón -añade Nik-. Estuvimos permanentemente en contacto con la gente de la India y de México, y el resultado es más que óptimo."

Hablar de animación 3D hecha en la Argentina aún despierta cierta desconfianza en el público local. La comparación con los grandes estudios es inevitable. "Trabajamos mucho por esta película -dice Cova, determinante-. No queremos que nada salga mal; no queremos decepcionar a nadie. Odio que alguien salga del cine y diga «uf, otra película argentina». Entiendo cómo es el medio y sé que los culpables somos nosotros, los directores, los productores, los que hemos hecho películas a espaldas del público. No digo que todas deban ser pochocleras; pueden ser herméticas, chiquitas y festivaleras, pero no les faltes el respeto. Hay que hacer bien las cosas, y uno debe ofrecerlo todo. La apuesta es grande: los chicos van a ir al cine, se van a colocar los anteojitos y van a disfrutar de una película 3D con todas las letras. Van a ver que los personajes salen de la pantalla en serio. A Gaturro lo van a sentir como un muñeco que uno puede abrazar y tocar."

Por Fabiana Scherer
fscherer@lanacion.com.ar

Paso a paso
"La animación requiere de un proceso de tres fases: una de preproducción, que implica el desarrollo de la historia, el diseño de los personajes y decorados, la elaboración del storyboard (desglose gráfico de lo que será la película) y del guión y el grabado de la voz; la producción -que implica la ejecución de las secuencias basadas en el storyboard-; y la posproducción, que incluye la unión de este material con la voz y los efectos de sonido y efectos especiales". Así resume Sergio Fernández, director de producción, el proceso del film, antes de develar las claves de un laborioso paso a paso.

1. "El primer gran paso es el guión y la concepción del diseño de la película. A partir de esto se empieza a elaborar el storyboard. En este caso, se trabajó en papel y, sobre todo, en la Cintiq Wacom (combinación de una LCD a color con un lápiz que permite a los animadores trabajar de manera directa sobre la superficie de la pantalla). Se plasma el guión, se dan tiempos entre un fotograma y otro, y se suma una pista de audio preliminar de manera sincronizada. Este proceso se conoce como Leica Reel (antiguamente se llamaba así porque hacía referencia a la lente alemana que se usaba) o Animatic. Es una previsualización que se realiza antes de que el verdadero proceso de animación comience. De esa manera se detectan las fallas en la duración de las escenas. Luego de su aprobación, se crea un nuevo animatic."

2. "El siguiente paso corre por cuenta del departamento de diseño. Allí se comienza a hacer un desglose de fondos, de objetos (vehículos, árboles) y de personajes. Además, se empieza a definir la estética del film. Los diseñadores aportan los modelos para cada personaje y para los demás elementos visuales, a fin de que sirvan de guía para los diversos artistas que intervienen. En ese caso, se realizaron modelos vivos (pequeñas esculturas) que ayudan a tener en cuenta el volumen y el modelo de los pelos. Al mismo tiempo se determinan los esquemas de colores a seguir."

3. "Comienza la etapa layout (boceto completo, lo que se va a ver). Aquí ya se determinan ángulos, luz, sombras y posiciones de cámara. En este caso, como se trata de 3D estereoscópico, son necesarias dos cámaras para registrar las imágenes para cada ojo. Este trabajo se esparce sobre el animatic y se comienza a unir partes, a dar continuidad a los personajes y a las acciones, y a establecer tiempos."

4. "Llegamos a la animación. Todo el trabajo anterior se divide entre India y Buenos Aires junto a la planilla del director con las indicaciones necesarias. Se hace un proceso de animación rústica (es lo que comúnmente se conoce como making off), se busca la aprobación del director y se entra en la última etapa."

5. "Ya con el material listo (incluidas las voces y la música grabada), el director viaja a México para trabajar en los efectos de sonido y la mezcla final."

De la India para el mundo
Varias son las razones por las que la India es famosa; una de ellas es por poseer una de las industrias cinematográficas más grandes del mundo. Sí, en la India, la producción de películas supera a Hollywood: por año se realizan más de mil films. No por nada se la conoce como Bollywood, un juego de palabras que proviene de Bombay + Hollywood y que se popularizó en los años 70.

Otro de los motivos es el "fenómeno de tercerización" en películas y series extranjeras que se realizan en colaboración con productoras, como el caso de Gaturro con Toonz Animation, el principal proveedor de servicios de animación (3D, 2D, digital y tradicional) para los productores más importantes de EE.UU. y Europa. La empresa, fundada en 1999, cuenta entre sus clientes con compañías de la talla de Marvel, Hallmark, Paramount, Disney, BBC y Cartoon Network.

El éxito de esta "externalización" de servicios de animación, software y mano de obra se debe, no sólo al trabajo de calidad que se ofrece, sino también al precio competitivo que consiguen las superproducciones, que según estimaciones pueden llegar a bajar el presupuesto hasta 25 millones de dólares. La liberación de la economía india hacia el exterior, tanto en el ámbito comercial como en el de inversión extranjera, a comienzos de los años 90, fue una de las causas del actual boom que experimenta este sector.

Si bien Toonz Animation comenzó a realizar sus propias películas animadas, básicamente desarrollan films cuyos argumentos, personajes y dirección de escenas llegan determinados por el cliente (en el caso de Gaturro, por la local Illusion Studios).

Recientemente, la publicación Animation Magazine eligió a Toonz como uno de los diez estudios multimedia más importantes del mundo. El estudio, ubicado en el parque tecnológico Technopark, en Trivandrum, cuenta con más de 500 artistas de distintas partes del mundo.

Gaturro también tendrá su estreno en India, pero en una versión medianamente modificada y adaptada por las diferencias culturales.

Mc Donald´s usa a Asterix y los franceses están indignados

2010-08-20T07:09:00.000-07:00

FUENTE: DIARIO LA NACION

Consideran la campaña publicitaria es un insulto a su herencia nacional; "¿Qué vendrá después?, ¿Tintín comiendo en Subway?", ironizó un blogger

PARIS (Reuters).- Un nuevo anuncio de Mc Donald´s con el héroe galo Asterix disfrutando de una hamburguesa y papas fritas ha generado molestia entre los seguidores acérrimos de la historieta francesa, que ven la publicidad como un insulto a su herencia nacional.

El anuncio muestra al temerario galo y sus amigos celebrando su tradicional banquete en un local de la cadena de comida rápida con Asuranceturix atado a un árbol afuera, como de costumbre.

"¿El héroe de mi niñez sacrificado como un jabalí?! ¿Qué vendrá después? ¿Tintín comiendo en Subway?", escribió un blogger horrorizado en una de las tantas críticas a la publicidad. "Qué irónico, los indomables galos haciendo un anuncio para los invasores", fue otro comentario molesto publicado en Twitter.

El anuncio es uno de los tres diseñados por la agencia de publicidad Euro RSCG para la campaña de Mc Donald´s "Ven como eres".

Los otros presentan a Cenicienta llegando a un Auto Mac en una calabaza y al asesino enmascarado de la película Scream devorando un Big Mac.

Mc Donald´s frecuentemente se convierte en el foco del sentimiento antiestadounidense en Francia y muchos creen que simboliza la amenaza a la cultura y cocina gala que representan la globalización y la comida chatarra.

Asterix, cuyas aventuras enfrentando a los invasores romanos fueron publicadas por primera vez en 1959, usualmente es visto como un emblema del espíritu rebelde de Francia. Junto con su jovial compañero Obelix, es uno de los personajes de historietas más queridos de Francia y sus libros han vendido unas 325 millones de copias a nivel mundial.

Esta no es la primera vez, sin embargo, en la que Asterix sucumbe a las fuerzas del capitalismo. En el 2001, Mc Donald´s empleó su imagen para reemplazar a Ronald McDonald en una campaña de marketing

SALIO EL DIBUJITO DE RICARDO FORT !

2010-08-12T15:08:00.000-07:00

EL TRAILER DE UNO DE LOS CAPITULOS DEL NUEVO DIBUJITO ANIMADO DE RICARDO FORT REALIZADO POR LA MISMA EMPRESA CREADORA DEL MONO MARIO !

VEREMOS CUANDO LLEGA A LA TELE.....Y CUANDO SALEN LOS JACKS DE RICARDO ? ! PLOP !

GEORGE LUCAS DONARA LA MITAD DE SU FORTUNA !

2010-08-09T09:38:00.001-07:00

Voy a dedicar la mayoría de mi riqueza a mejorar la educación. Es la clave para la supervivencia de la raza humana. Tenemos que planear para nuestro futuro colectivo, y el primer paso comienza con las herramientas sociales, emocionales e intelectuales que les proveemos a nuestros niños. Como seres humanos, nuestra mayor arma para la supervivencia es la habilidad de pensar y adaptarnos, como educadores, narradores de historia, y comunicadores, es nuestra responsabilidad continuar haciéndolo.

En la carta en la que Lucas explica su deseo de dar la mitad de su fortuna a la George Lucas Educational Foundation, también habla sobre la importancia de la tecnología en la educación: “A medida que cambia la tecnología, también cambian los estudiantes. También deben hacerlo las aulas, y con ellas nuestros métodos de enseñanza“.

The Giving Pledge es un proyecto que iniciaron Bill Gates y Warren Buffett a principios de este año, y que incentiva a multimillonarios norteamericanos a donar al menos el 50% (Buffet prometió un 99% de la suya) de sus fortunas, ya sea en vida, o luego de su muerte, a la entidad que elijan. Una idea bastante buena buena por parte de dos de las personas más adineradas del mundo.

Es bueno saber que George está aportando mucho más a las futuras generaciones que como aportó a la mía y a tantas otras con sus películas fantásticamente inspiradoras. Ahora cada vez que vea al horrendo Jar Jar Binks tal vez no lo odie tanto, pensando que las pilas de dinero que ayudó a generar al menos van a ir a un buena causa.

Vía: Geek Tyrant

Asterix todavía da pelea a los 50 !

2010-08-09T09:32:00.000-07:00

Cómic / Héroes galos

NOTA PUBLICADA EN DIARIO LA NACION

El universo del pequeño guerrero se nutre de una inveterada nostalgia por las viejas glorias nacionales. Mientras siga resistiéndose a César y a las legiones romanas, junto con el invencible Obelix, la antigua y valerosa Galia estará en pie, en el limbo del humor más querible

Por Armando Capalbo
Para LA NACION - Buenos Aires, 2010

El pequeño Asterix es el personaje de historieta más popular de todos los nacidos en Francia, junto con Tintín. Asterix apareció por primera vez el 29 de octubre de 1959 en la revista Pilote y su éxito fue casi instantáneo. Cuando salió el tercer álbum, Asterix y los godos (1963), la serie ya estaba siendo traducida a dieciocho idiomas modernos y, además, al latín.

La trama es conocida: el valeroso y audaz guerrero galo debe hacer frente a la permanente amenaza de invasión de los romanos, que quieren apoderarse del único rincón de la Galia que todavía no han podido ocupar. La acción transcurre medio siglo antes del nacimiento de Cristo. Para los lectores más pequeños constituye siempre un desafío, y también un disfrute, develar los juegos de palabras y de sonidos presentes en casi todos los nombres propios de los personajes de la serie, como los del pescadero Ordenalfabétix, el perro Ideafix y el anciano Edadepiedrix.

Los autores, los franceses Albert Uderzo y René Goscinny, dijeron muchas veces que su creación había tenido como pilar la parodia del pasado y del presente en irónica y singular amalgama, así como una suave pero afilada mirada burlona sobre celebridades de todos los tiempos.

La aventura, los viajes y las batallas se concentran en el exotismo de recrear una era clásica, definitivamente perdida pero risueñamente recuperada, como si Francia y la antigua Galia se imbricaran en un país perenne, de humor nostálgico y de resistencia sin tregua.

La llamada tendencia franco-belga, linaje historietístico en el que se acomoda Asterix , comenzó a mediados de la década de 1920, con el dibujante Alain de Saint-Ogan (1895-1974), el creador de Zig et Puce , dos niños traviesos y aventureros que durante algún tiempo brillaron como los únicos depositarios europeos de las técnicas que definirían el cómic moderno. Los historiadores del género apuntan que, a partir de Saint-Ogan, la historieta de habla francesa, tanto en su vertiente infantil como en la juvenil, se abocaría a una burla sutil de las instituciones, por ejemplo, a la torpeza de las fuerzas de seguridad, a la corrupción de la justicia y, en menor medida, a la incoherencia de los adultos ante el mundo imaginario de los niños.

Para la década siguiente, la kid strip en francés contaba también con el periodista adolescente y aventurero Tintín, del belga Georges Remi, conocido como Hergé (1907-1983), y con el célebre semanario Spirou , donde se recreaba al personaje homónimo de Rob-Vel (Robert Velter), un gracioso camarero de hotel. Como revista y semillero, Spirou fue el punto de partida para la primera gran renovación de la tendencia franco-belga, a través de artistas como Joseph Gilain y Maurice de Bévère (1923 -2001), más conocido como Morris, el creador de una serie todavía hoy popular: Lucky Luke .

Un precursor de Asterix, en los años 40, fue el belga Alix l´Intrépide, también un antiguo galo combativo, pero menos interesado en el César, debido al arte de Jacques Martin. El suceso de Tintín en esa década, aunque brevemente interrumpido por los problemas que generó la Segunda Guerra Mundial, se afianzó con el vuelco temático de Hergé hacia lo que él denominó "la aventura por la aventura misma". Se alejó entonces de los temas ríspidos, como el colonialismo o la impugnación de regímenes totalitarios ( Tintín en el Congo , Tintín en el país de los soviets ). La aventura irreverente de Hergé ( El cetro de Ottokar , La isla negra , Las siete bolas de cristal , El templo del sol ) transformó para siempre la tendencia franco-belga y fue una definitiva inspiración para la futura y desenfrenada Galia heroica de Asterix. En El cetro de Ottokar y en El templo del sol ya están los guiños cómplices que invitan a leer el presente desde el pasado y la ironía sobre culturas actuales y remotas que tanto instrumentarían luego los autores de Asterix .

René Goscinny, uno de los primeros guionistas de Lucky Luke , nació en 1926 en París. Con su familia, emigró a los dos años a la Argentina, donde vivió hasta 1945, cuando marchó a Nueva York para intentar suerte en el mundo historietístico estadounidense, fuertemente dominado, para esa época, por los "sindicatos" de producción de cómics. La Argentina y Estados Unidos significaron un importante impulso creativo para Goscinny. De vuelta en Francia en 1950, ya convertido en guionista de la revista Spirou , se unió al dibujante Albert Uderzo (1927) y fundó, junto con Jean-Michel Charlier, la revista semanal Pilote , financiada por George Dargaud, dueño de la editorial homónima. Esa revista fue un verdadero laboratorio de los nuevos talentos franceses y belgas de los años 60. Fue Dargaud el que instó a Goscinny y a Uderzo a crear un personaje de identidad histórica francesa, en el que se combinaran la diversión y la cultura. Asterix el Galo cobró entidad y rápida popularidad. La competencia era grande porque triunfaban en aquel momento las series Las aventuras de Michel Tanguy , de Charlier; Les Schtroumpfs ( Los Pitufos ), del belga Peyo, y Michel Vaillant, el piloto , de Jean Graton, además del éxito sostenido de Lucky Luke y del eterno Tintín.

Nacido de la reunión de lo heroico y lo paródico, Asterix se propuso desde un principio mostrar el costado gracioso de lo épico y la vertiente burlona de la peripecia y la hazaña históricas. En el origen de la trama reina una tensión detenida en el tiempo: la feroz adversidad de resistir al invasor romano en una Galia casi totalmente ocupada, con excepción de la aldea de Asterix, un poblado precario que magnifica la resistencia heroica, la habilidad, la estrategia, aunque también la improvisación. Los antiguos galos están recreados a partir de la paradoja misma, empezando por el propio Asterix, pequeño pero invencible, y por su inseparable compañero Obelix, síntesis de energía y desparpajo (e inspirado, según algunos, en Upa, el hermano menor de Patoruzú, del célebre dibujante argentino Dante Quinterno). Los romanos, a pesar de su superioridad y su poder, están atrapados en la torpeza, el error de cálculo y la ingenuidad. Por una razón u otra, los galos vencen y festejan con voluptuosos banquetes. Los ayudan la magia, la sorpresa, las alianzas impensables y, a veces, la imponderable casualidad. El responsable de la magia es el druida Panoramix, un brujo respetable que puede convocar poderes ocultos y preparar pociones milagrosas: los guerreros galos, beneficiados por el brujo, se convierten en invencibles, por lo menos para las siempre atribuladas legiones del César. Incluso el obeso jefe Abraracurcix se debate entre la lógica y el disparate, menospreciando el poder romano y engolosinándose por los triunfos provisionales. Triunfos que no deberían ser cantados por el vate Asuranceturix, ridiculizado por su voz, apreciado por su inventiva pero, definitivamente, desautorizado en su rol de poeta de las batallas y los triunfos, en la medida en que el verdadero relato, el que se ríe de la guerra y de la historia es el cómic mismo, con sus verdaderos bardos, Goscinny y Uderzo.

René Goscinny murió prematuramente en 1977, debido a un viejo problema cardíaco. El que podría haber sido el desafío máximo para el pequeño Asterix se convirtió, en los hechos, en una nueva y atractiva etapa de su larga serie. Albert Uderzo asumió guiones y dibujos al mismo tiempo. Los nostálgicos del humor inteligente y disparatado de Goscinny desdeñaron (injustamente) algunos álbumes como El hijo de Asterix (1983) o Asterix en la India (1987), y entronizaron como relatos memorables e irrepetibles a Asterix en los Juegos Olímpicos , Asterix y Cleopatra y Asterix y los normandos , de los años 60. En realidad, la impronta de las narrativas dibujadas de esa década sería irrepetible, no tanto por la condición única o excepcional de sus mejores textos sino más bien por el entusiasmo de la intelligentzia francesa por el género.

Los estudios de Francis Lacassin, los artículos del Magazine Littéraire y los empeños de Alain Resnais en esa época valorizaron los lenguajes y las estéticas historietísticas y habilitaron gran parte de la proyección universitaria con la que hoy se investiga el cómic. En la década siguiente, en España, sobre todo a través de Román Gubern, se afirmó la intención intelectual y ensayística en el tratamiento histórico del mundo de la historieta.

En soledad, Albert Uderzo se permitió innovar, incluso forzando la psicología de los personajes, territorio antes excluyente de Goscinny. El humor de Uderzo explora, en particular, la gracia de la inverosimilitud y se extiende hacia nuevas posibilidades de la paradoja temporal. Si el Asterix de Uderzo se topa con personajes demasiado imposibles para la era de la conquista romana de la Galia, es porque su confianza en el lector trasciende el universo reglamentado de la tradición que él mismo instaló con Goscinny.

De pronto, Asterix se convierte en una lente deformante que atraviesa las edades y se empecina en encontrar significados transtemporales en la pequeña anécdota de un grupo irreductible de galos que combate contra las legiones romanas. Uderzo potenció como nunca el efecto humorístico -instalado antes por Goscinny- de burlarse de la mentalidad de la clase media, así como de las características idiosincrásicas de los pueblos, desde luego, en la exageración de la caricatura. La pulcra y modosa flema inglesa es casi tan risible como el melodramatismo español. Los romanos de ayer anticipan el apasionamiento y el bullicio de los italianos contemporáneos. Los antiguos belgas demuestran la misma afición por la rutina burguesa que los actuales. Los fenicios adelantan el mercantilismo impiadoso de nuestra época y los godos son una máscara de la Alemania militarizada de la primera mitad del siglo XX. De forma tal que cincuenta años antes del nacimiento de Jesucristo y en medio de la feroz ocupación de la Galia, los habitantes de la aldea de Asterix y Obelix padecen los mismos sinsabores que el europeo del presente.

Aunque se les ha criticado cierto chovinismo -primero a Goscinny y después a Uderzo, quizás, en un principio, por la declamada devoción de Charles de Gaulle por la serie-, la perspectiva francesa de Asterix busca todo el tiempo una complicidad transnacional con el lector. El patriotismo galo es una irónica metáfora de la elocuente defensa francesa por sus tradiciones y sus características, así como la resistencia de la aldea es un homenaje permanente a la Resistencia del tiempo de la ocupación nazi.

Mucho más que anacronismos, los de Goscinny y Uderzo son chistes e ironías transtemporales: si las caricaturas de Napoleón y Jacques Chirac pueden convivir, como las de John Lennon y Sylvester Stallone o las de Bismarck y Churchill, es porque Asterix remoza el conocido recurso de la paradoja de los tiempos, característico de la ciencia ficción. Este recurso se apoya en una convergencia del pasado con el presente en pos de recuperar la historia con cierta pedagogía y utilizarla como parámetro de contraste que aspira, sutilmente, no sólo a remedar la era contemporánea sino también a burlarse de la visión academicista y heroica del acartonado relato histórico convencional.

Ésta es la verdadera cima de la risa inteligente de Asterix , que se resuelve siempre en clave y que se enlaza hábilmente con la broma a partir de los estereotipos. Por ejemplo, la ingenuidad de la fuerza bruta de Obelix o la inconsciente bizarría del pequeño Asterix ante desafíos que fácilmente lo derrotarían sugieren una permanente humorada del relato bíblico de David y Goliat. En la serie, los corsos son pendencieros; los griegos, prolíficos; los suizos están obsesionados por la puntualidad, los belgas tienen debilidad por las papas fritas y los egipcios recuerdan a los personajes de Aída , de Verdi. Pero es Julio César, un personaje recurrente, el motivo del humor más ácido: la síntesis entre autoritarismo y estupidez, entre pedantería e impunidad le cabe a un importante número de líderes políticos de nuestra época.

Recientemente, Uderzo publicó un álbum especial a propósito del medio siglo de la serie. Allí aparecen textos inéditos de Goscinny y retornan personajes de antiguas historietas de la colección para felicitar y ensalzar a sus protagonistas. El dibujante y guionista aseguró a sus admiradores que seguirá creando historietas de Asterix mientras siga teniendo buenas ideas, pero desestimó por completo una posible continuidad del personaje después de su muerte. Imitó, de esta forma, la decisión que en su momento tomó Hergé respecto de Tintín.

Madrid, París y Bruselas son algunas de las ciudades que festejaron los 50 años del galo intemporal a través de distintos homenajes, pero Internet es ahora el espacio que el pequeño guerrero ha conquistado definitivamente: infinidad de sitios reaniman sus dibujos, comentan sus hazañas y testimonian una indeclinable admiración. Antes aun de este emblemático aniversario, un renovado impulso por Asterix se expandió por todo el mundo a partir de los films en los que el célebre actor Gérard Depardieu interpretó con impagable simpatía al grandote Obelix: Asterix y Obelix contra el César (1999), Asterix y Obelix: misión Cleopatra (2006) y Asterix en los Juegos Olímpicos (2008).

© LA NACION

VUELVE COMIQUEANDO A LOS KIOSCOS !

2010-08-04T17:25:00.000-07:00

EXCELENTE NOTICIA AMIGOS ! VUELVE A LOS KIOSCOS LA MEJOR REVISTA DE INFORMACION SOBRE COMICS DE LA ARGENTINA !

Salió Comiqueando Extra!
Después de 14 meses de ausencia, la clásica revista que acompaña a los fans del comic y la animación desde 1994 está de vuelta. Infaltable para los amantes de la historieta, a partir del Lunes de de Agosto estará en kioscos de diarios y revistas y en las mejores comiquerías del país.

SECCIONES

EN EL SALON DE LA JUSTICIA…. Por Fede Velasco.
DESDE ADENTRO. Por Ann Nocenti.
VUELTALMUNDO: Paraguay. Por Javier Hildebrandt.

NOTAS
EL COMIC YANKI DE LOS ‘90
No tiene un nombre copado y ganchero como las otras “edades” del comic yanki, pero sí tiene muchísimos fenómenos interesantes para analizar. Tantos, que se convirtió en la nota más larga de la historia de la Comiqueando. Hallazgos y bochornos, éxitos y fracasos, títulos indispensables y basura radioactiva, bajo la lupa de Andrés Accorsi, Diego Accorsi, Martín Casanova, Martín Fernández Cruz, Javier Hildebrandt, Hernán Khatchadourian y Fede Velasco. Un documento fundamental.

ADELE BLANC-SEC
La heroína creada por el legendario Jacques Tardi, que lleva casi 35 años enredada en bizarras tramas rocambolescas, acaba de llegar a la pantalla grande. Fabio Blanco viaja a la Europa de la Belle Epoque para investigar todo sobre esta dura aventurera, chica de armas tomar. Imperdible.

ENTREVISTA A MAURO CASCIOLI
No fue fácil, pero salió. El niño prodigio que a los 15 años rompiera todo en Cazador hoy es un adulto, y además un dibujante excepcional, cuyo arte puede disfrutarse en historietas y portadas de DC. Andrés Accorsi y Fede Velasco charlaron con él de absolutamente todo.

MOBILE SUIT GUNDAM
Icono fundamental del animé de robots, esta saga originada a fines de los ’70 se reinventa permanentemene para deleite de sus millones de fans. Andrea Vega repasa las historias de todas las pelis, los OVAs y las series de todas las épocas y todas las continuidades en un informe completísimo.

COMIX TRIP
Con historietas de J.J. Rovella, Ariel López V., Mauro Mantella, Mauro Lirussi, Germán Moretto y Rodrigo Verdún.

Todo esto, más unos cuantos avisos, por sólo $ 12.90, cortesía de Freakshow Press