jueves, 23 de diciembre de 2010

"Volver al futuro" ya tiene su nuevo juego para PC





Basado en la exitosa saga de Robert Zemeckis, sale al mercado el primer episodio del juego para computadora.
"Volver al futuro" regresa al mercado, aunque esta vez en versión videojuego. La empresa creadora Telltale Games anunció que lanzará el primer episodio para PC.


Para la realización del juego se contó con el guionista de la trilogía cinematográfica, Bob Gale, y el actor Christopher Lloyd, que le puso voz al doctor Emmet Brown.

El nombre del primer episodio es It’s About Time(Ya era hora) y su trama se basa en las aventuras de Marty McFly, quien se reunirá con el Doc, que fue víctima de un complot y se encuentra atrapado en el pasado.

Además, habrá más entregas –cinco en total-. El segundo episodio se podrá conseguir en febrero, y así sucesivamente en los meses de marzo, abril y mayo. También, se esperan las versiones para PlayStation 3 y iPad.

  • Telltale Gamesexplicó que todos aquellos que compren los juegos en su tienda, obtendrán un DVD Edición de Coleccionistas con la totalidad de los capìtulos.

miércoles, 15 de diciembre de 2010

Tron: el legado

ASI ERA LA PRIMER PELICULA DEL AÑO 1982.......EXCELENTE PELICULA !



TRAILER DE LA PELICULA VERSION 2010





A JUGAR... Y PELEAR LOS PROTAGONISTAS SE ENFRENTAN MONTADOS EN MOTOS Y LANZANDO DISCOS LUMINOSOS EN ESTA SUPERPRODUCCIÓN DE DISNEY.



Tron: el legado

Batalla virtual: La secuela de un filme de culto. En 1982 se estrenaba “Tron”, donde la realidad virtual de un videojuego era terreno frondoso para las nuevas tecnologías. Ahora llega la continuación, también con Jeff Bridges atrapado en un mundo digital, con un clon... y su hijo tratando de salvarlo. Se estrena el jueves.


Tron: Legacy J eff Bridges tenia 32 años cuando protagonizó Tron , en 1982, una película que costó 17 millones de dólares, recaudó 33 e inspiró al actual jefe de animación de Disney, John Lasseter (director de Toy Story ), a crear toda la imaginería generada por computación que suele sacudirnos la cabeza en estos días. El actor interpretaba a un ingeniero de software, Kevin Flynn, quien se introducía como hacker en un programa computado, toda una novedad para la época. La película no fue un éxito de taquilla, pero generó un culto, tuvo su videojuego, su propio programa de televisión y ahora tiene su secuela, Tron: el legado , que en la Argentina se estrena el jueves, un día antes que en los Estados Unidos.



Jeff Bridges dice que dudó cuando lo invitaron a formar parte de esta segunda parte. Recuerda haberse preguntado qué podría agregar él, a su edad, a una aventura en 3D en un mundo digital poblada de efectos especiales. Y asegura que terminó aceptando una vez que se subió a bordo Steven Lisberger, el creador y director de la primera, que aquí es consultor del nobel Joseph Kosinski. Y con eso le hizo un favor a la película y a sus muchos seguidores que lo vieron el año pasado, a los 60, agradecer por primera vez un Oscar gracias a su interpretación de un músico en Loco corazón .



Las jóvenes generaciones seguramente van a disfrutar más de las escenas de acción protagonizadas por el elenco joven, especialmente Garrett Hedlund (Sam Flynn) y la bella Olivia Wilde (Quorra), a quienes se verá peleando como gladiadores arrojando discos luminosos hechos con 134 luces LED, a bordo de las motos luminosas o Lightcycles, usadas para manejar sobre los haces luminosos de esta realidad virtual y que diseñadas por el futurista alemán Daniel Simon en base a los dibujos originales de Syd Mead ahora cubren al conductor convirtiéndolo en uno con el gadget.



La tecnología en 3D de Tron: El legado fue desarrollada después de Avatar y dicen sus creadores que no hay nada que la supere por el momento. Pero los admiradores de Bridges y en especial los fans de la Tron original encontrarán mas que interesante no sólo verlo hablar con un clon más joven, Clue, hecho a su imagen y semejanza por los mismos artistas que rejuvenecieron a Brad Piitt en El curioso caso de Benjamin Button , sino también encontrar que su personaje ha crecido y se ha hecho budista. “Un hippie en Silicon Valley”, lo llama Lisberger.



“Dudé mucho antes de aceptar, más de lo habitual, pero luego entendí que debía agregarle una noción de mito moderno a la película, que no fueran sólo efectos especiales. Me gusta la idea de que explore qué es lo que está pasando con la tecnología ahora, y cómo vamos a surfear esas aguas, si para el bien o para el mal”, dice Bridges en los mismos estudios de Venice Beach donde se trabajó en la digitalización de los personajes. Cuenta que es muy amigo de un maestro zen, Bernie Glassman, y que lo llevó de consultor. “El me ayudó a entender el viaje de Kevin Flynn. Imaginarme a este hombre que ha estado atrapado en este universo virtual por 20 años, metido adentro de una computadora, en medio de lo absoluto, creando programas a su imagen y semejanza, como Clue, que luego se le vuelve en contra. La idea detrás es que podés ser un prisionero de tus preferencias y hasta un esclavo si te descuidás. Y eso le pasa a Kevin hasta que viene su hijo Sam a salvarlo”.



Es entrenido escucharle contar cómo era aquel primer rodaje, en los ‘80. “Filmábamos en blanco y negro y el trabajo lo completaban luego unas mujeres en Korea... Teníamos mallas blancas pegadas al cuerpo... En el set se pegaba cinta adhesiva blanca para armar los haces de luces del grid”. Ahora casi no hay set, aunque el director es arquitecto y creó algunos especialmente en la “casa” blanca de Flynn, y eso lo descoloca más que a los actores más jóvenes, acostumbrados a las pantallas verdes y al CGI. “Ya no hablo de no tener set, hablo de que ahora trabajás en una habitación pintada de verde y que en vez de cámaras hay cientos de sensores que te apuntan. Y estás otra vez con la malla, pero con puntos sobre el cuerpo y tu cara”. “¡¡¡Filman sin cámaras!!!”, se asombra Bridges.



Su clon es generado por la más pura tecnología y requiere de un actor que ofrece el cuerpo de un joven Kevin Flynn y de un Bridges con casco lleno de puntos que dibujan su rostro en una pantalla de computadora. El resultado es asombroso, un rejuvenecimiento sin botox muy parecido al original.



“Pronto van a poder unir a dos actores, por ejemplo a mí y a Bruce Boxleitner (que también estuvo en la original) y agregarle una dosis de Marlon Brando y crear un personaje nuevo. Es muy loco”, acota Bridges. Su presencia fue vital para la secuela, coinciden sus creadores. “Sin él no hubiéramos podido tener la continuidad del personaje, su conflicto, sinceramente no creo que esta película se hubiera hecho sin Jeff. El desnuda su alma, acepta unos primeros planos agresivos, tiene un coraje único, no hay otro actor de su calibre”, reconoce Lisberger

Biografía de una ambigüedad: una audaz novela gráfica sobre Carlos Gardel

Se discute dónde nació, su sexualidad y su inscripción política. Gardel, como una manera de buscar nuestra identidad.



PorPatricia Kolesnicov







No hay caso, en el Carlos Gardel que dibujaron y escribieron juntos José Muñoz (1942) y Carlos Sampayo (1943), no hay manera de que Carlos Gardel se quiera ir a dormir con una mujer. Ni con un varón: amigos, farra, caballos, eso es lo que le interesa. Y no el amor, salvo el de la vieja.



No hay, tampoco, definiciones políticas: un día Gardel visita al socialista Alfredo Palacios, un día canta para un intendente conservador de Avellaneda llamado Castelló (guiño a Barceló) mientras afuera “sus matones asesinaban a tres anarquistas”.



¿Quiere decir que Gardel estuvo metido en hechos delictivos, oiga? –pregunta uno de los personajes.



Quiero decir que también cantó para asesinos de obreros.



–contesta otro.



¿Acaso este libro – Carlos Gardel. La voz del Río de la Plata– es una biografía dibujada, acaso trae nuevas revelaciones sobre la vida del zorzal? No, dicen sus autores: es ficción. Por un lado, un ojo puesto en la discusión sobre la identidad argentina, con Gardel como ícono de esa identidad. Por otro lado, “nuestra opinión sobre la absoluta belleza de la voz de Gardel”. Y en los costaditos, en las manchas de tinta sobre los adoquines, una nostalgia: Muñoz y Sampayo se fueron al exilio hace mil años y todavía –y siempre, “por ahora”– viven en Europa. “Me fui en 1977, en una Buenos Aires a medio camino entre la de Gardel y la de hoy”, dice Muñoz a Clarín , en un encuentro en Alemania, donde está con su coequiper. “Yo sería un fragmento de una Buenos Aires que ya se acabó pero sigue viviendo en parajes lejanos”.



Muñoz y Sampayo son dos de los grandes de la novela gráfica, dos grandes “made in Argentina”. Juntos, crearon el personaje de Alack Sinner, hicieron una novela gráfica sobre Billie Holiday, y publicaron, entre muchos otros libros, Sudor sudaca , Tango y milonga y Europa en llamas .



Y ahora se meten con Gardel, para Libros del Zorro Rojo, una editorial de Barcelona que tiene su corazoncito argentino.



La novela arranca con una discusión en un programa de televisión que busca al argentino ideal y que se llama “Tiroteo amistoso” . Ahí se trenzan un conservador gardeliano y un intelectual, al que por supuesto la platea acusará de “comunista” y “puto”.



Muñoz y Sampayo hablan juntos, completándose las ideas; no es difícil imaginar como trabajan.



No se trata solamente de la ambigüedad sexual de Gardel –dice Sampayo– sino de su ambigüedad en general. Está lo sexual pero también lo político. Y como cantor de tango.



Gardel, el francesito, viene disfrazado de gauchito desde el fondo de la pampa, luego se va al espacio internacional, quiere ser Maurice Chevallier, va trasladando su identidad. Es argentino eso –dice Muñoz–, las identidades son como disfraces, uno se las saca, se las pone...



Identidades, formas de ser, formas de mirarse –”soy un mirador”, dirá Muñoz en un rato– recorren el libro. Lo recorren sin piedad: “Hay que estar bien con la gente” , dice Gardel, para justificar su actuación frente al caudillo.



“Ese tema me interesa, el del acomodaticio nacional” , comenta el intelectual de la discusión.



“No estoy acusando a Gardel” –explica el intelectual, como si llevara la voz de los autores– “sino señalando la santificación que se hace de él, como es costumbre en este país de santas y santos” .



La preocupación por santidades y fanatismos cruza esta novela. Hacia el final, y a medida que los ánimos se caldean, alguien en el set advierte que Gardel “murió hace muchos años” pero la pelea se desata y entre los gritos se oye, claro, “¡Gardel!” , pero también “¡Perón!” , “¡Fidel!” “¡Evita santa!” , “¡Borges tanguero llorón!” y hasta “¡Carlitos Menem carajo!” “No hemos pretendido desmontar un mito ni darle forma a uno nuevo a través de datos que, en realidad, son producto de nuestra fantasía”, dicen los autores en el prólogo. No es un nuevo mito. Se trata –dice Muñoz en Alemania– “de volver a soñar un sueño soñado por otros”.



Así, en el libro –completa Sampayo– “Gardel es protagonista sólo como un actor puede ser protagonista de una película sobre Gardel. Trabaja de Carlos Gardel”.



De a ratos lo es– dice/discute José Muñoz.



Sólo cuando el punto de vista es el de quien quiere ser Gardel.



¿De dónde salieron los comentarios que aparecen sobre Gardel, las anécdotas, los puntos de vista? Son diálogos –dice Muñoz– que escuchamos entre distintos fanáticos. Hablaban del Gardel conservador, del que tenía una gran vida sexual secreta, de la falta completa de vida sexual... Con ese material delírico , con la gente que estuvo cerca de Gardel, con los libros, con todo esto hicimos este libro.



Lo que se representa –dice Sampayo– está transmitido por un medio. Eso después es material de archivo, que usamos como soporte anecdótico. Sabemos de las visitas de Gardel a Barceló y a Alfredo Palacios, pero no sabemos de qué hablaron.



Con respeto –dice Muñoz– con respiración, con ganas de contar algo: acá lo que hay es un vuelo, un tango dibujado .



Con respeto, con humor también: Gardel vuelve a Buenos Aires, baja del barco: “ A mi casa, a ver a mi querida viejita” , dice. “ Che, hablá normal, que no estás en una película” , se burla su interlocutor.



Muñoz y Sampayo trabajan certezas y rumores y los ponen en duda: ¿Gardel cantó “Rubias de New York” con Duke Ellington o sólo se lo cruzó en un ascensor? ¿Lo quería su novia? ¿El creía en su amor o pensaba que iba detrás delvil metal? “La gente quiere saber la verdad”, dice Muñoz. “Después la encontrás y arreglátelas (él dice ‘arreglatelás’ )”. Así que Muñoz, el dibujante, quiere otra cosa: “Quiero mentir. Pero quiero que, en el papel, cada nariz respire, cada ojo mire, cada sonrisa sonría”.



No es la verdad biográfica, ya lo dijeron. Es una mirada sobre Gardel mirado por otros para ver qué vemos de nosotros mismos. Algo así parece proponer esta novela gráfica que desembarcó hace días en la librerías argentinas.



Pero aunque quieran usarlo de espejo y aunque en el libro mismo abran una colección de paraguas, Muñoz y Sampayo saben que se están metiendo con uno de los personajes más queridos del país y por eso dicen, en la “advertencia preliminar” que este trabajo no es una interpretación sino “un acto artístico”. Y en la lista de personajes imaginarios que aparecen incluyen a Carlos Gardel.

Los Piratas del Caribe acechan de nuevo

CineImágenes DE REGRESO A LAS AGUAS Sparrow sale en busca de la Fuente de la Juventud.







Se dieron a conocer las primeras imágenes del filme, protagonizado por Johnny Depp y Penélope Cruz, que se estrenará en mayo. El lunes, el trailer.

Piratas del Caribe Penélope Cruz Johnny Depp Faltan más de cinco meses para el “desembarco” de la cuarta parte de Piratas del Caribe -que llevará como subtítulo Navegando aguas misteriosas y se estrenará en la Argentina el 19 de mayo, un día antes que en los Estados Unidos-, pero ya las primeras olas están arribando a las costas de todo el mundo.


Ayer fue el turno de la difusión de las primeras imágenes del filme, que tiene como director a Rob Marshall (Chicago), en lugar de Gore Verbinski, que hizo las tres primeras partes, y el lunes llegará a todo el mundo el trailer del filme online, que luego será incluido antes de las funciones de Tron: el legado, que se estrena el jueves 16 aquí.


Ya sin Orlando Bloom ni Keira Knightley (que declinaron participar en este episodio), Piratas del Caribe IV tiene como protagonistas a la gran estrella de la saga, Johnny Depp, que regresa a su ya mítico rol del Capitán Jack Sparrow. El elenco del filme lo completan Geoffrey Rush (que vuelve a encarnar al Capitán Barbossa), Penélope Cruz, Ian Mc Shane, Kevin McNally, Gemma Ward, Judi Dench y el retornado Keith Richards, que vuelve a encarnar al padre de Depp/Sparrow.


En esta cuarta entrega de la exitosa saga de Disney, Sparrow se cruza con una mujer de su pasado (Cruz) y no está seguro si ha vuelto el amor o si ella lo está usando con el fin de encontrar la mítica Fuente de la Juventud. Ella lo fuerza a subirse al barco de su padre, el temible Barbanegra (McShane) y, una vez allí, Jack no sabrá quienes están de su lado y quienes son sus enemigos, mientras viajan con rumbo incierto y desconocido.


Navegando aguas misteriosas es el primer filme de la saga que fue rodado enteramente en 3D y se estrenará en ambas versiones en todo el mundo.

TELEVISION: LA CAMADA QUE LLEGO LUEGO DE "LAS CHICAS SUPERPODEROSAS"

de diario Clarin


Nuevas heroínas animadas... a todo





Las hay brujas, guerreras, buenas y ladronas. Mansas y atrevidas. La flamante generación femenina de criaturas animadas ofrece opciones para todos los gustos. Aquí, una guía sobre quién es quién en el cable.



Pasaron el power flower, la revolución social y el feminismo. Tras la caída del muro de Berlín, el grunge a lo Kurt Cobain resultó un tanto radical. El futuro de la humanidad pasó a manos de la ingeniería genética, mientras que las ciencias duras se abocaron a revisar el pasado desde la llamada "teoría de la incertidumbre". Por entonces, Ciudad Gótica pasó a ser Saltadilla, el rocanroll cedió su trono a la levedad del pop y los superhéroes musculosos fueron humillados por tres simpáticos errores de laboratorio. Corrección: "simpáticas", porque eran niñas y a todo color.



A fin del siglo pasado, la popularidad inusitada de Las chicas superpoderosas estimuló la cadena productiva que, desde entonces, viene cargando la pantalla con nuevas heroínas de voz aflautada. En poco tiempo, Burbuja, Bellota y Bombón se convirtieron en precursoras de una nueva generación de criaturas excepcionales.



Cartoon Network estrena Vida y obra de Juniper Lee. Juniper tiene 11 años y, en apariencia, lleva una vida normal. Asiste a la escuela, obtiene buenas calificaciones, toma clases de guitarra y soporta, a duras penas, los desenfrenos de su hermanito menor. Sin embargo, tal como reza el manual de los héroes post-Star War, Juniper también posee un "lado oscuro". Se trata de un legado familiar milenario que le impone quehaceres un tanto estrambóticos. Es que la familia Lee es Te Xuan Ze (lo que quiere decir, "Protector") y tiene a su cargo la misión de equilibrar el mundo real con los elementos mágicos. Con esta herencia en la mochila, amparada en la sabiduría de la abuela Nana y en la inteligencia de Monroe (su mascota), pero sobre todo en su propia fuerza, ella cumple con el honorable designio.



Claro que la extraordinaria debutante no está sola en el cuadro de honor de las superheroínas occidentales. La precedieron, entre otras, Betty Atómica, Kim Possible y Ginger, tres variantes singulares de la especie.



De pelo rojo y ojazos verdes, Betty es la versión siglo XXI de Judy Jetson. Habita en los suburbios, el glamour la tiene sin cuidado y responde a las órdenes de un almirante con cara de salmón. Alterna la "vida real" con aventuras en el espacio donde, a menudo, enfrenta la maldad de unos tontos freaks intergalácticos. Por su parte, Kim experimenta un placer especial por el peligro. Luciendo pantalones carpintero, remera negra y borceguíes, se excita cuando hace fracasar los planes de Drake (un villano parecido a Frankenstein, con uniforme prusiano). Ginger, en cambio, no tiene ningún poder sobrenatural. Su caso es el del "héroe anónimo" que se abre paso en la jungla escolar.



A un costado las diferencias, acaso sean significativas las contingencias comunes en estas historias. Con diverso grado de perplejidad y celebración, en la mayoría se explora el deterioro del planeta, el uso de ADN en experimentos de clonación, el consumo de comida basura, las nuevas herramientas tecnológicas, la ausencia de modelos paternales y la soledad, incluso moral, en la que hacen pie estas niñas.







Que las hay, las hay



Proveniente de galaxias que no figuran en mapa alguno, este último año se apoderó de la pantalla una dotación alborotada de brujas infanto-juveniles. Jetix, Nickelodeon y Cartoon Network tienen su propia avanzada que replicó en innumerables mercancías para adolescentes, mientras que sus aventuras se deliberan en renovados foros cibernéticos.



Aunque mantienen una estricta apariencia humana, es evidente que las protagonistas de W.I.T.C.H., de Trollz y de El club Winx mezclan características del animé y del dibujo tradicional. En este sentido, las figuras combinan ojos enormes con indumentaria occidental (jeans, minifaldas, zapatillas) o el cabello de colores y cortes estrafalarios. Por supuesto, tratándose de hechiceras, sus atributos son extraordinarios y van desde la teletransportación a la realización de conjuros, el dominio del mundo real y la sabiduría cósmica. Como ejemplo, basta repasar a las cinco brujitas de W.I.T.C.H. Will lidera el quinteto y la Naturaleza le provee la energía necesaria para templar un carácter indómito que conserva la magia de los cuatro elementos: aire, tierra, agua y fuego. Irma es capaz de manipular las fuerzas oceánicas y de generar olas a su gusto. Taranee domina el fuego, en tanto Cornelia controla la energía terrestre (puede mover objetos y abrir agujeros en el hormigón). Por último, Hay Lin es la única que puede volar, lo que le otorga la potestad sobre el aire y las corrientes.



Con un fuerte contenido fantástico, estas series no pasan por alto que algo en el mundo de los adultos requiere reparación permanente y un enorme valor para cumplir la hazaña.







Mayores de edad



Algunas exponentes de la nueva generación de heroínas tuvieron su origen en la PC. Es el caso de Carmen San Diego, sofisticada ladrona internacional contemporánea del diskette flexible (antepasado más remoto del CD). Sus creadores realizaron una adecuada "traducción" de las alternativas del juego a la lógica de la TV.



Enfundada en una gabardina colorada, con un sombrero de ala ancha del mismo color que le tapa la cara, Carmen vuela de un lado a otro del planeta, en busca de tesoros nacionales bien guardados. La bella mujer se mueve como un pez en el agua a través de ruinas arqueológicas, museos y galerías de arte. Le siguen los pasos dos detectives que hacen las veces del "jugador" a quien solicitan información extra cada vez que el enigma lo requiere. En ese caso, tal como en el videogame, se abren pantallas con opciones que ponen a prueba la sagacidad de los perseguidores.



Atribuladas, tenaces y provistas de una belleza cautivante, las heroínas de Vandread son sólo aptas para espíritus sensibles. La historia transcurre en un futuro en el que varones y mujeres separaron sus mundos físicos, entablando una guerra intergaláctica entre ambos, de la que participan alienígeneas y máquinas inteligentes.



Combinando técnicas de animación en 2D y 3D, Vandread explora con crudeza el ardor del deseo y la vulnerabilidad emocional de la mujer. De alto contenido poético (en términos argumentales y visuales), Vandread pone en clave de oscura ficción futurista el tópico de la búsqueda de la felicidad.



Pequeñas, medianas o grandes (en edad, recursos y regalías), con ojos rasgados o denodadamente abiertos, las nuevas heroínas de la televisión no sólo acapararon la pantalla. Sobre todo, le imprimieron colores brillantes, tonos de voz afinados, maneras de vestir actuales, melodías predominantemente pop y, como si esto fuera poco, opiniones acerca de cuanto asunto sea capaz de conmover a un sub-18 modelo global.

miércoles, 8 de diciembre de 2010

En 2011 el cine infantil será sinónimo de 3D7 de diciembre del 2010





LOS ANGELES (dpa) – Este año no pasó inadvertido en materia de cine infantil, especialmente después de que “Toy Story 3″ comenzara a sonar como candidata a un Oscar como Mejor Película. Y es que la cinta animada más taquillera de la historia volvió a ser la prueba fehaciente de que las películas para niños están siendo enfocadas cada vez más para los adultos, que son los que en realidad deciden en taquilla.



Los más grandes se dejaron cautivar por una historia conmovedora, el 3D y los efectos especiales, mientras que a los pequeños los atrapó la magia de los juguetes. Esta fórmula mágica de Disney y Pixar de ampliar la audiencia, que los llevó a recaudar más de mil millones de dólares a nivel internacional, probablemente prevalecerá en 2011.



La agenda del próximo año en lo que a cine para niños se refiere viene cargada de personajes infantiles importantes, secuelas y nuevas versiones, pero, quizá lo más destacado es que el género será, sin lugar a dudas, sinónimo de 3D. Y esto significa entre un 30 o 40 por ciento más de ganancias que las cintas normales para los estudios.







Los expertos auguran que la cinta de Disney “Cars 2″ y su personaje el auto Rayo McQueen, que en 2006 recaudó más de 461 millones en taquilla en todo el mundo, podría volver a ser un éxito taquillero en 2011 en el verano (boreal). La casa del Ratón Mickey además tiene previsto otros dos proyectos en tres dimensiones de menos impacto como “Mars Needs Moms”, que se estrena en marzo, y el famoso osito travieso “Winnie the Pooh”, que llegará a la gran pantalla a mediados de julio, un mes después de “Cars”.



Sin embargo, el estudio con sede en Burbank, California, se reservará una preciada carta para fin de año. Se trata de una nueva versión del show de títeres creado por Jim Henson “The Muppets”, que será dirigida por James Bobi. Es una historia en donde los humanos y los muppets coexisten, pero estos últimos son considerados de peor clase. Habrá que ver si esta última aventura del estudio tiene mejor acogida en taquilla que la versión de 1982 llamada “The Dark Crystal”.





La gran rival de “Cars” podría ser “Kung Fu Panda 2″, de DreamWorks. Esta secuela, que se estrenará el 27 de mayo, podría ser más exitosa incluso que la primera, ya que sale con el empujón taquillero de estar rodada en tres dimensiones.



Sin embargo, el famoso oso panda tendrá que plantarle cara a Disney, que programó la apertura de “Pirates of the Caribbean: on Stranger Tides”, protagonizada por Johnny Depp, un fin de semana antes de su estreno.



El estudio creador de cintas como “Shrek”, “Monsters vs Aliens”, “How to Train Your Dragon” y “Megamind”, entre otros, entrará en la contienda del verano con “Transformers: the Dark of the Moon”, la tercera entrega de la saga de ciencia ficción sobre la lucha entre humanos y robots extraterrestres, dirigida por Michael Bay y producida por Steven Spielberg.



Para finales del año, DreamWorks tiene reservada la historia de uno de los personajes más queridos de “Shrek”, el Gato con Botas, al que pondrá la voz una vez más Antonio Banderas. El madrileño estará acompañado por Salma Hayek, que interpretará a una gatita callejera muy lista y Zach Galifianakis, que hará la voz de Humpty Dumpty.



Otros títulos podrían pasar sin pena ni gloria o convertirse en una agradable sorpresa como “Gnomeo y Juliet”, “Rango”, “Mr. Popper’s Penguins”, “Arthur Christmas”, o “Alvin and the Chipmunks: Chip-Wrecked”, pero lo cierto es que pesos pesados de todos los años como los “Transformers” y los “Harry Potter” volverán recargados en 2011.



Además de “Harry Potter” y “Dolphin Tale” la Warner Brothers presentará la secuela de su aclamada cinta de 2006 “Happy Feet” a mediados de noviembre. Y por cuarta vez la saga “Spy Kids”, de Robert Rodríguez, volverá a la gran pantalla. Esta vez será protagonizada por Jessica Alba y Joel McHale.



Por su parte, Columbia Pictures y Sony se apoderaron en 2008 de los derechos de los famosos dibujos animados azules, los pitufos, que serán llevados por primera vez al cine bajo el título de “The Smurfs”. Habrá que ver si hacen un mejor trabajo que los realizadores de las tiras cómicas de “El oso Yogi”, que ha recibido malas críticas en los primeros pases de prensa.



Queda por mencionar una nueva versión en tres dimensiones de “Los tres mosqueteros”, a cargo del director Paul W. S. Anderson, protagonizada por Logan Lerman, Ray Stevenson y Luke Evans.



Es posible que el año cierre con broche de oro, a manos de los legendarios directores Steven Spielberg y Peter Jackson. Los dos se aventurarán por primera vez en las tres dimensiones con una versión para la pantalla grande de las famosas tiras cómicas francesas “Las aventuras de Tintín”.



El director de “Jurassic Park”, que cuenta con un presupuesto de 135 millones de dólares para este proyecto, había adquirido inicialmente los derechos de las historietas en 1983. “The Adventures of Tintin: The Secret of The Unicorn” será la primera de una trilogía realizada por este talentoso dúo.



Por DPA

martes, 30 de noviembre de 2010

PELICULA DE TINTIN




Steven Spielberg y Peter Jackson han adelantado el comienzo del rodaje de la película Tintín, cuyo estreno está previsto para 2010. El film será protagonizado por el joven actor inglés Thomas Sangster ('Love Actually' y 'La última legión').

El proyecto de llevar a la gran pantalla las aventuras de ‘Tintin’ cobra un nuevo impulso. Steven Spielberg y Peter Jackson (‘El Señor de los Anillos’ o ‘King Kong’) estarán al frente del proyecto, lo que a priori es garantía de todo un espectáculo. La película será en 3D y contará con los más avanzados elementos del cine digital.

El rodaje de ‘Tintin’ tenía previsto su inicio a principios del próximo año. Aunque algunos problemas con la financiación, hicieron que dicho arranque de rodaje se pospusiera sin una fecha muy clara. Parece ser que todos esos problemas ya se encuentran solventados y que todo podría dar comienzo a lo largo del primer trimestre de 2009.

‘Tintin’ dará un paso más en filmes del tipo a ‘Beawulf’, en la que la captura de movimientos era la base principal de la calidad gráfica de la película. En la que se reconocía claramente a grandes estrellas de Hollywood como Angelina Jolie y Anthony Hopkins. Por el momento no hay información acerca de los protagonistas de la película.

‘Tintin’ estará formada por dos películas. La primera de ellas verá la luz en los cines de todo el mundo para finales de 2010.

TRAILER OFICIAL DE LINTERNA VERDE.

Un misterioso descubrimiento permite sacar a la luz 270 obras inéditas de Picasso



Se trata de obras pintadas en el primer tercio del siglo pasado y cuyo valor está en torno a los 60 millones de euros

ANTONIO JIMÉNEZ-BARCA - París - 29/11/2010

El 14 de enero pasado, Claude Picasso, el hijo del pintor y el administrador de su herencia, recibió una carta que le llamó mucho la atención. Un tal Pierre Guennec le pedía un certificado de autenticidad de 26 obras inéditas de Picasso y acompañaba para ello unas fotografías de no muy buena calidad. El 30 de abril, el hijo del pintor recibió otra tanda de fotografías y otro texto asegurando que se trataba de obras de Picasso. Según publica hoy en exclusiva el diario Libération, Claude Picasso, intrigado por la revelación, se puso en contacto con Guennec, que acudió a París en septiembre acompañado de su esposa y de una maleta. En ella, para estupefacción del hijo del artista y de varios expertos, fueron surgiendo hasta 271 obras desconocidas del autor, de un valor de 60 millones de euros, según el diario francés.

Guennec aseguró que tal enormidad de dibujos, collages, retratos, pinturas y bocetos respondían a un regalo del pintor y de su esposa. Añadió que durante los tres últimos años de la vida de Picasso (fallecido en 1973) había trabajado para él como electricista, que incluso le había instalado alarmas en sus viviendas.

Como respuesta, y tras reunirse los seis herederos del pintor, denunciaron al electricista por robo. A juicio de los familiares de Picasso, es imposible que el artista regalara una tal montaña de obras suyas, muchas sin datar, sin dedicar o, incluso, sin terminar. "Es cierto que Pablo Picasso era bastante generoso. Pero fechaba, firmaba y dedicaba siempre sus donaciones, porque sabía que algunos las venderían para afrontar sus necesidades", ha asegurado Claude Picasso a Libération.

Por lo pronto, la policía ha puesto a buen recaudo todo este tesoro. Se encuentra incautado en las dependencias de la Oficina Central de Lucha contra el Tráfico de Bienes Culturales, en Nanterre. Y el electricista y su mujer se aprestan a una batalla judicial contra los herederos de Picasso. A la pregunta de por qué haber esperado tanto tiempo a sacar a la luz estas obras, la publicación francesa, tras hablar con el abogado de los herederos de Picasso, aventura una hipótesis: para eludir la cárcel gracias a la prescripción del delito.

"Antes que nada, hay que recuperar estas obras para la historia del arte", asegura en la publicación citada el abogado de la familia Picasso.

lunes, 22 de noviembre de 2010

Megamente: La construcción



Las claves de la animación. Aquí, los secretos del diseño de “Megamente”, la superproducción de DreamWorks en 3D que llegará a los cines argentinos el 2 de diciembre.




22.11.2010
Por Mekado Murphy NOTAS RELACIONADAS


Megamente DreamWorks 3D

A la hora de ver una película de superhéroes, el público viene cargado de ciertas expectativas: una historia emotiva sobre su origen, un villano amenazante y el triunfo dinámico del bien sobre el mal. Los realizadores de la comedia animada en 3D Megamente , que durante años se deleitaron con ese tipo de filmes, respetan los principios del género en su creación pero también logran darle un giro original: su película no se basa en una historieta anterior y coloca al archienemigo del superhéroe en primer plano.

Will Ferrell es la voz de Megamente, un extraño personaje que, de bebé, es enviado a la Tierra en una cápsula momentos antes de la destrucción de su planeta. Su rival, Metro Man (Brad Pitt), es despachado al mismo tiempo, pero mientras su cápsula aterriza en un hogar privilegiado la de Megamente cae en una cárcel. Por su inteligencia, su poco don de gentes, su condición de desterrado y su capacidad para ser buenísimo para la maldad, adopta el rol de supervillano e inicia una encarnizada batalla contra Metro Man para apoderarse de Metro City. Cuando la derrota de Metro Man parece inminente, Megamente se enfrenta a una crisis existencial: ¿Su vida tendrá sentido si no tiene un superhéroe con quien luchar? Tom McGrath, director de la película, dijo que se inspiró en las infructuosas batallas de Tesla por la comercialización de la electricidad. “Siempre me interesó la historia de Tesla contra Edison y cómo Thomas Edison, en cierto modo, calumnió a Tesla. Este tenía mucho talento, pero era un tipo raro y oscuro. Hay pequeños rasgos de Tesla en el personaje de Megamente”, explicó.


En cuanto al desarrollo visual del film, DreamWorks quería darle una estética que incorporara lo conocido pero también rasgos que lo diferenciaran. Por eso entran en juego elementos de Superman , Batman e incluso algo de Metrópolis . Pero la presencia de la cultura pop en el trabajo de dirección de arte de la película le da ligereza hasta en sus momentos más oscuros.“En general, es una película de superhéroes”, dijo David James, director de arte. “Debe verse como algo que el público conoce, justamente porque vamos a mostrarle algo que no conoce.” A continuación, los detalles sobre el desarrollo de la animación de Megamente , según las explicaciones de McGrath y James.



Así se creó el personaje principal


Para crear a Megamente, los diseñadores tuvieron que construir un personaje que fuera a la vez un marginado y alguien con quien el público pudiera identificarse y simpatizar. "Para mí, lo lógico era que el tipo supusiera que todos lo juzgan por su aspecto", explicó McGrath. El modelo del personaje de Megamente fue moldeado para que reflejara ese equilibrio. Los animadores le dibujaron un labio superior que cubre el inferior para darle cierto encanto. Una serie de expresiones muestran cómo reaccionaría Megamente ante una variedad de situaciones, ayudando a humanizar al personaje. ¿Y su gigantesca cabeza? Aunque su exagerado tamaño le da al personaje un aire más jovial, "sabíamos de movida que Megamente, incluso en el nombre, iba a tener un balero importante", dijo James. "En las historietas, la mayoría de los villanos tienen cabezas grandes con respecto al cuerpo." Citó como ejemplos a Lex Luthor y el Guasón. "En este caso, de una manera muy literal y visual, Megamente triunfa por su inteligencia y no por su poder de fuego o su fuerza física", agregó.






ALL RIGHT RESERVED DREAMWORKS


Las luces de una ciudad especial

Al crear el escenario urbano de Metro City, el campo de batalla de las complicadas intrigas de Megamente para destruir a Metro Man, el departamento de arte se inspiró en la arquitectura de principios del siglo XX. El diseño pertenece a una serie inspirada en la obra del ilustrador de arquitectura Hugo Ferriss, cuyos dibujos con frecuencia presentan enormes estructuras poco iluminadas contra dramáticos cielos nocturnos.

"Metro City sufrió muchas transformaciones", señaló David James, el director de arte de la película. "En un momento, fue una especie de metrópolis del futuro, una urbe grande y reluciente. En otro, fue un conglomerado de las grandes ciudades del mundo. En esos casos, la conclusión a la que llegamos fue que la ciudad no podía dejar en segundo plano a los personajes", añadió. Fue entonces que diseñaron una versión de la ciudad más sutil pero igualmente dinámica. "Una de las cosas interesantes de esa imagen es que permite ver que las ciudades hacen cosas realmente notables bajo diferentes condiciones de luz", puntualizó James.


Los colores de los superhéroes

Al pensar en la apariencia de Metro Man, la obsesión de Megamente, los diseñadores apuntaron a algo brillante y chillón, y crearon un personaje cuyo atuendo compitiera con el de su enemigo en teatralidad. Buscaron llevar el diseño a un heroísmo exagerado.

"Quería superhéroes elevados a la categoría de estrellas de rock", explicó McGrath, el director de la película.

"Lo que propuse fue Alice Cooper frente a Elvis Presley, las púas y el cuero frente al strass y los flecos." La ropa oscura de Megamente traza un fuerte contraste con la de Metro Man, que es blanca y casi angelical.

En el filme hay otro personaje, Hal (Jonah Hill), operador de cámara de un noticiero, que se convierte en un superhéroe llamado Titán. Una vez definido el diseño de Metro Man, el de Titán pudo ser desarrollado sin dificultad.

"Le injertamos la cabeza del personaje de Hal al cuerpo de Metro Man para crear ese personaje", dijo David James, el director de arte de la película. "Fue una cuestión de cortar y pegar -continuó con su explicación-. Hal sigue siendo el mismo nerd perdedor, pero con poderes que le permiten llevar una vida exenta de responsabilidades." El contraste de color en la vestimenta de Titán anticipa en qué se puede convertir ese personaje: el blanco se mezcla con el rojo fuego para aludir a un costado potencialmente oscuro del heroísmo de Titán.

Una guarida repleta de cachivaches

El talento de Megamente para la espectacularidad juega tanto detrás de escena como en las batallas públicas. En un dibujo, Megamente, con su ayudante Minion, enciende uno de sus descabellados inventos. "El concepto de diseño de Megamente es que es un showman", explicó James. "Su guarida es como meterse entre bambalinas en una gran compañía teatral. Tiene allí un montón de materias primas. La mayor parte de las cosas que usa o fabrica nacen de su imaginación. Pero no tiene riqueza y recursos ilimitados como los supervillanos de otros tiempos. Se las ingenia con los cachivaches que va encontrando." Los diseñadores ubicaron la guarida de Megamente en una central hidroeléctrica abandonada. Sus inventos están hechos de grandes cilindros, restos de motos y motores de auto.

El lugar es más un desarmadero o un gigantesco garage que una compleja línea de montaje. Los inventos poseen diversos grados de complejidad porque "en todo lo que hace Megamente hay excesiva elaboración y pensamiento", dijo James. "Todos sus dispositivos son recargados y con una exageración propia del caricaturista Rude Goldberg."

domingo, 21 de noviembre de 2010

La tecnología de Star Wars, made in Argentina

La saga creada por George Lucas tiene una legión de fanáticos en el país; algunos llevan su pasión por La guerra de las galaxias hasta la creación de sables láser y robots de la película

Miércoles 17 de noviembre de 2010

Por Juan Quaglia

Especial para lanacion.com

@juanquaglia

Star Wars comenzó como película de ciencia ficción, pero desde su estreno en 1977 ha despertado un fanatismo nunca antes visto. Tal es así que ya no se puede hablar de Star Wars sólo en relación con la industria del cine, sino de todo un "universo Star Wars" , que incluye dibujos animados, juguetes, videojuegos, historietas, libros y un sinfín de productos .





La creación de Bergese en acción


Fernando de Dios muestra sus creaciones

Un rasgo muy particular y propio de esta saga es el hecho de que aunque existe una gran variedad de productos en el mercado, los fanáticos no sólo se dedican a coleccionar el merchandising oficial, sino a producir sus propios "juguetes", a veces de un nivel de complejidad sorprendente.

Fernando de Dios, un seguidor de la saga, es uno de los diez miembros argentinos de Rebel Legion , una organización mundial que reúne a quienes se disfrazan de los personajes buenos de la saga, con vestimentas realizadas por ellos mismos. A la par de la Rebel Legion, existe otra comunidad internacional de fans de Star Wars l lamada 501 st Legion, y que congrega a los fanáticos que han decidido volcarse al "lado oscuro de la Fuerza" caracterizando a los villanos. Fernando no sólo diseñó su traje, sino que fabrica sus propios sables láser, con un sistema electrónico que produce luz y sonido realistas, muy similares a los de las películas.

Los sables de Fernando tienen la particularidad de ser diseños originales desarrollados por él mismo y que no existen como juguetes. Ha confeccionado tres sables de luz, y su complejidad es tal que le brindan la posibilidad de reproducir un sonido diferente según se enciendan, se apaguen, colisionen con otro sable de luz o contra un objeto cualquiera.

Marcelo Omar Bergese, un ingeniero marplatense, fue un poco más lejos y construyó un R2D2, también conocido como "Arturito", el simpático robot que junto a C3PO está presente en todas las películas de Star Wars. El R2D2 de Bergese tiene la particularidad de ser de escala real (1:1) y funciona a control remoto.



Marcelo Bergese junto a dos de sus creacionesFoto: Juan Quaglia

"Cuando se estrenó Star Wars quedé fascinado con Arturito", explica Bergese, "así que mis padres me regalaron uno a control remoto, pero siempre había tenido la asignatura pendiente de construir uno propio".


La complejidad del androide no puede menos que sorprender: a diferencia de las películas (donde era controlado por el actor Kenny Baker desde su interior) el R2D2 de Bergese funciona con tres motores industriales, dos de los cuales están destinados al desplazamiento y otro a la rotación de la cabeza. Además incluye circuitos electrónicos, un reproductor de mp3 y un control remoto de 4 canales de 1.500 metros de alcance. Sus movimientos y sonidos le permiten interactuar con las personas.

sábado, 20 de noviembre de 2010

El alcalde de Nueva York y Spiderman, contra el desempleo


Michael Bloomberg presentó al superhéroe como su aliado para animar a los neoyorquinos a que no desesperen en su empeño de encontrar trabajo.



Spiderman y el alcalde unieron sus fuerzas en una entrega especial del conocido cómic, protagonizada por ambos y titulada ’Spider-Man, You’re Hired!’ ("¡Spider-Man, estás contratado!"), en la que un desempleado Peter Parker (verdadera identidad de Spider-Man) trata de encontrar trabajo.



Según el diario El Mundo, este peculiar cómic, en cuya portada aparecen Bloomberg junto al superhéroe, fue publicado por el periódico Daily News(cuyo nombre es el más parecido entre los diarios locales al ficticio Daily Bugle en el que ocasionalmente trabajó Peter Parker), que distribuyó ayer 600.000 copias de la historieta.



Esta curiosa entrega, que también se puede descargar gratuitamente en la web de Marvel, es fruto de una colaboración entre la editorial y la Alcaldía de Nueva York para dar a conocer los servicios con que cuenta la Gran Manzana para ayudar a sus habitantes a encontrar empleo.



Télam

viernes, 19 de noviembre de 2010

BOCETOS OCULTOS EN OBRA DE LEONARDO DA VINCI

Ven la luz los bocetos ocultos en "La adoración de los magos", de Da Vinci










Roma, 17 nov (EFE).- Los bocetos que dibujó Leonardo Da Vinci en la tabla de "La adoración de los magos", pintada entre 1481 y 1482, han podido verse por primera vez hoy en Florencia fuera del ámbito académico gracias a una investigación conducida por el científico Maurizio Seracini, que ha descubierto trazos bajo la pintura.

El rostro de estupor de un figurante que, según los investigadores, puede ser un autorretrato del propio Leonardo y que se ve en la profundidad del cuadro, custodiado en la Galeria de los Uffizi de la ciudad toscana, es uno de bocetos escondidos detrás de los colores del lienzo.

En el marco de un encuentro de científicos titulado "A la búsqueda de Leonardo", presidido por Seracini, el público ha podido ver por primera vez estos trazos, proyectados en Palazzo Vecchio, actual Ayuntamiento de Florencia, donde se celebra estos días la semana de la cultura, Florens 2010.

Con los hallazgos de este profesor de la Universidad de San Diego (EEUU también se han traspasado las capas de pintura de los pies de la Virgen María representada en la parte central del cuadro, uno de los primeros grandes encargos que recibió Leonardo y para el que realizó numerosos dibujos preparatorios.

El encuentro sobre el maestro italiano ha versado además sobre el enigmático fresco "La batalla de Anghiari", que Leonardo Da Vinci pintó en una de las paredes del Salón de los Quinientos de Palazzo Vecchio y que se perdió durante la restauración a la que fue sometido el edificio en el siglo XVI.

Seracini sostiene que el fresco no fue destruido, sino que permanece escondido tras una pared paralela que se construyó para conservarlo.

A falta de culminar los trabajos de investigación que lo demuestren, el experto asegura que "durante quinientos años esta obra maestra ha permanecido oculta, porque (el arquitecto Giorgio) Vasari la cubrió con un muro", y que no ha encontrado "ni un solo elemento que demuestre lo contrario".

"Es la mayor obra de arte que Leonardo nos ha dejado y está aquí debajo", dijo el científico.

El experto en arte aseguró que su investigación, que durante 35 años ha sido impulsada y financiada "con presupuesto no italiano", apuntó, se encuentra "en la última fase", pero que para terminarla le faltan dos millones y medio de euros.

"Espero que Florencia e Italia entiendan que valorar nuestros bienes culturales permite dar un futuro a nuestro pasado", concluyó Seracini, preguntándose "qué país del mundo no querría buscar aunque fuera un pequeño fragmento de Leonardo". EFE

IMAGENES DE LA PELICULA DE TINTIN



Aunque falta más de un año para que la película de Tintín que preparan Steven Spielberg y Peter Jackson vea la luz, ya se pueden ver las primeras imágenes de la cinta.


La revista 'Empire' ha sido la elegida para la publicación de las instantáneas de 'The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn' -'Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio'-, del que todavía no hay trailer -la dosis de campaña de marketing parece ir con cuentagotas-.

En una de las imágenes se puede ver al gruñón Capitán Haddock, al que da vida Andy Serkis mientras que en la otra aparecen el marinero y el protagonista de las aventuras, interpretado por Jamie Bell.

La película utiliza la tecnología 'motion capture' en 3D mediante la cual se graban las escenas con actores reales pero en el proceso de posproducción sus movimientos se transforman en personajes animados.

"No es realmente la sensación de lo que dibujaba Hergé. Va a ser algo diferente. Con la tecnología CGI podemos llevar vida al mundo de Hergé, mantener los estilizados y caricaturizados rostros, es decir, mantener todo con la aparicienca del arte de Hergé, pero haciéndolo foto-real", afirma Peter Jackson en la revista.

Por su parte, Spielberg habla sobre el argumento. "La primera parte de la película, que es la más misteriosa, ciertamente debe mucho no sólo al cine negro sino a todo el teatro alemán 'brechtiano'. Pero al mismo tiempo la película es de aventuras".

Paco Roca: 'Siempre soñé con dibujar en la editorial Bruguera'

CÓMIC

Presenta 'El invierno del dibujante'

Fuente: El Mundo.es

El autor valenciano viaja a los años 50 para indagar en la mítica editorial


Recrea la marcha de cinco de sus autores para crear la revista 'Tío Vivo'

'Buscaban la libertad creativa y luchar por lo que era suyo, sus personajes'

Rodrigo Terrasa
Valencia

Actualizado viernes 19/11/2010 07:44 horasDisminuye el tamaño del texto Aumenta el tamaño del texto Comentarios 6

El 1 de octubre de 1961, la editorial Bruguera publicó el número uno de la revista Nosotros, un boletín interno para sus empleados. Allí venían las máximas que nadie debía olvidar, sus mandamientos: "Trabajad en silencio". "El trabajo y la honradez constituyen la dignidad del hombre". "Lo que hagas, hazlo bien". "Tened iniciativa". "Quien trabaja ha de ser pagado; quien es pagado, ha de trabajar"...



Fue quizás su manera de poner orden interno tras su etapa más convulsa. Sólo cuatro años antes, la editorial, una de las primeras industrias culturales de España, veía como un grupo de sus mejores dibujantes dejaba la empresa casi en secreto para crear su propia revista, 'Tío Vivo', hartos de no cobrar derechos de autor y del lápiz rojo de Rafael González, redactor jefe. Se marchó Josep Escobar, autor de Zipi y Zape o Carpanta; Conti, padre de Carioco; Cifré, creador del reportero Tribulete; Peñarroya, de Don Pío; y Eugenio Giner, que había inventado las historietas de 'El Inspector Dan de la Patrulla Volante' para la revista Pulgarcito. Aún se les recuerda como 'los cinco grandes' de Bruguera.



Apenas dos años después, regresaban a la empresa hundido su proyecto por el poder de su antigua casa. Tío Vivo no llegó a los quioscos hasta que Bruguera atrapó la cabecera. Era 1959 y hacía frío, era el invierno al que viaja Paco Roca en 'El invierno del dibujante' (editorial Astiberri), su nuevo cómic, que sale a la venta el próximo 26 de noviembre.



"Esta historia viene de mi friquismo, de mi ilusión infantil por dedicarme a los tebeos...", explica el autor valenciano, Premio Nacional de Cómic 2008. "Desde que recuerdo, siempre he querido ser dibujante de tebeos. Crecí con las historias de la editorial Bruguera, con Mortadelo y Filemón, Zipi y Zape, con Anacleto...".



La libertad creativa

Sus autores son los protagonistas de un relato con aires de mad men nacional, fragmentado en el tiempo y los colores, que indaga en la dignidad de los autores de historietas cuando la SGAE quedaba lejos y la censura franquista trituraba viñetas. "Fue un hecho sin precedentes a nivel mundial. Que en la España franquista cinco autores decidiesen arriesgarse así, creando su propia revista. Buscaban por un lado la libertad creativa y por otro, luchar por lo que era suyo, por sus personajes. Si Bruguera se estaba haciendo rico con su trabajo, ellos también querían hacerse ricos".



Roca se ha sumergido en su álbum más realista tras (otra vez) un enorme esfuerzo de documentación. Qué se picaba en los bares de Barcelona, cuántos goles marcaban Suárez y Kubala cuando ni siquiera existía el Camp Nou, qué contaba el No-Do, y, sobre todo, qué se cocía en los despachos de una editorial de la que siempre se supo poco. "Siempre me preguntaba cómo sería aquello, cómo eran los dibujantes, cómo trabajaban. De vez en cuando salía un dibujo y yo lo miraba como algo maravilloso, algo así como la fábrica de chocolate de Willy Wonka".



Un gigante desconocido

"Quería que todo fuese muy creíble", reconoce el autor. Paco Roca se empapó de los libros de Antonio Guiral, buscó a los dibujantes que aún siguen vivos, entrevistó a Ibáñez o a Francisco Ledesma, volvió a Berlanga y Ferreri... "Hay muy pocas fotos de Bruguera de aquella época", lamenta. "Vamos recuperando ahora poco a poco la memoria histórica. Bruguera fue la editorial más importante en cultura popular en nuestro país, era inmensa, con oficinas en Hispanoamérica, editaba cómics, libros, cromos... Llegaron hasta a dibujar novelas clásicas. Pero no sabemos prácticamente nada de lo que pasaba dentro". A diferencia de 'Arrugas' o 'Las calles de arena', sus últimos títulos, en 'El invierno del dibujante', el escritor valenciano ha tenido poco margen para inventar. También nuevos retos con el lápiz.



"Ha sido bastante complicado, continuamente tenemos en escena a cinco personajes o más y eso en un cómic es bastante difícil, te hace plantearte otra forma de viñetas y otro tipo de lenguaje para poder contar lo que ocurre en el mismo plano". Habla de esas sobremesas en casa de Conti o Giner, de las partidas de cartas pensando cabeceras para el 'Tío Vivo' o de los paseos de Rafael González entre las mesas de la redacción de Bruguera rebajando chistes y tachando caricaturas.



Roca ha arriesgado también planteando el relato de su historia tal y como la conoció él, a retales, sin orden cronológico. Arranca su tebeo en el invierno de 1959 y va navegando adelante y atrás, desde el 57 a 1979. De los tonos azules a los cobre. "No quería que fuese una cosa lineal, sino que al lector le pasara como me pasó a mí a la hora de documentarme. Vas teniendo la información de diferentes personas y hasta el final no lo unes todo. Esa irregularidad en la narración es la forma en la que yo he ido cogiendo la información", argumenta.



Nunca imaginó Paco Roca, como no lo hizo Escobar cuando se aburría en la cárcel, o Ibáñez cuando despachaba en un banco, que algún día viviría de crear historietas como esta. Ni siquiera cuando siendo un chaval envió un sobre a la editorial Bruguera con sus particulares versiones/plagios de Asterix y Obelix o de Mortadelo y Filemón. "Eran infames, vamos de un niño de seis años. No me contestó nadie, pero yo pensé que era a eso a lo que me quería dedicar. Yo quería ser como Raf, como Ibáñez... Mucho tiempo después, he visto que sí, que si puedes dedicarte a estas cosas".



PARA VER EL VIDEO DE LA NOTA PINCHA EN ESTE LINK CHAVAL !
http://www.elmundo.es/elmundo/2010/11/14/valencia/1289757054.html

martes, 16 de noviembre de 2010

EXCLUSIVO ! LOS NUEVOS MUÑECOS DE HIJITUS Y LARGUIRUCHO !

EN POCO TIEMPO MAS ESTARAN EN VENTA LOS MUÑECOS DE TODOS LOS PERSONAJES DEL MAGICO MUNDO DE GARCIA FERRE..


POR AHORA SE CONOCEN DOS MODELOS PUBLICADOS EN UNA PAGINA DE INTERNET.


              EL MUÑECO DE HIJITUS







            EL MUÑECO DE LARGUIRUCHO.........





                        EN CUANTO TENGAMOS MAS IMAGENES LOS SUBIREMOS AL BLOG

miércoles, 10 de noviembre de 2010

lunes, 8 de noviembre de 2010

VIKINGO...EL CINE ARGENTINO DEL FUTURO !




SI QUIEREN VER UNA PELICULA ARGENTINA QUE VALE LA PENA VAYAN AL CINE DEL INCAA, ESPACIO INCAA, GAUMONT
SE VAN A LLEVAR UNA SORPRESA DE ESTE AUTOR QUE SEGUN MI PUNTO DE VISTA VA A SER UNO DE LOS GRANDES DIRECTORES DEL CINE ARGENTINO.
AQUI TRANSCRIBO LA NOTA SOBRE LA PELICULA PUBLICADA EN LA REVISTA ESPECIALIZADA DE CINE EL AMANTE.


Vikingo




de José Celestino Campusano, Argentina, 2009, 90’.



Luego de una proyección de Excursiones en el último Bafici, un espectador le dijo a Ezequiel Acuña que esa película era diferente a sus dos largometrajes anteriores porque no trataba sobre el amor. A eso Acuña respondió que no creía lo mismo y que su película sí era sobre el amor porque la amistad lo era.

Vikingo es una película sobre el amor, o sobre formas de amor que se mueven en distintos planos: primero, la pasión por las motos; segundo, la amistad entre dos hombres; tercero, el amor por una mujer. Algo así como el fetichismo, la amistad y el enamoramiento, que quizá no sean todas formas de amor para el mundo y sus definiciones, pero que sí lo son para el mundo y las definiciones de esta película. Porque Vikingo y Aguirre, dos motociclistas que disfrutan y defienden sus motos mientras construyen una amistad, habitan un universo de códigos únicos. Ya decía Campusano a Página/12: “Lo de la actuación es para gente que se pone en la piel de otro, que se informa y ensaya. Ellos no. El léxico que emplean (…) lo tienen tallado en el alma”. Es que Vikingo borronea la frontera entre documental y ficción porque evidencia aquello que hay detrás de cualquier historia: la realidad inspiradora. Pero Vikingo también demuestra la importancia de quien elige esa realidad y señala dónde hay una fuente de historias. Aquí ése es José Campusano (cuyo documental Legión, tribus urbanas motorizadas ya había ventilado los cimientos de este relato).

Vikingo fija su mundo en los suburbios de Buenos Aires y nos llama la atención sobre ellos. En 84, Charing Cross Road, Helene Hanff declaraba amar los libros que tenían notas al margen porque, decía: “Me gusta el sentimiento de camaradería que suscita el volver páginas que otro ha pasado antes, así como leer los pasajes sobre los que otro llama mi atención”. La película de Campusano es una nota al margen (de la ciudad, de la norma y de la forma de hacer cine) y también una excepción. Y desde esa excepción el director construye su relato, marcado por desprolijidades que lo tornan bruto pero fiel a su esencia. Y desde esa excepción retrata personajes que encantan a quien mire y sienta que, algún día, puede llegar a amar (a una moto, una mina, un amigo o lo que fuere) de esa manera. Porque en eso se nos va la vida, en buscar a quién o a qué amar y a quién o qué nos devuelva ese amor. Y si en Vil romance Campusano hablaba de un amor reacio, violento y combativo, aquí nos presenta a Vikingo, un personaje que ama demasiado (sobreprotege a sus hijos, sufre por su sobrino, se apasiona por las motos, protege a sus amigos). Entonces da gusto que Campusano nos muestre eso que él ha visto antes aprovechando esa capacidad de generar epifanías que sólo puede regalarnos el cine. Josefina García Pullés



Publicado en el número 211

lunes, 1 de noviembre de 2010

TOMATE UN MATE CON PATORUZU !

En la ultima revista de Isidoro Cañones llamada ¨¨ LA ISLA ¨¨que esta en los kioscos de la reedicion de la excelente  ¨¨ LA HERENCIA DE LA  ISLA ¨¨ de Marzo de 1975, se puede ver la publicidad de la nueva Yerba Mate PATORUZU !!!







Una gran idea para que nuestro gran heroe Argentino llegue a todas las casas del pais !!

!! AGUANTE PATORUZU !!

NUEVA TRILOGIA DE STAR WARS !!!!!!!

Cine : Star wars

La bomba del año: mientras trabaja en la conversión de la saga a 3D, George Lucas piensa en nuevas películas. Los detalles.


FUENTE :

Redacción VOS

Si hay una saga cinematográfica que fanatizó al público en todo el mundo, esa es sin dudas Star Wars o La guerra de las galaxias, como se la bautizó en castellano. Tras conocerse la noticia hace algunos días que George Lucas está trabajando en la conversión de las seis películas a 3D y que llegarían a la pantalla grande en 2012, este lunes comenzó a circular el rumor que de concretarse sería sin dudas la noticia del año: una nueva trilogía.



Según publicó el sitio especializado iesb.net y se hicieron eco muchos medios como Europa Press, Lucas estaría pensando en lanzar una nueva trilogía de Star Wars para estrenarla dentro de ¡ocho! años. ¿Por qué 2018? El director quiere primero recaudar varios millones con las seis películas de la saga en tres dimensiones, cuyo último envío se estrenaría recién en 2016. Allí necestaría dos años para dar meterse de lleno en el nuevo proyecto.



La fuente inicial, según nos cuenta el blog español Séptimo Arte, es la misma página que fue la primera en decir que Josh Wedon dirigiría Los vengadores o que Disney absorbería el contrato de Marvel Studios con Paramount Pictures. Como darse credibilidad mencionan esto en el artículo, así como también demostraron que sus fuentes en Lucasfilm son lo suficientemente sólidas como para adelantarla en su momento la conversión de la doble trilogía existente en 3D o la serie de animación de Las Guerras de los Clones.



Con el reestreno en cines y la venta de DVD y Blu-Ray, el imperio Lucas espera juntar una cifra que oscilará entre los 500 y los 750 millones de dólares, dinero que utilizaría para rodar la nueva trilogía y así autofinanciar la nueva parte de la saga más popular de la historia del cine.



En cuanto a la trama, los rumores apuntan a que Lucas podría rodar primero los episodios X, XI y XII para luego sí ir con los VII, VIII y IX, saltando "100 o 1.000 años" en la línea argumental de Star Wars. Por supuesto, ahora comienzan todos los interrogantes. ¿Seguirá viviendo Yoda? ¿Y personajes emblemáticos como R2-D2, C-3PO o Chewbacca? ¿Será una historia totalmente diferente? Habrá que esperar para ver qué sale de la cabeza de Lucas. Mientras tanto, te mostramos en el player de arriba el tráiler original del episodio IV, el primero en estrenarse en 1977.


viernes, 8 de octubre de 2010

FELIZ CUMPLEAÑOS MAESTRO !


79 AÑOS Y SERAN MUCHOS MAS !

jueves, 30 de septiembre de 2010

STAR WARS EN 3D !

La saga Star Wars vuelve al cine en 2012 en versión 3D


La conversión a 3D la llevarán a cabo Twentieth Century Fox y Lucasfilm Ltd, y será supervisada por Industrial Light & Magic. Ya trabajan en "Episode I, The Phantom Menace".




George Lucas, creador de la saga Star Wars, no le da respiro a su obra maestra. Despues de tres nuevas entregas para completar la historia que comenzó allá por los '70, de reediciones y agregados, ahora llega la versión en 3D, según confirma Lucasfilm Ltd.



"Hay pocas películas que se presten de forma tan perfecta al 3D. Desde la Estrella de la Muerte al planeta Tatooine, la saga de Star Wars siempre ha proporcionado una experiencia asociada al entretenimiento que es completamente envolvente", explicó la compañía mediante un comunicado. Y es cierto. Tantos efectos especiales pueden aprovecharse al máximo en la nueva tecnología en tres dimensionesque la pantalla grande ya explota.



La conversión a 3D la llevarán a cabo de forma conjunta Twentieth Century Fox y Lucasfilm Ltd, y será supervisada por Industrial Light & Magic.



El primer capítulo, Star Wars: Episode I The Phantom Menace, llegará de nuevo a las salas en 2012, aunque aún no se informó la fecha concreta.



"Obtener buenos resultados en una conversión estéreo es cuestión de tomarse el tiempo necesario y de hacerlo de forma adecuada", dijo John Knoll, supervisor de efectos visuales de Industrial Light & Magic.



"Se requiere una visión artística y exigente, junto a una increíble atención por el detalle, para ser exitoso. No es algo que se pueda apremiar si quieres obtener buenos resultados. Para Star Wars nos tomaremos nuestro tiempo, y aplicaremos todo lo que sabemos en cuanto a estética y técnica", añadió Knoll.



30 de Septiembre de 2010 01:00

LOS PICAPIEDRAS CUMPLEN 50 AÑOS !!!

La Familia Picapiedras, célebre serie de animación sobre una pareja prehistórica y su hija cuya vida presenta muchos puntos en común con la de los estadounidenses de los suburbios en los años 60, festeja sus 50 años en Estados Unidos.






The Flintstones hicieron su aparición en la cadena ABC en 1960. La serie fue difundida hasta 1966 y luego retomada por NBC de 1967 a 1970 y se convirtió en la de mayor éxito en la pantalla chica en hora de mayor audiencia, hasta que los Simpson le quitaron el título en 1997.
Creada por William Hanna y Joseph Barbera, los Picapiedras -Fred, Wilma y su hija Pebbles, además de su pequeño dinosaurio amaestrado, tuvieron gran suceso asociando un dibujo agradable para los niños y satíricos diálogos gozados por los adultos.
En 1994 se rodó un filme basado en la serie, con actores reales y cuya banda de sonido realizó el grupo U2.

Cuando los dinosaurios compartían espacio con los urbanizados cavernícolas, una familia reinaba: Los Picapiedra. La cuaternaria estirpe creada por William Hanna y Joseph Barbera, cuyas aventuras en la ciudad de Piedradura (Bedrock en el original en inglés) cautivaron la imaginación del público estadounidense desde el 30 de setiembre de 1960, día en que la señal de ABC propaló su primer capítulo.Nació como una comedia de situaciones basada en los contrastes: Pedro (Fred Flintstone) lleva la iniciativa mientras su vecino Pablo (Barney Rubble) será el obligado cómplice. En la versión castellana llevan nombres de apóstoles, pero se comportan más como una pareja cervantina: un gordo Quijote teje febriles planes mientras un pequeño Sancho intenta hacerle entrar en razón. Serán sus sufridas esposas, Vilma y Betty, quienes terminen rescatándolos de sus fracasados intentos.Los días de Pedro Picapiedra no diferían mucho de los de cualquier trabajador estadounidense de mediados de siglo XX: ocho horas diarias de trabajo en la cantera, póker los martes con los vecinos, viernes de boliche o con la hermandad de los Búfalos Mojados. Barbacoas de brontosaurio en el jardín los sábados y, los domingos, paseos familiares en el troncomóvil. Una transcripción que intentaba ser exacta, pero en cuyas sutiles diferencias se basaba el humor característico de la serie: electrodomésticos reemplazados por animales, pájaros en cámaras fotográficas, ruedas de piedra y baile de puntillas antes de poner en marcha un troncomóvil. Ejemplos de verdaderos clásicos de la comedia.Pero no todo era chiste. A 50 años de distancia, no deja de sorprender la temática de aquella primera serie animada de televisión enfocada en el público adulto: En “Los Picapiedra” se abordaron las angustias de la maternidad y los temores paternos, las ríspidas relaciones entre suegros y yernos, la ludopatía de Pedro, el consumismo de Vilma, el sobrepeso y, sorprendentemente, la infertilidad en el caso de los Mármol, padres adoptivos del pequeño Bam-Bam. Desde su cancelación en 1966, “Los Picapiedra” mantuvo por mucho tiempo su récord como la serie animada más larga, hasta que en 1997 fue derrotada por “Los Simpson”. Para Rocío Silva Santisteban, poeta y estudiosa de la cultura, aquel cambio evidencia cómo la posmodernidad ha incidido en los estereotipos de familia. “Hoy, el páter familias de la serie, el acriollado Pedro, ha dejado de ser visto como un modelo de representación para pasar a otro mucho más prosaico y vulgar, mucho más macho y bruto: Homero Simpson”, explica.Para la estudiosa, las representaciones femeninas se mantienen parecidas: tanto Vilma como March siguen siendo la “cordura” familiar. “Más bien los hijos adquieren protagonismo y no son solo bebes. Ellos tienen algo que decir”, explica. Canteras que se convierten en plantas de energía nuclear, una racialmente homogénea Piedradura frente al multiculturalismo irónico de Springfield. 50 años son mucho tiempo, y mucho también han cambiado las familias y la forma en que las entendemos. Y la televisión es testigo de eso.

domingo, 26 de septiembre de 2010

HOY VOLVIO ALTUNA AL CLARIN ! GRAN NOTICIA !







PARA LOS QUE EXTRAÑABAN AL CREADOR DEL LOCO CHAVEZ Y DEL NENE.....
ALTUNA RECUPERA EL LUGAR QUE SE GANO POR SER EL MEJOR DIBUJANTE COSTUMBRISTA DE LA ARGENTINA.

SALUDOS ALTUNA Y GRACIAS POR VOLVER !!

Horacio Altuna es de lo que no hay: un artista universal
26/09/10 “Es lo que hay. (Reality)” trata sobre los Volcatti: una tira porteña y familiar. Hoy volvió a la contratapa de Clarín el padre de El Loco Chávez y Pampita.

PorJuan Sasturain
Opinión

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Horacio Altuna, cultura Hijo de su tiempo de único privilegiado y discípulo de los que le hicieron la cabeza con el formato de la aventura necesaria y la necesidad de la Aventura, Horacio Altuna es “uno de los nuestros”. Compartimos un lugar virtual, histórico, político, profesional, afectivo y de experiencia en el que las coincidencias –en todos los sentidos: el azar y la convergencia- son más importantes que los matices y camisetas. Cabe aclarar, por si alguien se pone riguroso: no sabemos quiénes somos nosotros pero sí podemos explicar quién es (también) Altuna.

Horacio es un gran dibujante/narrador/artista de perfil bajo y de condición, en todos los sentidos solvente. Buena definición: la solvencia de Altuna. Quiero decir que funciona donde se o lo ponen; y sobra, como suele decir Dolina del hombre sabio o del artista consciente, mostrando menos de lo que sabe y puede con lo que tiene en mano, yendo a la pesca con todas las cartas, sin levantar la voz ni polvareda, hace lo suyo con holgura.

Como historietista tiene varias cuerdas y ninguna lo ahorca. Hace cuarenta años ya era bueno dibujando aventuras (incluso con Oesterheld), barcos y espadas, lugares extraños o antiguos, pilchas de época. Y lindas minas, ya entonces. Hasta que El Loco Chávez , el diario y la colaboración con Trillo lo introdujeron en el realismo urbano –quiero decir porteño-, la contemporaneidad, los tipos apuntados al paso, la historieta hecha desde la ventana del café viendo pasar lo que pasaba: y la novedad inédita de su aptitud para la comedia y las minas (siempre).

Del trabajo de esa dupla, en poco más o menos de una década entintada por la Dictadura, salieron algunas obras maestras ejemplares , como Las puertitas del Señor López –uno de sus mejores momentos, por la amplitud del registro- y, entre otras, algunas pequeñas sagas de cámara, como Charlie Moon o El último recreo , en que el dibujante empieza a darse un gusto hasta entonces latente: la ciencia ficción y la pintura de un futuro imperfecto que él solito, ya en España (van casi treinta años, Horacio…) desarrollará, a color, en Chances y Ficcionario . Y ahí también –aunque se ponía muy serio- había buenas minas, claro.

No se puede contar todo. Nos salteamos el mamero Merdichesky , salido de una película de Woody Allen, disolvemos injustamente a El Nene Montanaro en una secuela del Loco Chavez, rescatamos el blanco y negro de Time Out y Hot Los Angeles –otro punto alto-, juntamos las gloriosas bizarradas de Tragaperras con sus magistrales incursiones en secuencias eróticas que han dado la vuelta (y una mano) al mundo entero. Porque también en eso, Altuna es un artista universal .

Y ahora, esto: segundo regreso, con Es lo que hay , “primer reality de la historieta”, para volver a alquilar el departamento del último piso, el de arriba, de la propiedad horizontal que se estiba diariamente en esa última página que tan bien conoce, como a algunos de sus viejos vecinos. Sabemos que viene de hacer Familia tipo en Barcelona durante años, pero sabemos que no es el tipo de dibujante/narrador que se queda (mirando o dibujando) con lo que hubo sino todo lo contrario: Horacio Altuna es de lo que no hay .





Vuelve Horacio Altuna: “Es lo que hay”, una nueva historieta porteña y familiar en Clarín
19/09/10

Los Volatti serán los protagonistas del regreso al diario del padre de Pampita y El Loco Chávez.


PorJuan Carlos Algañaraz
Barcelona. Enviado Especial

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Horacio Altuna Estoy feliz de volver a Argentina y a Clarín que es mi casa”, confía el gran autor de historietas Horacio Altuna. Tiene un prestigio internacional que lo consagra como uno de los mejores artistas del género y ha recibido altas distinciones, sobre todo en Cataluña, donde su integración es modélica.

Con el enviado de Clarín , Altuna evocó al Loco Chávez, a Pampita, al Señor López y sus puertitas y al Nene Montanaro, algunas de sus creaciones que más éxito han alcanzado en Argentina y otros países. Y dio claves de su nuevo trabajo, que Clarín publicará desde el próximo domingo 26.

“La nueva serie se llama ‘Es lo que hay. (Reality)’. Una idea a partir de lo que son los reality. Es el primer reality de una familia hecho en historieta. Me va a dar la posibilidad de que, cuando yo quiera, los personajes puedan dialogar con el lector directamente. Como hacen en los reality cuando los nominados se defienden y esas cosas. O inclusive hablar con el autor si están disconformes con las cosas que les pasan. Es un juego”, señala.

¿Cómo será la estructura de la nueva historieta? ¿Similar a “Familia tipo”, que se publicó acá en Cataluña con mucho éxito? Así es. “Familia tipo” ha sido un éxito formidable durante diez años. Y el esquema de “Es lo que hay” es muy similar. Un matrimonio cuarentón, Alejandro “Alex” y Ana, con dos hijos adolescentes, Gus y Bea, con todos los problemas que tienen. Pero si bien los personajes se parecen, “Es lo que hay” sucede en Buenos Aires. Es una tira absolutamente porteña.

¿Cuáles van a ser los cambios de la familia en Argentina? Básicamente, sigue igual. Los nombres serán iguales pero les cambio el apellido. En España se llamaban Vidal y en Argentina se llamarán Volatti. Al padre lo cambio físicamente porque tenía bigote como algunos otros personajes míos. El Loco Chávez, por ejemplo. Los padres de Alejandro Volatti son muy zurdos y los de ella, Ana, son muy fachos, y se pelean. Alejandro trabaja en una multinacional y siempre está preocupado de que haya reajustes y lo echen.

Usted emigró hace 28 años a España y en 1987, cuando finalizó la historieta, los hizo emigrar al Loco Chávez y a Pampita. ¿Ha sido dura la adaptación? Aquí tuve suerte y la experiencia de adaptación es muy buena. Dicen que Cataluña es cerrada y distante. Los colegas catalanes me eligieron hace cinco años, por unanimidad como presidente de la Asociación de Profesionales de la Ilustración de Cataluña. ¡A un latinoamericano que no habla catalán! Además, recibí el Gran Premio del Salón del Comic en el 2004 y era la primera vez que se lo daban a un extranjero.

¿Y que pasó con su identidad? Yo no tengo ninguna duda: soy un argentino y llevo mi identidad a todas partes. Un sociólogo, García Canclini, dice que el deber de los que nos vamos a otros países es llevar la identidad porque se enriquece adonde vayas. No se pierde nada porque se va absorbiendo. Uno aporta y recibe. Pero también estar como presidente de la Asociación de los Ilustradores y luchar por mejorar las condiciones de nuestra profesión me parece un servicio, un agradecimiento.

Las creaciones de más éxito suyas pasaban en Buenos Aires, los personajes y las situaciones eran muy porteñas. ¿No tuvo problemas para hacer todo eso y llegar a una enorme cantidad de lectores desde España? No. Para mí era echar el ancla, no alejarme de aquella realidad, que era la mía. Yo me siento muy hermanado a esa realidad de Argentina, de Buenos Aires. Además viajo dos veces por año. Siempre estoy pendiente de lo que pasa. “El Nene Montanaro”, por ejemplo, era antimenemista, y esa época yo la vivía cotidianamente. Ahora estoy feliz de volver a Clarín porque me permite estar allá, es como si estuviera físicamente allá.

Un personaje suyo que tuvo una gran aceptación fue Pampita.

Tanta que a veces teníamos que sacarla un poco porque cada vez que salía se comía al personaje, al Loco Chávez. Siempre me dijeron que tenía habilidad para dibujar mujeres. Era una chica linda pero inteligente. El cable a tierra del Loco. Como se dice, tenía una cara de ángel y un cuerpo bárbaro. El sueño del pibe. Un minón, pero buena como mi mamá. Era más centrada que el Loco.

¿Conoció alguna mujer que le inspiro o le recordaba a Pampita? Cuando se hizo el programa por televisión la actriz que hacía de Pampita era Adriana Salgueiro. Era bellísima y espectacular.

Usted ha hecho bastante dibujo erótico para Playboy, con mucho éxito.

Trabajé durante doce años para Playboy, y me fue muy bien. Se vendía en doce países. Hice unas quinientas páginas. Todavía los sigo vendiendo porque conservo todos los derechos.

Usted ha dicho que el comic no ha agotado su lenguaje, sus posibilidades de expresión. ¿Por qué? El comic tendría que ser como el cine, que temáticamente abarca toda clase de contenidos. En cambio el comic está más vinculado a temas infanto-juveniles. Tendría que haber más comic político, social, de vida cotidiana. Que se haga de todo, pero que acompañe el crecimiento intelectual del lector. Que empiece leyendo Batman pero que tenga otros temas cuando llegue a los 35 años, por ejemplo.

El comic digital, realizado por computadora, es realmente otro lenguaje.

Puede llegar a serlo. Pero también puede ser un conflicto. Porque no se sabe como va a ser definitivamente. A fin de mes vamos a hacer unas Jornadas de Comic Digital en la Asociación de Ilustradores. Ahora trabajamos para el papel y se incorpora a soportes digitales. Pero se pueden añadir música, animación, multimedia. Va a terminar por ser otro lenguaje. El dibujante va a tener que trabajar con un programador. Muy distinto.

Ha tenido una exitosa asociación con el guionista Carlos Trillo.

Son historietas que han salido en Buenos Aires, como el “Loco Chávez”, “Las puertitas del Señor López” o “El Nene Montanaro”. Nuestro encuentro fue una conjunción astral. Queríamos hacer lo mismo. Trillo tiene una gran imaginación y es un tipo muy talentoso. Yo estoy siempre con los pies en la tierra, la vida cotidiana. El es más fantasioso y yo estoy más atento a lo cotidiano. Los guiones siempre los hemos hecho entre los dos.

¿Por qué cree que su tipo de dibujo, digamos clásico, también influyó en la gran difusión de sus historietas? Soy muy realista. Soy un clásico dibujante. Mis influencias son los viejos maestros de la historieta y del cine americano de los cuarenta y cincuenta. Cuando hago un comic pienso que estoy realizando una película. Las imágenes, las secuencias, las manejo con una cámara. En comic se trata de hacer la síntesis de lo que se hace en cine, es el story board (el dibujo de las principales imágenes del film con los decorados). Yo hice cine, el “Gringo Viejo” de Luis Puenzo.

“Las puertitas del Señor López” tenía una profundidad muy especial.

Es que todos tenemos algo del señor López. Las huidas hacia delante, no querer ver ni poder modificar la realidad. Es un personaje patético. Por eso, cuando se realizó la película, el final feliz no me gustó nada. El señor López no podía, nunca, ganar.

Los personajes de “Es lo que hay” ya tuvieron su bautismo de fuego, de alguna manera, en “Familia tipo”. ¿Cómo fue la recepción de la tira? Bueno, no todos los lectores compartían algunas cosas. Aquí, en Cataluña, hay una cosa que es lo políticamente correcto, que me tiene podrido porque es la censura de esta época. Si Gila, Perich o Chumy Chumez viviesen hoy aquí no podrían hacer el humor que realizaban hace años. Perich hacía chistes de discapacitados, ciegos, de la suegra. Hoy lo acusarían de machista. Está bien reírse.

¿Pero qué era lo que les molestaba a esos lectores? Por ejemplo, en “Familia Tipo” la madre trabajaba de ama de casa. Recibí cartas de alguna organización feministas criticándome y diciéndome que ella no se realizaba, como si fuera denigrante que una señora esté en su casa. Mi mujer está en mi casa y es culta, inquieta y tiene mil actividades. ¿Y cuál es el problema? Y otro tema recurrente conmigo es que como hago chicas lindas me acusaban de machista. Uno de los personajes, Gus, es machista y le va muy mal todo el tiempo. Pero la lectura de algunos es que era machista y que yo hago una historieta machista. No tiene sentido. Ponen en mi cabeza pensamientos que no tengo. Gus se pelea frecuentemente con su hermana Bea, que tiene un novio, un muchacho ingenuo. Le hace un chiste: “¿Vos sabías que era adoptada? La trajeron de Ucrania, donde la compraron muy barato pero todavía no han pagado las últimas cuotas”. ¡Las cartas que recibí de gente que había adoptado diciéndome de todo! Pero ese es un riesgo que, con variantes, también le ha podido pasar en Argentina o en los más de veinte países en donde se venden sus obras. Que la gente lo identifique con sus personajes, crea que piensa o siente como ellos.

Miguel Delibes decía que cuando un personaje habla hay lectores que piensan que habla el autor. Si en mis historietas hago un personaje gay, yo no soy gay; si hago historietas policiales, no soy ni cana ni ladrón. Pero sí me ponen a veces ideas que no tengo.

¿Y cómo siente que es su relación con sus personajes? Es como una esponja. Veo realidades y trato de copiarlas o interpretarlas. Lo importante es que los personajes tengan carnadura, sean creíbles. La historia va por allí.

viernes, 17 de septiembre de 2010

LA ISLA DE GUILLIGAN ? LOST ?........NO ! LA ISLA PRESIDENCIAL !

EXCELENTE ESTE DIBUJO ANIMADO REALIZADO EN VENEZUELA....... ESTA MUY BUENO Y ES SOBRE LOS PRESIDENTES DE LA LATINOAMERICANA BOLIVARIANA BANANARAMA Y EL REY DE HISPANIA !

QUE CHEVEREEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEE !!!!!!!